Johann Sebastian Bach (1685-1750) - The 6 French Suites

"A jornada de Francesco Tristano pela obra para teclado de Johann Sebastian Bach ganha um novo capítulo com o lançamento da integral das Seis Suítes Francesas (BWV 812–817), compostas entre aproximadamente 1722 e 1725. Este é o quarto volume do ambicioso projeto desenvolvido pelo pianista luxemburguês para o selo naïve, que pretende registrar toda a produção de Bach para teclado.

As Suítes Francesas ocupam um lugar especial na trajetória artística de Tristano. Foi justamente esse ciclo que o levou a mergulhar de forma mais profunda e duradoura no universo bachiano. O intérprete destaca a beleza discreta e a serenidade quase contemplativa dessas obras, nas quais lirismo e clareza convivem com uma escrita de extraordinária precisão. Para ele, trata-se de uma música espontânea e expressiva, cuja fluidez jamais cede à pressa ou ao excesso de dramatização.

Sob uma aparente simplicidade, as Suítes Francesas revelam um refinamento estrutural notável. Depois da ampliação formal observada nas Suítes Inglesas — registradas por Tristano em 2025 —, Bach parece buscar aqui uma linguagem mais concentrada, condensando suas ideias em formas de extraordinária economia expressiva. Esse processo culminaria, posteriormente, na síntese magistral das Partitas, reunidas na primeira parte do Clavier-Übung, também já gravadas pelo pianista.

Apesar de sua importância, a execução integral das seis suítes permanece relativamente rara. A escrita despojada e a aparente ingenuidade das partituras escondem um sofisticado jogo de contrastes e uma elaboração formal de grande sutileza, fatores que tornam o ciclo um desafio interpretativo considerável. Obras como a Suíte em Mi maior, BWV 817, exemplificam essa delicada combinação entre concisão e riqueza expressiva.

Entre os destaques do programa figura justamente essa suíte, composta por nove movimentos cuidadosamente equilibrados. A obra oferece um amplo panorama das principais danças do barroco, reunindo Allemande, Courante, Sarabande, Gavotte, Bourrée, Gigue, Menuet polonais e Petit Menuet à la française. Nesta gravação, Tristano opta pela versão revisada da partitura, precedida pelo Prelúdio em Mi maior do primeiro livro de O Cravo Bem Temperado, estabelecendo uma introdução de grande coerência musical.

Do ponto de vista interpretativo, o pianista adota uma sonoridade particularmente calorosa e delicada. Em movimentos como a Allemande da Suíte BWV 814, a Sarabande da BWV 815 e a Air da BWV 813, privilegia um toque macio e intimista, ressaltando o caráter contemplativo dessas páginas. A opção contrasta de forma evidente com a abordagem mais expansiva e brilhante das Suítes Inglesas, registradas anteriormente, nas quais predominava uma sonoridade mais incisiva e de maior projeção.

Com este novo lançamento, Francesco Tristano reafirma seu compromisso de revisitar Bach sob uma perspectiva ao mesmo tempo rigorosa e pessoal. Ao explorar a elegância discreta e a profundidade das Suítes Francesas, o pianista acrescenta um capítulo de grande sensibilidade a um projeto que se consolida como uma das mais ambiciosas integrais contemporâneas da obra para teclado do compositor de Leipzig".

Não deixe de ouvir. Uma boa apreciação! 

 

Johann Sebastian Bach (1685-1750) - 

01. French Suite No. 1 in D Minor, BWV 812: I. Allemande
02. French Suite No. 1 in D Minor, BWV 812: II. Courante
03. French Suite No. 1 in D Minor, BWV 812: III. Sarabande
04. French Suite No. 1 in D Minor, BWV 812: IV. Menuet I
05. French Suite No. 1 in D Minor, BWV 812: V. Menuet II
06. French Suite No. 1 in D Minor, BWV 812: VI. Gigue
07. French Suite No. 2 in C Minor, BWV 813: I. Allemande
08. French Suite No. 2 in C Minor, BWV 813: II. Courante
09. French Suite No. 2 in C Minor, BWV 813: III. Sarabande
10. French Suite No. 2 in C Minor, BWV 813: IV. Air
11. French Suite No. 2 in C Minor, BWV 813: V. Menuet (I)
12. French Suite No. 2 in C Minor, BWV 813: VI. Menuet (II, VWV 813a)
13. French Suite No. 2 in C Minor, BWV 813: VII. Gigue
14. French Suite No. 3 in B Minor, BWV 814: I. Allemande
15. French Suite No. 3 in B Minor, BWV 814: II. Courante
16. French Suite No. 3 in B Minor, BWV 814: III. Sarabande
17. French Suite No. 3 in B Minor, BWV 814: IV. Anglaise
18. French Suite No. 3 in B Minor, BWV 814: V. Menuet I
19. French Suite No. 3 in B Minor, BWV 814: VI. Menuet II (Trio)
20. French Suite No. 3 in B Minor, BWV 814: VII. Gigue
21. French Suite No. 4 in E-Flat Major, BWV 815: I. Allemande
22. French Suite No. 4 in E-Flat Major, BWV 815: II. Courante
23. French Suite No. 4 in E-Flat Major, BWV 815: III. Sarabande
24. French Suite No. 4 in E-Flat Major, BWV 815: IV. Gavotte
25. French Suite No. 4 in E-Flat Major, BWV 815: V. Air
26. French Suite No. 4 in E-Flat Major, BWV 815: VI. Menuet
27. French Suite No. 4 in E-Flat Major, BWV 815: VII. Gigue
28. French Suite No. 5 in G Major, BWV 816: I. Allemande
29. French Suite No. 5 in G Major, BWV 816: II. Courante
30. French Suite No. 5 in G Major, BWV 816: III. Sarabande
31. French Suite No. 5 in G Major, BWV 816: IV. Gavotte
32. French Suite No. 5 in G Major, BWV 816: V. Bourrée
33. French Suite No. 5 in G Major, BWV 816: VI. Loure
34. French Suite No. 5 in G Major, BWV 816: VII. Gigue
35. French Suite No. 6 in E Major, BWV 817: I. Prélude
36. French Suite No. 6 in E Major, BWV 817: II. Allemande
37. French Suite No. 6 in E Major, BWV 817: III. Courante
38. French Suite No. 6 in E Major, BWV 817: IV. Sarabande
39. French Suite No. 6 in E Major, BWV 817: V. Gavotte
40. French Suite No. 6 in E Major, BWV 817: VI. Menuet polonais
41. French Suite No. 6 in E Major, BWV 817: VII. Petit Menuet
42. French Suite No. 6 in E Major, BWV 817: VIII. Bourrée
43. French Suite No. 6 in E Major, BWV 817: IX. Gigue

Francesco Tristano Schlimé, piano 

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Johannes Brahms (1833-1897) - Symphonies No. 1-4

"Gianandrea Noseda figura entre os raros maestros capazes de transitar com igual autoridade entre o repertório operístico e o sinfônico. Em artigo publicado em 2021 por ocasião de sua estreia como Diretor-Geral de Música da Ópera de Zurique, o jornal suíço Neue Zürcher Zeitung resumiu essa versatilidade de forma eloquente: “Em retrospecto, é impossível dizer se Noseda é um maestro de ópera melhor do que um maestro sinfônico, ou vice-versa.” A observação sintetiza a amplitude artística de um regente cuja carreira se destaca tanto nos grandes palcos líricos quanto nas principais salas de concerto do mundo.

Durante sua atuação em Zurique, Noseda dedicou especial atenção à obra de Johannes Brahms, conduzindo um ciclo que reafirmou sua afinidade com o universo sinfônico do compositor alemão. Após uma interpretação amplamente elogiada do Ein deutsches Requiem (Um Réquiem Alemão), o maestro voltou-se para as quatro sinfonias de Brahms, dirigindo-as à frente da Orquestra da Ópera de Zurique em uma série de concertos que agora chega ao público em forma de álbum.

Compostas entre 1876 e 1885, as quatro sinfonias representam um dos pontos culminantes do romantismo orquestral. Nelas, Brahms consolidou uma linguagem que concilia o rigor formal herdado da tradição clássica com uma extraordinária intensidade expressiva, criando obras que permanecem entre os pilares do repertório sinfônico.

As interpretações reunidas nesta gravação foram registradas ao vivo em diferentes apresentações realizadas na Ópera de Zurique. A atmosfera do concerto confere às execuções um senso particular de espontaneidade e energia, preservando a comunicação direta entre maestro, orquestra e público. Sob a direção de Noseda, essas partituras revelam toda a riqueza de sua arquitetura, o refinamento da escrita orquestral e a profundidade emocional que caracterizam a maturidade criativa de Brahms.

Mais do que uma simples integral das sinfonias, este lançamento documenta o encontro entre um dos mais respeitados maestros da atualidade e um repertório central da tradição sinfônica. O resultado reafirma tanto a excelência da Orquestra da Ópera de Zurique quanto a capacidade de Gianandrea Noseda de extrair dessas obras um equilíbrio convincente entre vigor dramático, clareza estrutural e lirismo, oferecendo uma leitura que se insere com destaque na ampla discografia dedicada ao compositor".

Não deixe de ouvir. Uma boa apreciação! 

Johannes Brahms (1833-1897) - 

DISCO 01

01. Symphony No. 1 in C Minor, Op. 68: I. Un poco sostenuto - Allegro - Meno allegro
02. Symphony No. 1 in C Minor, Op. 68: II. Andante sostenuto
03. Symphony No. 1 in C Minor, Op. 68: III. Un poco allegretto e grazioso
04. Symphony No. 1 in C Minor, Op. 68: IV. Adagio - Più Andante - Allegro non troppo, ma con brio – Più allegro
05. Symphony No. 3 in F Major, Op. 90: I. Allegro con brio: Un poco sostenuto - Tempo I
06. Symphony No. 3 in F Major, Op. 90: II. Andante
07. Symphony No. 3 in F Major, Op. 90: III. Poco allegretto
08. Symphony No. 3 in F Major, Op. 90: IV. Allegro - Un poco sostenuto

DISCO 02

01. Symphony No. 2 in D Major, Op. 73: I. Allegro non troppo
02. Symphony No. 2 in D Major, Op. 73: II. Adagio non troppo - L'istesso tempo, ma grazioso
03. Symphony No. 2 in D Major, Op. 73: III. Allegretto grazioso (quasi andantino) – Presto ma non assai
04. Symphony No. 2 in D Major, Op. 73: IV. Allegro con spirito
05. Symphony No. 4 in E Minor, Op. 98: I. Allegro non troppo
06. Symphony No. 4 in E Minor, Op. 98: II. Andante moderato
07. Symphony No. 4 in E Minor, Op. 98: III. Allegro giocoso - Poco meno presto - Tempo I
08. Symphony No. 4 in E Minor, Op. 98: IV. Allegro energico e passionato - Più allegro 

Orchester der Oper Zürich
Gianandrea Noseda, regente 

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Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788) - Sonaten für Clavier und Flöte

"Este álbum convida o ouvinte a mergulhar no universo expressivo de Carl Philipp Emanuel Bach, compositor que desempenhou um papel decisivo na transição entre o barroco tardio e o classicismo. Filho de Johann Sebastian Bach, mas dotado de uma linguagem profundamente original, C. P. E. Bach tornou-se uma das figuras mais inovadoras do século XVIII, abrindo novos caminhos para a música instrumental e influenciando diretamente compositores como Haydn, Mozart e Beethoven.

As sonatas para teclado e flauta reunidas neste lançamento refletem com clareza esse momento de transformação estética. Embora ainda preservem a organização formal e o equilíbrio herdados da sonata em trio barroca, as obras revelam uma linguagem muito mais livre, marcada pela busca da expressividade, pela valorização do contraste e por uma intensa exploração das emoções humanas.

Um dos aspectos mais inovadores dessas partituras é o tratamento conferido ao teclado. Longe de exercer apenas a função de acompanhamento, o instrumento assume papel de absoluto protagonismo, estabelecendo um diálogo constante com a flauta. Essa igualdade entre os dois intérpretes cria uma escrita camerística de extraordinária riqueza, na qual as ideias musicais circulam livremente entre as vozes, antecipando características que se tornariam fundamentais na música clássica das décadas seguintes.

Essa concepção está intimamente ligada ao chamado Empfindsamer Stil — o “estilo sensível” —, corrente estética da qual Carl Philipp Emanuel Bach foi um dos maiores representantes. Caracterizada pela valorização da subjetividade, das mudanças repentinas de caráter e da expressão direta dos sentimentos, essa linguagem rompe com a estabilidade típica do barroco e inaugura uma nova forma de comunicação musical, mais íntima, espontânea e emocionalmente complexa.

Ao reunir essas sonatas, o álbum evidencia não apenas o extraordinário talento de C. P. E. Bach, mas também sua importância histórica como elo entre duas grandes épocas da música ocidental. São obras que conservam a solidez estrutural da tradição barroca, mas já apontam para um novo ideal de liberdade expressiva, fazendo deste repertório um dos capítulos mais fascinantes da evolução da música de câmara do século XVIII".

Não deixe de ouvir. Uma boa apreciação! 

Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788) -

01. Sonata in E Major for keyboard and flute Wq. 84: I. Allegretto (5:48)
02. Sonata in E Major for keyboard and flute Wq. 84: II. Adagio di molto (3:46)
03. Sonata in E Major for keyboard and flute Wq. 84: III. Allegro assai (3:44)
04. Sonata in C Major for keyboard and flute Wq. 87: I. Allegretto (4:10)
05. Sonata in C Major for keyboard and flute Wq. 87: II. Andantino (3:09)
06. Sonata in C Major for keyboard and flute Wq. 87: III. Allegro (3:42)
07. Sonata in G Major for keyboard and flute Wq. 85: I. Allegretto (4:39)
08. Sonata in G Major for keyboard and flute Wq. 85: II. Andantino (3:26)
09. Sonata in G Major for keyboard and flute Wq. 85: III. Allegro (3:27)
10. Harpsichord Sonata in G Minor Wq. 65/11: I. Allegro (3:10)
11. Harpsichord Sonata in G Minor Wq. 65/11: II. Andante (2:28)
12. Harpsichord Sonata in G Minor Wq. 65/11: III. Allegretto grazioso (2:51)
13. Sonata in G Major for keyboard and flute Wq. 86: I. Andante (2:07)
14. Sonata in G Major for keyboard and flute Wq. 86: II. Allegretto (4:29)
15. Sonata in G Major for keyboard and flute Wq. 86: III. Allegro (3:54)
16. Sonata in D Major for keyboard and flute Wq. 83: I. Allegro un poco (4:27)
17. Sonata in D Major for keyboard and flute Wq. 83: II. Largo (5:15)
18. Sonata in D Major for keyboard and flute Wq. 83: III. Allegro (4:14)

Tini Mathot, cravo
Reine-Marie Verhagen, flauta

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Dmitry B. Kabalevsky (1904-1987) - Piano Concerto No.1, Op.9 e Piano Concerto No.2, Op.23

 

 

Contemporâneo de Prokofiev e Shostakovich, construiu uma linguagem menos áspera e experimental, marcada pela clareza melódica, pelo vigor rítmico e por uma comunicação bastante direta com o público. Seus Concertos para Piano nº 1 e nº 2, reunidos nesta gravação da pianista In-Ju Bang com a Russian Philharmonic Orchestra, sob a regência de Dmitry Yablonsky, permitem acompanhar a formação dessa personalidade musical e descobrir um repertório que permanece injustamente à sombra dos concertos russos mais conhecidos.

Escrito em 1928, o Concerto para Piano nº 1 em Lá menor, Op. 9, pertence aos primeiros anos da carreira de Kabalevsky. O compositor ainda estudava no Conservatório de Moscou e encontrava-se em pleno processo de definição de sua linguagem. Não surpreende, portanto, que a obra revele ecos da tradição romântica russa e, ao mesmo tempo, da modernidade que então transformava a música soviética. O piano assume papel de grande destaque, alternando passagens vigorosas e virtuosísticas com episódios de lirismo mais íntimo.

O que chama atenção nesse primeiro concerto é justamente sua combinação de juventude e segurança. Kabalevsky não rompe com a tradição do concerto romântico: solista e orquestra continuam envolvidos em um diálogo dramático, e a escrita pianística conserva o brilho esperado de uma obra do gênero. Entretanto, já aparecem características que se tornariam marcas do compositor, sobretudo a objetividade das formas, o impulso rítmico e a preferência por melodias facilmente reconhecíveis. Mesmo nos momentos mais densos, sua música raramente abandona a clareza.

O Concerto para Piano nº 2 em Sol menor, Op. 23, escrito poucos anos depois, em 1935, apresenta um compositor mais seguro de seus recursos. A obra seria posteriormente revista, em 1973, mas preserva o espírito de sua concepção original. Aqui, o equilíbrio entre virtuosismo e expressão torna-se ainda mais evidente. A escrita pianística é exigente, porém o solista não aparece apenas como protagonista de uma exibição técnica: integra-se constantemente à estrutura orquestral e participa da construção dos contrastes dramáticos.

O segundo concerto também revela com maior nitidez a capacidade de Kabalevsky para transformar materiais aparentemente simples em música de grande eficácia. Há momentos de energia quase percussiva, passagens marcadas por humor e vivacidade e episódios de lirismo que remetem à tradição russa. Essa alternância entre tensão e espontaneidade ajuda a explicar a acessibilidade de sua linguagem. Kabalevsky podia ser moderno sem transformar a modernidade em obstáculo para o ouvinte.

Essa característica acabaria se tornando central em sua trajetória. Professor e autor de numerosas peças destinadas a estudantes, Kabalevsky defendia uma música capaz de aproximar formação técnica e prazer estético. Seus concertos, embora muito mais ambiciosos do que suas célebres obras pedagógicas, compartilham dessa preocupação com a comunicação. Há complexidade, mas ela permanece subordinada à expressão; há virtuosismo, mas raramente como finalidade em si mesmo.

Nesta gravação, In-Ju Bang enfrenta os dois concertos com a combinação necessária de força, precisão e lirismo, enquanto Dmitry Yablonsky e a Russian Philharmonic Orchestra ressaltam a riqueza das cores orquestrais sem obscurecer o piano. A interpretação contribui para mostrar que essas obras merecem ser conhecidas para além de seu valor histórico.

Ouvir os dois primeiros concertos de Kabalevsky lado a lado é, sobretudo, acompanhar um compositor descobrindo a própria voz. Entre a herança do romantismo russo e as novas exigências estéticas do século XX, emerge uma música franca, vigorosa e surpreendentemente comunicativa. Talvez seja justamente essa ausência de afetação que explique seu encanto: Kabalevsky não procura desconcertar o ouvinte, mas conquistá-lo pela força das ideias e pelo prazer imediato de fazer música.

Não deixe de ouvir. Uma boa apreciação! 

Dmitry B. Kabalevsky (1904-1987) - 

01 - Piano Concerto No.1, op.9 - I. Moderato quasi andantino
02 - Piano Concerto No.1, op.9 - II. Moderato - Allegro assai
03 - Piano Concerto No.1, op.9 - III. Vivace marcato
04 - Piano Concerto No.2, op.23 - I. Allegro moderato
05 - Piano Concerto No.2, op.23 - II. Andantino semplice
06 - Piano Concerto No.2, op.23 - III. Allegro molto

Russian Philharmonic Orchestra
Dmitry Yablonsky, regente
In-JU Bang, piano 

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Carl Nielsen (1865-1931) - Helios, Op. 17, FS 32, Concerto, Op. 57, FS 129 e Symphony No. 5, Op. 50, FS 97

"A série dedicada às sinfonias de Carl Nielsen, conduzida por Edward Gardner à frente da Orquestra Filarmônica de Bergen, prossegue com uma das obras mais singulares do compositor dinamarquês: a Sinfonia nº 5. O programa é complementado pela abertura Helios e pelo Concerto para Clarineta, que tem Alessandro Carbonare como solista. O álbum reúne, assim, três partituras capazes de revelar diferentes aspectos da personalidade criativa de Nielsen, do luminoso retrato da natureza à tensão dramática de sua escrita tardia.

Composta em 1903, durante uma temporada na Grécia, Helios nasceu em circunstâncias particularmente sugestivas. Nielsen acompanhava sua esposa, a escultora Anne Marie, que havia recebido uma bolsa para copiar obras da Antiguidade conservadas na Acrópole. Em cerca de dez a doze minutos, o compositor transforma em música o percurso diário do sol sobre o Mar Egeu: o amanhecer, a luminosidade plena do meio-dia e, finalmente, o desaparecimento do astro no horizonte. A força evocativa da partitura fez dela uma das obras mais frequentemente executadas de Nielsen.

De natureza muito diferente é o Concerto para Clarineta, composto em 1928. Estruturado em um único grande movimento dividido em quatro seções, o concerto foi dedicado ao clarinetista Aage Oxenvad, amigo de Nielsen e responsável por sua primeira apresentação. A obra pertence à fase final da produção do compositor e concentra em sua escrita uma linguagem marcada por contrastes, tensão e grandes exigências expressivas. Nesta gravação, a parte solista fica a cargo de Alessandro Carbonare.

No centro do programa encontra-se a Sinfonia nº 5, composta entre 1920 e 1922. Excepcional dentro do catálogo de Nielsen, a obra está organizada em apenas dois movimentos - caso único entre suas sinfonias. Diferentemente de outras partituras sinfônicas da maturidade, também não recebeu um subtítulo, característica que permite compreendê-la como uma manifestação de “música pura”, menos vinculada a um programa explicitamente descritivo.

Isso não significa, porém, ausência de conflito ou significado. O próprio Nielsen definiu a sinfonia como uma representação da “divisão entre escuridão e luz, da batalha entre o mal e o bem”, estabelecendo ainda uma oposição entre “Sonhos e Ações”. Essa permanente luta de forças tornou-se um dos elementos mais marcantes da obra e contribuiu para que muitos comentaristas passassem a enxergá-la como uma espécie de “sinfonia de guerra”.

Nielsen rejeitou, contudo, a ideia de que estivesse deliberadamente retratando a Primeira Guerra Mundial. Segundo o compositor, o conflito não estava diretamente em seus pensamentos durante a criação da partitura. Ao mesmo tempo, reconheceu a impossibilidade de escapar completamente das transformações provocadas pela experiência histórica, observando que “nenhum de nós é o mesmo que era antes da guerra”.

Sob a direção de Edward Gardner, a Filarmônica de Bergen dá continuidade, portanto, a uma série que procura iluminar a riqueza e a originalidade do universo sinfônico de Nielsen. Reunindo a luminosidade mediterrânea de Helios, a personalidade inquieta do Concerto para Clarineta e o monumental confronto de forças da Quinta Sinfonia, o programa oferece um retrato expressivo de um compositor que fez do contraste, da energia e da tensão entre opostos alguns dos fundamentos de sua linguagem musical".

Não deixe de ouvir. Uma boa apreciação! 

Carl Nielsen (1865-1931) - 

01. Helios, Op. 17, FS 32 (1903)

Concerto, Op. 57, FS 129 (1928)
02. I. Allegretto un poco – A tempo, ma tranquillo – Cadenza – Tempo I – Allegro non troppo – Più allegro – Tempo I
03. II. Poco adagio – A tempo, ma tranquillo – Più mosso – Poco adagio –
04. III. Allegro non troppo – Meno – Molto cantabile e ben tenuto – Molto espressivo e ben tenuto – Poco più mosso – Un poco meno – Cadenza – Adagio – Più vivo – Adagio –
05. IV. Allegro vivace – Molto tranquillo – Tempo I – Poco adagio – Allegro – Tempo I (Allegro vivace) – Poco meno

Symphony No. 5, Op. 50, FS 97 (1920) - 
06. I. Tempo giusto – Tranquillo – Tranquillo –
07. Adagio – Cadenza [snare drum] – Tranquillo – Cadenza [clarinet]
08. II. Allegro – Un poco di più –
09. Presto –
10. Andante poco tranquillo –
11. Allegro (Tempo I)

Bergen Philharmonic Orchestra
Edward Gardner, regente
Allessandro Carbonare, clarinet (2-5) 

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Pyotr Ilyich Tchaikovsky (1840-1893) - Serenade for Strings in C major, Op. 48, Edward Elgar (1857-1934) - Serenade for Strings in E minor, Op. 20 e Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) - Serenade in G major, KV 525 "Eine kleine Nachtmusik"

"Para celebrar seus 75 anos de história, a Orquestra de Câmara de Zurique reuniu em um novo álbum algumas das obras mais queridas de seu repertório. Concebida como uma homenagem tanto aos músicos quanto ao público que acompanhou sua trajetória ao longo de décadas, a gravação sintetiza uma tradição artística marcada pela excelência interpretativa e pela permanente renovação.

Fundada em 1945 pelo maestro Edmond de Stoutz, a Orquestra de Câmara de Zurique construiu uma trajetória de grande prestígio, percorrendo um repertório que se estende do barroco à criação contemporânea. Ao longo desse caminho, o conjunto consolidou uma identidade própria, caracterizada pela precisão, pela flexibilidade e por uma sonoridade especialmente adequada às exigências da literatura para orquestra de câmara.

Para este lançamento comemorativo, os músicos unem-se ao diretor musical Daniel Hope na escolha de três serenatas clássicas que ocupam lugar privilegiado na história do conjunto. São obras que representam não apenas alguns dos momentos mais conhecidos do repertório para cordas, mas também uma tradição interpretativa cultivada pela orquestra ao longo de sua existência.

A escolha da serenata como fio condutor do programa mostra-se particularmente significativa. Associado à leveza, à elegância e ao prazer da convivência musical, o gênero permite evidenciar algumas das principais virtudes de uma formação camerística: equilíbrio entre as vozes, transparência das texturas, refinamento do fraseado e estreita comunicação entre os intérpretes.

Mais do que simplesmente revisitar páginas consagradas, este álbum assume assim o caráter de uma celebração. Ao lado de Daniel Hope, a Orquestra de Câmara de Zurique transforma seus 75 anos em música, reafirmando uma identidade construída entre tradição e renovação e oferecendo ao público um retrato afetivo de algumas das obras que ajudaram a definir sua história artística".

Não deixe de ouvir. Uma boa apreciação! 

Pyotr Ilyich Tchaikovsky (1840-1893)

Serenade for Strings in C major, Op. 48
01. 1. Pezzo in forma di sonatina. Andante non troppo - Allegro moderato
02. 2. Valse. Moderato. Tempo di Valse
03. 3. Élégie. Larghetto elegiaco
04. 4. Finale. Tema russo. Andante - Allegro con spirito 

Edward Elgar (1857-1934)

Serenade for Strings in E minor, Op. 20
05. 1. Allegro piacevole
06. 2. Larghetto
07. 3. Allegretto

Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791)

Serenade in G major, KV 525 "Eine kleine Nachtmusik"
08. 1. Allegro
09. 2. Romance. Andante
10. 3. Menuetto. Allegretto - Trio
11. 4. Rondo. Allegro

Zürcher Kammerorchester
Daniel Hope, regente 

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Ludwig van Beethoven (1770-1827) - Piano Trios, Op. 70 & 121

Três músicos de projeção internacional decidiram unir suas trajetórias em 2011 e deram origem ao Hamlet Piano Trio, conjunto que desde então vem conquistando crescente reconhecimento no cenário camerístico mundial. Seus integrantes já haviam construído carreiras sólidas tanto como solistas quanto como músicos de câmara, experiência que rapidamente se refletiu na identidade artística do trio. O primeiro álbum do grupo, dedicado aos Trios para Piano de Mendelssohn, recebeu elogios da crítica internacional. Neste novo lançamento, o conjunto volta-se para Ludwig van Beethoven e para a linguagem revolucionária que marcou seus primeiros anos em Viena.

Quando Beethoven chegou à capital austríaca, sua personalidade musical provocou reações contraditórias. Para muitos ouvintes da época, aquela música parecia excessivamente brutal, obstinada, inquieta e até inconveniente. O jovem pianista virtuose, porém, estava determinado a construir também uma carreira como compositor e pouco se importava com a incompreensão daqueles que ainda não estavam preparados para sua linguagem.

Essa determinação pode ser percebida até mesmo na maneira como Beethoven organizou sua produção. Ao estabelecer-se em Viena, praticamente deixou de lado as obras escritas anteriormente em Bonn e iniciou uma nova contagem de seu catálogo. Não por acaso, reservou o Opus 1 justamente para seus primeiros Trios para Piano, obras que funcionavam como uma espécie de cartão de apresentação do jovem compositor diante da sofisticada sociedade musical vienense.

A recepção, contudo, esteve longe de ser consensual. Um crítico da época reconheceu que Beethoven seguia um caminho próprio, mas classificou esse percurso como “bizarro e cansativo”. Reclamava da ausência de melodias facilmente reconhecíveis, das modulações inesperadas, das progressões harmônicas pouco convencionais e do acúmulo de dificuldades que, segundo ele, acabavam por esgotar a paciência e o prazer do ouvinte.

Beethoven respondeu com a concisão e a segurança que se tornariam características de sua personalidade: “Eles não entendem nada.” O tempo acabaria lhe dando razão. Anos depois, ainda lembrando daquele julgamento desfavorável, o compositor não hesitaria em chamar o crítico de “boi”.

A anedota ilustra de maneira eloquente o impacto causado pelos primeiros Trios para Piano de Beethoven. Aquilo que parte do público vienense interpretava como obstinação ou excentricidade era, na verdade, o surgimento de uma linguagem que começava a desafiar as convenções do classicismo e a ampliar os horizontes da música de câmara.

É justamente esse Beethoven inquieto, ousado e determinado a seguir seu próprio caminho que o Hamlet Piano Trio procura recuperar neste álbum. Depois da elogiada incursão pelo universo de Mendelssohn, o conjunto volta-se para as origens da trajetória vienense de um compositor que inicialmente desconcertou seus contemporâneos, mas cuja música acabaria por transformar definitivamente a história da tradição instrumental europeia".

Não deixe de ouvir. Uma boa apreciação! 

Ludwig van Beethoven (1770-1827) - 

01. Piano Trio No.5 in D Major, Op. 70 No.1 "Geister-Trio": I. Allegro vivace e con brio
02. Piano Trio No.5 in D Major, Op. 70 No.1 "Geister-Trio": II. Largo assai ed espressivo
03. Piano Trio No.5 in D Major, Op. 70 No.1 "Geister-Trio": III. Presto
04. Piano Trio in E-Flat Major, Op. 70 No.2: I. Poco sostenuto-Allegro ma non troppo
05. Piano Trio in E-Flat Major, Op. 70 No.2: II. Allegretto
06. Piano Trio in E-Flat Major, Op. 70 No.2: III. Allegretto man non troppo
07. Piano Trio in E-Flat Major, Op. 70 No.2: IV. Finale. Allegro
08. 10 Variations on 'Ich bin der Schneider Kakadu', Op.121a

Hamlet Piano Trio 

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Sergei Rachmaninov (1873-1943) - 24 Preludes

Os 24 Prelúdios de Sergei Rachmaninoff constituem uma das grandes sínteses do pianismo tardo-romântico. Neles, densidade emocional, lirismo delicado e virtuosismo explosivo convivem em equilíbrio permanente, formando um vasto panorama das possibilidades expressivas do piano. Justamente por suas elevadas exigências técnicas e pela complexidade de seu universo emocional, apresentações e gravações da integral permanecem menos frequentes do que as dedicadas a outras obras importantes do repertório pianístico.

É nesse contexto que se destaca a nova gravação da pianista sul-coreana Noh Ye-jin, realizada ao piano Fazioli F278. O lançamento não apenas acrescenta uma nova interpretação à extensa discografia de Rachmaninoff, mas também representa um marco particular: trata-se da primeira gravação integral dos 24 Prelúdios realizada por uma pianista coreana.

O projeto é resultado de aproximadamente quatro anos de preparação. Durante esse período, Noh Ye-jin dedicou-se ao estudo do conjunto como algo que ultrapassa uma simples sucessão de peças independentes. Seu trabalho procura revelar as melodias ocultas, as mudanças de atmosfera e as múltiplas camadas emocionais que atravessam essas páginas, construindo uma visão abrangente do universo pianístico de Rachmaninoff.

Mais do que vencer os formidáveis desafios técnicos impostos pela partitura, a intérprete demonstra especial atenção à dimensão lírica e introspectiva da música. Sua abordagem busca transformar os 24 Prelúdios em um percurso coerente e orgânico, no qual cada peça conserva sua personalidade ao mesmo tempo que participa de uma narrativa musical mais ampla.

O álbum representa, assim, um momento significativo na trajetória artística de Noh Ye-jin. Ao enfrentar um dos grandes monumentos do repertório para piano, a intérprete evidencia não apenas domínio técnico, mas também amadurecimento musical e sensibilidade para penetrar nas regiões mais íntimas da escrita de Rachmaninoff. O resultado promete enriquecer a discografia dedicada ao compositor e oferecer uma nova perspectiva sobre uma coleção que permanece entre as realizações mais exigentes e fascinantes do pianismo romântico.

Não deixe de ouvir. Uma boa apreciação! 

Sergei Rachmaninov (1873-1943) -

01. Prelude, Op. 3, No. 2 in C-sharp minor
02. 10 Preludes, Op. 23: Prelude, Op. 23, No. 1 in F-sharp minor
03. 10 Preludes, Op. 23: Prelude, Op. 23, No. 2 in B-flat major
04. 10 Preludes, Op. 23: Prelude, Op. 23, No. 3 in D minor
05. 10 Preludes, Op. 23: Prelude, Op. 23, No. 4 in D major
06. 10 Preludes, Op. 23: Prelude, Op. 23, No. 5 in G minor
07. 10 Preludes, Op. 23: Prelude, Op. 23, No. 6 in E-flat major
08. 10 Preludes, Op. 23: Prelude, Op. 23, No. 7 in C minor
09. 10 Preludes, Op. 23: Prelude, Op. 23, No. 8 in A-flat major
10. 10 Preludes, Op. 23: Prelude, Op. 23, No. 9 in E-flat minor
11. 10 Preludes, Op. 23: Prelude, Op. 23, No. 10 in G-flat major
12. 13 Preludes, Op. 32: Prelude, Op. 32, No. 1 in C major
13. 13 Preludes, Op. 32: Prelude, Op. 32, No. 2 in B-flat minor
14. 13 Preludes, Op. 32: Prelude, Op. 32, No. 3 in E major
15. 13 Preludes, Op. 32: Prelude, Op. 32, No. 4 in E minor
16. 13 Preludes, Op. 32: Prelude, Op. 32, No. 5 in G major
17. 13 Preludes, Op. 32: Prelude, Op. 32, No. 6 in F minor
18. 13 Preludes, Op. 32: Prelude, Op. 32, No. 7 in F major
19. 13 Preludes, Op. 32: Prelude, Op. 32, No. 8 in A minor
20. 13 Preludes, Op. 32: Prelude, Op. 32, No. 9 in A major
21. 13 Preludes, Op. 32: Prelude, Op. 32, No. 10 in B minor
22. 13 Preludes, Op. 32: Prelude, Op. 32, No. 11 in B major
23. 13 Preludes, Op. 32: Prelude, Op. 32, No. 12 in G-sharp minor
24. 13 Preludes, Op. 32: Prelude, Op. 32, No. 13 in D-flat major 

Yejin Noh, piano 

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Johann Sebastian Bach (1685-1750) - Brandenburg Concertos, Orchestral Suites

"Para os ouvintes mais familiarizados com a obra de Johann Sebastian Bach, é provável que já existam gravações favoritas dos Concertos de Brandemburgo e das Suítes Orquestrais. Para quem começa a explorar esse repertório, porém, esta coleção de três CDs, com Neville Marriner à frente da Academy of St Martin in the Fields, continua sendo uma opção particularmente atraente, combinando qualidade artística, excelente execução e uma abordagem acessível dessas obras fundamentais do barroco.

Realizadas em 1984 e 1985, as gravações conservam uma qualidade sonora bastante convincente para os padrões do início da era digital. Do ponto de vista interpretativo, Marriner não adota com o mesmo rigor as práticas historicamente informadas associadas a especialistas como Gustav Leonhardt ou Trevor Pinnock. Sua leitura, contudo, está longe de ignorar os conhecimentos musicológicos sobre o período. O resultado é um Bach elegante, vigoroso e musicalmente consistente, ainda que executado em instrumentos modernos — característica que poderá incomodar os defensores mais rigorosos dos instrumentos de época.

A Academy of St Martin in the Fields apresenta sua habitual excelência técnica. A execução é limpa, precisa e profundamente musical. Se a sonoridade não possui os timbres peculiares dos instrumentos históricos e pode parecer mais encorpada do que aquela preferida pelos admiradores de um barroco mais enxuto, dificilmente se poderá acusar essas interpretações de falta de vitalidade ou colorido.

Nos Concertos de Brandemburgo, Marriner privilegia energia e clareza, apoiado por solistas de excelente nível. O resultado é robusto e frequentemente empolgante. Um dos grandes destaques surge no Concerto de Brandemburgo nº 5, no qual George Malcolm assume o célebre solo de cravo com vigor e extraordinária presença, projetando-se claramente sobre o conjunto orquestral.

As interpretações das quatro Suítes Orquestrais também se destacam pelo cuidado técnico, pela aproximação criteriosa às práticas barrocas e pela qualidade da captação digital. Particularmente interessante é a Suíte nº 2 em Si menor, apresentada com um caráter mais vigoroso do que o habitual e executada com a mesma desenvoltura das suítes mais extrovertidas que a sucedem.

Nas Suítes nº 3 e nº 4, ambas em Ré maior, os metais assumem naturalmente posição de destaque, conferindo às interpretações um caráter festivo e jubiloso. Marriner e seus músicos exploram com entusiasmo essa dimensão cerimonial da escrita de Bach, sem comprometer a clareza das texturas.

O contraste mais expressivo aparece na célebre Ária da Suíte nº 3, posteriormente popularizada como Air on the G String. Aqui, a exuberância cede lugar à introspecção. A Academy interpreta a página com excepcional delicadeza, permitindo que sua serenidade melódica surja sem sentimentalismo excessivo.

Embora as décadas seguintes tenham produzido inúmeras gravações historicamente informadas capazes de oferecer perspectivas diferentes sobre essas obras, o Bach de Marriner mantém seu interesse. A elegância, a precisão e a vitalidade da Academy of St Martin in the Fields fazem desta coleção uma excelente introdução aos Concertos de Brandemburgo e às Suítes Orquestrais — e, mesmo para ouvintes experientes, um testemunho valioso de uma tradição interpretativa que soube conciliar o refinamento da orquestra moderna com uma compreensão cada vez mais profunda do estilo barroco".

Não deixe de ouvir. Uma boa apreciação! 

Johann Sebastian Bach (1685-1750) - 

DISCO 01

Brandenburg Concerto No. 1 in F major, BWV 1046
01. 1. Allegro
02. 2. Adagio
03. 3. Allegro
04. 4. Menuet 1 - Trio 1 - Menuet 2 - Polonaise - Menuet 3 - Trio 2 - Menuet 4

Brandenburg Concerto No. 2 in F major, BWV 1047
05. 1. Allegro
06. 2. Andante
07. 3. Allegro assai

Brandenburg Concerto No. 3 in G major, BWV 1048
08. 1. Allegro
09. 2. Adagio
10. 3. Allegro

Brandenburg Concerto No. 4 in G major, BWV 1049
11. 1. Allegro
12. 2. Andante
13. 3. Presto

DISCO 02

Brandenburg Concerto No. 5 in D major, BWV 1050
01. 1. Allegro
02. 2. Affettuoso
03. 3. Allegro

Brandenburg Concerto No. 6 in B flat major, BWV 1051
04. 1. Allegro
05. 2. Adagio ma non tanto
06. 3. Allegro

Orchestral Suite No. 1 in C major, BWV 1066
07. 1. Overture
08. 2. Courante
09. 3. Gavotte 1 & 2
10. 4. Forlane
11. 5. Menuet 1 & 2
12. 6. Bourrée 1 & 2
13. 7. Passepied 1 & 2

DISCO 03

Orchestral Suite No. 2 in B minor, BWV 1067
01. 1. Overture
02. 2. Rondeau
03. 3. Sarabande
04. 4. Bourrée 1 & 2
05. 5. Polonaise
06. 6. Menuet
07. 7. Badinerie

Orchestral Suite No. 3 in D major, BWV 1068
08. 1. Overture
09. 2. Air
10. 3. Gavotte 1 & 2
11. 4. Bourrée
12. 5. Gigue

Orchestral Suite No. 4 in D major, BWV 1069
13. 1. Overture
14. 2. Bourrée 1 & 2
15. 3. Gavotte
16. 4. Menuet 1 & 2
17. 5. Réjouissance

Academy of St Martin in the Fields
Neville Marriner, regente 

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Fondo Barocco - Baroque Cello Sonatas - Antonio Caldara, Giuseppe Sammartini, Wenceslaus Spourni e Giovanni Bononcini

"Quando se fala em sonatas barrocas para violoncelo e baixo contínuo, o repertório mais frequentemente lembrado costuma limitar-se às obras de Antonio Vivaldi e Benedetto Marcello. No entanto, para além desse cânone amplamente conhecido, existe um rico universo de composições que permanece injustamente à margem das salas de concerto e da discografia. É justamente esse patrimônio pouco explorado que este álbum se propõe a revelar.

Ao lado de nomes como Antonio Caldara, Giuseppe Sammartini e Giovanni Bononcini, o programa resgata ainda a figura praticamente esquecida de Wenceslaus Spourni. Nascido por volta de 1700 na Boêmia com o nome de Václav Spurný, o músico estabeleceu-se em Paris, onde conquistou reconhecimento como violoncelista e compositor. Sua produção, hoje raramente executada, evidencia a riqueza e a diversidade da escola barroca europeia para instrumentos de cordas.

A redescoberta desse repertório deve-se ao trabalho do Duo Fondo Barocco, formado pela violoncelista Marie Orsini-Rosenberg e pelo contrabaixista Herwig Neugebauer. Com espírito investigativo e profundo conhecimento das práticas interpretativas da música antiga, os dois músicos dedicam-se a recuperar obras que permaneceram durante séculos praticamente esquecidas, devolvendo-as ao público em interpretações marcadas por vitalidade e refinamento.

A cumplicidade artística entre os intérpretes revela-se na fluidez do diálogo entre violoncelo e baixo contínuo, valorizando tanto a riqueza melódica quanto a inventividade harmônica dessas páginas barrocas. Cada obra evidencia uma faceta distinta da escrita instrumental do período, demonstrando que a tradição da sonata para violoncelo foi muito mais ampla e diversificada do que normalmente sugere o repertório consagrado.

Mais do que uma curiosidade musicológica, este lançamento constitui um convite à redescoberta de compositores que contribuíram significativamente para a evolução da música instrumental do século XVIII. Graças às interpretações vivas e expressivas do Duo Fondo Barocco, essas verdadeiras joias do barroco voltam a ocupar o lugar que lhes cabe, enriquecendo o repertório e ampliando nossa compreensão da extraordinária diversidade da música europeia desse período".

Não deixe de ouvir. Uma boa apreciação! 

Antonio Caldara (1670–1736) - 

Sonata IV in D Minor (1735) for violoncello and basso continuo
01. Allegro
02. Largo
03. Allegro assai

Giuseppe Sammartini (1693-1750) -

Sonata III in A Minor for violoncello and basso continuo
04. Andante
05. Allegro
06. Minuet Allegro

Wenceslaus Spourni (1700-1754) - 

Sonata V in F Major for violoncello and basso continuo
07. Largo
08. Allegro
09. Grave
10. Tempo di Men(uet) Alternativement

Antonio Caldara (1670–1736) - 

Sonata XIV in A Minor (1735) for violoncello and basso continuo
11. Largo
12. Allegro
13. Aria Larghetto
14. Allegro e spiritoso

Giovanni Bononcini (1670-1747) - 

Sonata I in A Minor for violoncello and basso continuo
15. Andante
16. Allegro
17. Grazioso Minuet

Antonio Caldara (1670–1736) - 

Sonata II in D Major (1735) for violoncello and basso continuo
18. Allegro
19. Largo
20. Allegro

Fondo Barocco  

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Piotr I. Tchaikovsky (1840-1893) - Orchestral Works

"Esta coletânea reúne algumas das mais célebres páginas orquestrais e trechos de balé de Piotr Ilitch Tchaikovsky, oferecendo um panorama representativo da extraordinária capacidade do compositor russo de unir lirismo, brilho orquestral e intenso poder dramático. O álbum reafirma a força de uma parceria artística amplamente reconhecida pela crítica internacional: o maestro Dmitrij Kitajenko e a Orquestra Gürzenich de Colônia.

Desde que foi nomeado maestro honorário da tradicional formação alemã, em 2009, Kitajenko consolidou uma das mais importantes colaborações discográficas dedicadas ao repertório russo. Juntos, maestro e orquestra registraram as integrais das sinfonias de Dmitri Shostakovich, Sergei Prokofiev, Piotr Ilitch Tchaikovsky e Sergei Rachmaninoff, interpretações que receberam inúmeros prêmios internacionais e hoje figuram entre as principais referências da discografia contemporânea.

Essa afinidade com a música russa também se manifestou de forma marcante na gravação da ópera Iolanta, de Tchaikovsky, lançada em 2015. Reunindo Olesya Golovneva, Alexander Vinogradov e Andrei Bondarenko nos papéis principais, a produção foi amplamente elogiada pela crítica especializada e conquistou o prêmio de Ópera do Ano concedido pelo International Classical Music Awards (ICMA), consolidando ainda mais o prestígio da parceria entre Kitajenko e a Gürzenich.

Nesta nova coletânea, a experiência acumulada ao longo de anos de dedicação ao repertório do compositor traduz-se em interpretações de grande naturalidade e refinamento. As páginas orquestrais revelam toda a riqueza melódica e a sofisticada paleta de cores que caracterizam a escrita de Tchaikovsky, enquanto as seleções extraídas de seus balés evidenciam o vigor rítmico, a elegância da dança e a inesgotável capacidade narrativa que fizeram dessas partituras um patrimônio permanente da música ocidental.

Mais do que uma simples reunião de obras célebres, o álbum sintetiza uma trajetória artística marcada pela excelência interpretativa e pelo profundo conhecimento da tradição sinfônica russa. É uma gravação que confirma Dmitrij Kitajenko e a Orquestra Gürzenich de Colônia entre os mais importantes intérpretes contemporâneos da obra de Tchaikovsky, oferecendo ao público uma leitura ao mesmo tempo vibrante, elegante e fiel ao espírito do compositor".

Não deixe de ouvir. Uma boa apreciação!

Piotr I. Tchaikovsky (1840-1893) -

DISCO 01

01. The Queen of Spades, Op. 68, TH 10: Overture (03:56)
02. Capriccio italien, Op. 45, TH 47 (16:42)
03. The Snow Maiden, Op. 12, TH 19 (Excerpts): No. 1, Introduction (05:54)
04. The Snow Maiden, Op. 12, TH 19 (Excerpts): No. 10, Melodrama (04:47)
05. The Snow Maiden, Op. 12, TH 19 (Excerpts): No. 13, Dance of the Tumblers (04:49)
06. The Sleeping Beauty Suite, Op. 66a, TH 234: I. Introduction (05:03)
07. The Sleeping Beauty Suite, Op. 66a, TH 234: II. Adagio - III. Pas de caractère (06:39)
08. The Sleeping Beauty Suite, Op. 66a, TH 234: IV. Panorama (03:06)
09. The Sleeping Beauty Suite, Op. 66a, TH 234: V. Waltz (04:58)
10. Variations on a Rococo Theme, Op. 33, TH 57 (Ed. W. Fitzenhagen): Theme (02:37)
11. Variations on a Rococo Theme, Op. 33, TH 57 (Ed. W. Fitzenhagen): Var. 1 (00:51)
12. Variations on a Rococo Theme, Op. 33, TH 57 (Ed. W. Fitzenhagen): Var. 2 (01:19)
13. Variations on a Rococo Theme, Op. 33, TH 57 (Ed. W. Fitzenhagen): Var. 3 (03:52)
14. Variations on a Rococo Theme, Op. 33, TH 57 (Ed. W. Fitzenhagen): Var. 4 (02:00)
15. Variations on a Rococo Theme, Op. 33, TH 57 (Ed. W. Fitzenhagen): Var. 5 (03:43)
16. Variations on a Rococo Theme, Op. 33, TH 57 (Ed. W. Fitzenhagen): Var. 6 (02:35)
17. Variations on a Rococo Theme, Op. 33, TH 57 (Ed. W. Fitzenhagen): Var. 7 (02:10)

DISCO 02

01. String Quartet No. 1 in D Major, Op. 11: II. Andante cantabile, TH 63 (Version for Cello & String Orchestra) (07:10)
02. The Nutcracker, Op. 71, TH 14 (Excerpts): Overture (03:28)
03. The Nutcracker, Op. 71, TH 14 (Excerpts): No. 1, Decoration of the Christmas Tree (04:21)
04. The Nutcracker, Op. 71, TH 14 (Excerpts): No. 2, March (02:59)
05. The Nutcracker, Op. 71, TH 14 (Excerpts): No. 3, Children's Galop and Entry of the Parents (02:40)
06. The Nutcracker, Op. 71, TH 14 (Excerpts): No. 9, Waltz of the Snowflakes (07:23)
07. The Nutcracker, Op. 71, TH 14 (Excerpts): No. 12a, Divertissement. Chocolate [Spanish Dance] (01:20)
08. The Nutcracker, Op. 71, TH 14 (Excerpts): No. 12b, Divertissement. Coffee [Arabian Dance] (03:11)
09. The Nutcracker, Op. 71, TH 14 (Excerpts): No. 12c, Divertissement. Tea [Chinese Dance] (01:10)
10. The Nutcracker, Op. 71, TH 14 (Excerpts): No. 12d, Divertissement. Trépak [Russian Dance] (01:15)
11. The Nutcracker, Op. 71, TH 14 (Excerpts): No. 12e, Divertissement. Dance of the Reed Flutes (02:32)
12. The Nutcracker, Op. 71, TH 14 (Excerpts): No. 12f, Divertissement. Mother Gigogne and the Clowns (02:56)
13. The Nutcracker, Op. 71, TH 14 (Excerpts): No. 13, Waltz of the Flowers (07:36)
14. The Nutcracker, Op. 71, TH 14 (Excerpts): No. 14a, Pas de deux. Andante maestoso (05:25)
15. The Nutcracker, Op. 71, TH 14 (Excerpts): No. 14b, Pas de deux. Tarantella (00:43)
16. The Nutcracker, Op. 71, TH 14 (Excerpts): No. 14c, Pas de deux. Dance of the Sugarplum Fairy (02:32)
17. The Nutcracker, Op. 71, TH 14 (Excerpts): No. 14d, Pas de deux. Coda (01:34)
18. The Nutcracker, Op. 71, TH 14 (Excerpts): No. 15, Final Waltz and Apotheosis (05:45)

Gürzenich-Orchester Köln
Dmitri Kitayenko, regente 

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Demidenko plays Bach-Busoni

Há quem veja a transcrição musical como um exercício de adaptação, quase uma concessão prática. Ferruccio Busoni pensava exatamente o contrário. Para ele, toda execução já era, em alguma medida, uma transcrição: a passagem da ideia musical para o som. Sob essa perspectiva, recriar Johann Sebastian Bach para o piano não significava diminuir o original, mas revelar novas possibilidades expressivas de uma música capaz de sobreviver a qualquer meio. O álbum Bach-Busoni Transcriptions, interpretado pelo pianista russo Nikolai Demidenko, reúne algumas das mais célebres recriações do compositor italiano e oferece uma oportunidade privilegiada para compreender uma das mais fascinantes relações de continuidade da história da música.

Busoni foi uma das personalidades mais extraordinárias da vida musical europeia. Pianista de técnica monumental, compositor, regente, pensador e professor, enxergava a tradição não como um museu, mas como matéria viva. Admirador profundo de Bach, Beethoven e Liszt, defendia que as grandes obras permanecem essencialmente as mesmas, qualquer que seja o instrumento que lhes dê voz. Em um célebre texto de 1910, afirma que uma transcrição não destrói o original; ao contrário, revela sua essência sob outra linguagem. Essa ideia orienta todo o repertório reunido neste disco.

As obras escolhidas mostram diferentes facetas dessa concepção artística. A monumental Tocata e Fuga em Ré menor, BWV 565, originalmente escrita para órgão, transforma-se em um espetáculo pianístico de enorme impacto sonoro, sem perder a arquitetura contrapontística de Bach. A célebre Tocata, Adagio e Fuga em Dó maior, a fantasia coral Ich ruf' zu dir, Herr Jesu Christ e os demais prelúdios corais revelam outra dimensão de Busoni: a capacidade de preservar a espiritualidade da música sacra enquanto explora toda a riqueza tímbrica do piano moderno.

Talvez a obra mais comovente da coletânea seja o Capriccio sobre a partida do irmão muito amado, uma das primeiras composições de Bach. Busoni amplia suas possibilidades expressivas sem trair o caráter profundamente humano da peça. Cada episódio - o lamento, a despedida, a marcha e a fuga final - ganha nova densidade pianística, demonstrando que a transcrição pode ser também um exercício de interpretação histórica e afetiva.

O libreto insiste em um aspecto importante: Busoni jamais buscou imitar o órgão ou reproduzir mecanicamente a escrita bachiana. Seu objetivo era recriar a música segundo os recursos específicos do piano, aproveitando toda a extensão do teclado, as possibilidades de dinâmica, de pedalização e de coloração sonora disponíveis no instrumento moderno. Assim, suas transcrições não pretendem substituir Bach, mas estabelecer um diálogo entre dois criadores separados por quase dois séculos, unidos pela mesma ambição artística.

Essa postura diferencia Busoni de muitos transcritores românticos. Enquanto outros procuravam apenas tornar obras célebres acessíveis ao público dos salões, ele utilizava a transcrição como um laboratório de composição e interpretação. Cada página evidencia não apenas sua devoção ao mestre barroco, mas também sua própria personalidade criativa. O resultado pertence simultaneamente aos dois compositores: reconhecemos imediatamente Bach, mas também ouvimos a voz inconfundível de Busoni.

Nikolai Demidenko mostra-se o intérprete ideal para esse repertório. Pianista de extraordinária solidez técnica e refinamento intelectual, evita transformar essas obras em simples demonstrações de virtuosismo. Seu toque privilegia a clareza das vozes, a arquitetura do contraponto e a construção das grandes linhas musicais, permitindo que o ouvinte perceba tanto a grandeza de Bach quanto a inteligência criativa de Busoni.

Mais do que um recital de transcrições, este álbum convida à reflexão sobre a própria natureza da criação artística. Ele demonstra que a tradição não se preserva pela repetição literal, mas pela capacidade de dialogar com cada nova época. Nas mãos de Busoni, Bach não é um monumento intocável: continua vivo, respirando através do piano moderno, provando que as grandes obras jamais pertencem exclusivamente ao passado.

Não deixe de ouvir. Uma boa apreciação!

01 Toccata And Fugue In D Minor, BWV 565 - I.
02 Toccata And Fugue In D Minor, BWV 565 - II.
03 Chorale Prelude In F Minor 'Ich Ruf' zu Dir, Herr Jesu Christ' BWV 639
04 Capriccio In B-Flat Major _On The Departure Of A Beloved Brother_ BWV 992-Ario
05 Capriccio In B-Flat Major _On The Departure Of A Beloved Brother_ BWV 992-Fuga
06 Capriccio In B-Flat Major _On The Departure Of A Beloved Brother_ BWV 992-Adag
07 Capriccio In B-Flat Major _On The Departure Of A Beloved Brother_ BWV 992-Mars
08 Capriccio In B-Flat Major _On The Departure Of A Beloved Brother_ BWV 992-Aria
09 Capriccio In B-Flat Major _On The Departure Of A Beloved Brother_ BWV 992-Fuga
10 Chorale Prelude In G Minor _Nun Komm Der Heiden Heiland,_ BWV 659
11 Organ Prelude And Fugue In E-Flat Major, BWV 552 ('St. Anne') - I.
12 Organ Prelude And Fugue In E-Flat Major, BWV 552 ('St. Anne') - II.
13 Chorale Prelude In G Major _Nun Freut Euch, Lieben Christen Gmein,_ BWV 734
14 Toccata, Adagio And Fugue In C Major, BWV 564 - I - Prelude
15 Toccata, Adagio And Fugue In C Major, BWV 564 - II - Intermezzo
16 Toccata, Adagio And Fugue In C Major, BWV 564 - III - Fugue

Nikolai Demidenko, piano 

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Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) - Serenade in B flat major, ’Gran Partita’, K 361/370a e Ludwig van Beethoven (1770-1827) - Eight Variations on ‘Là ci darem la mano’

Entre todas as obras que Wolfgang Amadeus Mozart escreveu para instrumentos de sopro, nenhuma ocupa lugar tão privilegiado quanto a Serenata em Si bemol maior, K. 361, conhecida desde o século XIX como Gran Partita. Longe de ser apenas uma serenata destinada ao entretenimento aristocrático, trata-se de uma composição monumental que amplia os limites do gênero e demonstra que Mozart era capaz de conferir profundidade artística até mesmo à música escrita para ocasiões festivas. A gravação realizada por integrantes da Royal Concertgebouw Orchestra, sob a direção do oboísta Alexei Ogrintchouk, evidencia toda a riqueza dessa obra-prima e acrescenta, como complemento, as Oito Variações sobre "Là ci darem la mano", de Beethoven.

A Gran Partita nasceu em um momento em que a chamada Harmoniemusik vivia seu auge na Viena imperial. O imperador José II havia institucionalizado conjuntos de sopros destinados a acompanhar banquetes, celebrações e eventos públicos, estimulando uma intensa produção de arranjos operísticos e obras originais. Mozart, entretanto, foi muito além do que o gênero normalmente exigia. Em vez do habitual octeto de sopros, escreveu para treze instrumentos, distribuídos em sete movimentos que totalizam quase cinquenta minutos de música, conferindo à serenata dimensões praticamente sinfônicas e uma sofisticada unidade estrutural.

A data exata da composição permanece incerta, mas sabe-se que a obra já estava concluída em março de 1784, quando foi anunciada em um concerto beneficente do clarinetista Anton Stadler, grande amigo de Mozart e futuro destinatário do célebre Concerto para Clarinete. Um relato da época descreve o impacto causado pela execução da obra, elogiando tanto a qualidade da escrita quanto o virtuosismo dos treze instrumentistas. A grandiosidade da serenata era tamanha que provavelmente apenas parte dela foi apresentada naquela ocasião, a única execução documentada durante a vida do compositor.

Cada um dos sete movimentos revela um aspecto distinto da genialidade mozartiana. O amplo movimento inicial alterna momentos de delicada conversa entre os instrumentos e passagens de grande força coletiva, explorando sobretudo a sonoridade calorosa dos clarinetes e dos cornos di bassetto. O célebre Adagio, imortalizado também pelo filme Amadeus, permanece como um dos momentos mais sublimes já escritos para sopros: oboé, clarinete e corno di bassetto parecem dialogar como personagens de uma ópera, sustentados por uma textura orquestral de extraordinária serenidade. Os dois minuetos, a Romanze, o conjunto de variações e o vibrante rondó final demonstram a inesgotável capacidade de Mozart de combinar elegância formal, imaginação tímbrica e espontaneidade melódica.

O disco encerra-se com uma curiosidade histórica igualmente fascinante: as Oito Variações sobre "Là ci darem la mano", compostas por Beethoven a partir do famoso dueto de Don Giovanni. Na década de 1790, quando os arranjos de óperas constituíam parte importante do repertório para conjuntos de sopros, Beethoven escolheu transformar apenas esse trecho da ópera em uma refinada série de variações para dois oboés e corne inglês. Embora publicadas apenas após sua morte, elas revelam a profunda admiração do jovem Beethoven por Mozart e estabelecem um elo direto entre dois dos maiores compositores da história.

A interpretação dos músicos da Royal Concertgebouw Orchestra faz plena justiça a essa música. Sob a liderança de Alexei Ogrintchouk, o conjunto evita qualquer excesso de solenidade e privilegia a fluidez da conversação musical, característica essencial da escrita de Mozart. Cada instrumento possui personalidade própria, mas jamais perde de vista o equilíbrio coletivo, elemento que faz da Gran Partita um verdadeiro laboratório da música de câmara.

Mais de dois séculos após sua criação, a serenata continua impressionando pela modernidade de sua concepção. Ela demonstra que Mozart transformou uma forma originalmente destinada ao entretenimento em uma das maiores realizações da literatura para sopros. A Gran Partita não é apenas uma obra-prima do repertório camerístico: é uma demonstração definitiva de que, nas mãos de Mozart, até a música concebida para divertir podia alcançar a mais alta expressão artística".

Não deixe de ouvir. Uma boa apreciação!

Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) - 

Serenade in B flat major, ’Gran Partita’, K 361/370a
01. I. Largo - Molto allegro
02. II. Menuetto - Trio I & II
03. III. Adagio
04. IV. Menuetto. Allegretto - Trio I & II
05. V. Romanze. Adagio - Allegretto - Adagio & VI. Tema con variazioni
06. Tema. Andante
07. Variation 1
08. Variation 2
09. Variation 3
10. Variation 4
11. Variation 5
12. Variation 6
13. Variation 7

Ludwig van Beethoven (1770-1827) - 

Eight Variations on ‘Là ci darem la mano’
14. Thema. Andante
15. Variation I
16. Variation II
17. Variation III
18. Variation IV
19. Variation V
20. Variation VI
21. Variation VII
22. Variation VIII

Members of Concertgebouworkest
Alexei Ogrintchouk, oboé e direção

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Georg Philipp Telemann (1681-1767) - Fantasias for Viola da Gamba

"As Fantasias para Viola da Gamba de Georg Philipp Telemann ocupam um lugar de destaque no repertório do instrumento, constituindo um importante complemento à tradição germânica da música para viola da gamba. Ao lado das célebres Sonatas para Viola da Gamba e Cravo Obrigado, de Johann Sebastian Bach, essas obras figuram entre as mais relevantes contribuições do século XVIII para um instrumento que, embora gradualmente substituído pelo violoncelo, continuou a inspirar páginas de extraordinária riqueza musical.

As pesquisas musicológicas mais recentes indicam que as sonatas de Bach foram compostas no final da década de 1730 ou nos primeiros anos da década seguinte, poucos anos após a criação das fantasias de Telemann. Essa proximidade cronológica torna ainda mais interessante a comparação entre as duas abordagens, revelando diferentes perspectivas sobre as possibilidades expressivas da viola da gamba em um período de profundas transformações da linguagem barroca.

Enquanto Bach explora o diálogo refinado entre a viola da gamba e o cravo em uma escrita contrapontística de extraordinária complexidade, Telemann opta pela autonomia do instrumento solista, extraindo dele uma surpreendente variedade de recursos melódicos, harmônicos e técnicos. Suas fantasias demonstram profundo conhecimento das possibilidades da viola da gamba e evidenciam a capacidade do compositor de conciliar elegância formal, invenção temática e expressividade em obras de grande equilíbrio artístico.

Mais do que simples peças destinadas ao repertório do instrumento, as Fantasias para Viola da Gamba testemunham a extraordinária criatividade de Telemann em uma fase particularmente fértil de sua carreira. Em diálogo direto com a produção de Bach, elas reafirmam a importância do compositor na consolidação da literatura para cordas do período barroco e permanecem, ainda hoje, como obras indispensáveis para intérpretes e admiradores da música antiga".

Não deixe de ouvir. Uma boa apreciação!

Georg Philipp Telemann (1681-1767) - 

Fantasia I in C minor
01. I. Adagio
02. II. Allegro

Fantasia II in D major
03. I. Vivace
04. IIa. Andante
05. IIb. Vivace (Da capo)
06. III. Presto

Fantasia III in E minor
07. I. Largo
08. II. Presto
09. III. Vivace

Fantasia VI in G major
10. I. Scherzando
11. II. Dolce
12. III. Spirituoso

Fantasia VII in G minor
13. I. Andante
14. II. Vivace
15. III. Allegro

Fantasia VIII in A major
16. I. Allegro
17. II. Grave
18. III. Vivace

Fantasia IX in C major
19. I. Presto
20. II. Grave
21. III. Allegro

Fantasia X in E major
22. I. Dolce
23. II. Siciliana
24. III. Scherzando

Fantasia XI in D minor
25. I. Allegro
26. II. Grave
27. III. Allegro

Markus Kuikka, viola da gamba 

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George Gershwin (1898-1937) - Overture, Rhapsody in Blue, Promenade e Catfish Row

 Ao unir o universo da música de concerto às linguagens do jazz, do blues, do ragtime e da Broadway, ele criou um estilo que parecia refletir a própria pulsação de Nova York na primeira metade do século XX. O álbum Rhapsody in Blue, gravado pela Buffalo Philharmonic Orchestra sob a regência de JoAnn Falletta, reúne quatro obras que ilustram essa extraordinária capacidade de transformar a cultura popular em arte sinfônica: Rhapsody in Blue, Strike Up the Band – Overture, Promenade e a suíte Catfish Row, extraída da ópera Porgy and Bess.

A peça central do disco, naturalmente, é Rhapsody in Blue. Sua origem tornou-se parte da própria mitologia musical americana. Em 1924, o empresário Paul Whiteman encomendou a Gershwin uma obra para um concerto que buscava demonstrar o potencial artístico do jazz. O compositor, inicialmente relutante, encontrou a inspiração durante uma viagem de trem para Boston. Mais tarde, recordaria que ouviu ali um "caleidoscópio musical da América", com sua mistura de culturas, seu dinamismo urbano e sua energia inesgotável. A orquestração foi confiada a Ferde Grofé, cuja contribuição ajudou a transformar a obra em um dos maiores ícones da música do século XX.

O sucesso de Rhapsody in Blue reside justamente em sua recusa às fronteiras. Não é um concerto tradicional, tampouco uma simples peça de jazz. Sua famosa abertura, marcada pelo célebre glissando do clarinete, inaugura uma sucessão de temas líricos, passagens virtuosísticas e ritmos sincopados que capturam o espírito cosmopolita da América moderna. Mais de um século após sua estreia, continua sendo uma obra que parece sempre nova.

A Abertura de Strike Up the Band revela outra faceta de Gershwin: o mestre da Broadway. O musical, revisado em 1929 com letras de Ira Gershwin, satiriza a política internacional ao imaginar uma guerra entre Estados Unidos e Suíça por causa da produção de chocolate. A abertura, posteriormente orquestrada por Don Rose, preserva o brilho teatral da partitura, combinando marchas, melodias irresistíveis e uma exuberância tipicamente americana.

Mais delicada é Promenade, reconstruída por Ira Gershwin após a morte do compositor a partir da trilha sonora do filme Shall We Dance (1937), estrelado por Fred Astaire e Ginger Rogers. Adaptada para clarinete e orquestra, a peça evidencia um Gershwin elegante e refinado, capaz de criar melodias de extraordinária leveza. A escrita transparente faz dela uma pequena joia, frequentemente eclipsada pelas obras mais famosas, mas igualmente reveladora de seu talento melódico.

A gravação culmina com Catfish Row, suíte sinfônica baseada em Porgy and Bess. A ópera, recebida com reservas por parte da crítica em sua estreia de 1935, foi definida por Gershwin como uma "folk opera", justamente por fundir técnicas da tradição operística europeia com elementos da música afro-americana. A suíte reúne alguns dos momentos mais memoráveis da obra - incluindo referências a Summertime, I Got Plenty o' Nuttin' e Oh Lawd, I'm on My Way - organizados em cinco movimentos que alternam lirismo, tensão dramática e exuberância orquestral. Restaurada por Steven D. Bowen a partir da versão originalmente conduzida por Gershwin, ela reafirma o extraordinário alcance dramático de sua última grande criação.

Sob a direção de JoAnn Falletta, a Buffalo Philharmonic Orchestra encontra o equilíbrio ideal entre sofisticação sinfônica e espontaneidade jazzística. O pianista Orion Weiss enfrenta as exigências virtuosísticas de Rhapsody in Blue com brilho e naturalidade, enquanto o clarinetista John Fullam confere charme especial a Promenade.

Mais do que uma coletânea de sucessos, este álbum demonstra que Gershwin foi um dos raros compositores capazes de transformar a linguagem cotidiana de seu país em patrimônio universal. Sua música continua soando moderna porque nasceu da convivência entre culturas, ritmos e tradições diversas - uma síntese sonora da própria experiência americana.

Não deixe de ouvir. Uma boa apreciação! 

George Gershwin (1898-1937) - 

01 - Overture (From _Strike Up the Band_) [Arr. D. Rose for Orchestra]
02 - Rhapsody in Blue (Arr. F. Grofé for Piano & Orchestra)
03 - Promenade (Arr. S. Berkowitz for Clarinet & Orchestra)
04 - Catfish Row (Arr. S. Bowen for Orchestra)_ I. Catfish Row
05 - Catfish Row (Arr. S. Bowen for Orchestra)_ II. Porgy Sings
06 - Catfish Row (Arr. S. Bowen for Orchestra)_ III. Fugue
07 - Catfish Row (Arr. S. Bowen for Orchestra)_ IV. Hurricane
08 - Catfish Row (Arr. S. Bowen for Orchestra)_ V. Good Mornin' Sistuh!

Buffalo Philharmonic Orchestra
Joann Falletta, regente
Orion Weiss, piano
John Fullam, clarinete 

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Edgar Meyer (1960 - ) - Quintett für Streichquartett und Kontrabass e Ned Rorem (1923-2022) - Streichquartett Nr. 4

"Embora Edgar Meyer ainda não seja um nome amplamente conhecido entre o grande público da música clássica, sua obra ocupa um lugar singular na produção contemporânea norte-americana. Contrabaixista virtuose, compositor de linguagem inconfundível e um dos maiores responsáveis pela valorização de seu instrumento como protagonista, Meyer construiu um catálogo que une tradição e originalidade, refletindo uma sonoridade profundamente enraizada na cultura dos Estados Unidos. Em sua música convivem ecos da paisagem americana evocada por Aaron Copland, o lirismo de Walt Whitman, a inventividade de Charles Ives e o universo literário de William Faulkner.

Além de dominar um dos instrumentos mais desafiadores da orquestra, Meyer desenvolveu uma produção composicional expressiva, explorando como poucos as possibilidades técnicas e sonoras do contrabaixo. Seu conhecimento íntimo do instrumento confere às obras uma escrita natural e altamente idiomática, capaz de expandir significativamente o repertório camerístico contemporâneo.

Entre os destaques deste álbum encontra-se o Quinteto para Cordas, uma das mais inspiradas realizações do compositor. Escrito para quarteto de cordas e contrabaixo, a obra combina melodias de grande beleza e caráter contemplativo com uma linguagem harmônica sofisticada e constantemente inventiva. A interpretação ganha força adicional pela participação do próprio Edgar Meyer ao lado do consagrado Emerson String Quartet, parceria que evidencia todo o potencial artístico da composição e reforça sua vocação para integrar o repertório permanente da música de câmara. Não por acaso, trata-se de uma obra que dialoga naturalmente com o célebre Quinteto “A Truta”, de Schubert, constituindo uma combinação particularmente feliz em programas de concerto.

O álbum inclui ainda o Quarteto de Cordas nº 4, de Ned Rorem, compositor mais conhecido por sua vasta produção de canções do que por sua música instrumental. Nesta gravação, porém, o Emerson String Quartet demonstra toda a riqueza expressiva da partitura, oferecendo uma interpretação de extraordinária precisão e sensibilidade. O resultado revela uma obra de grande interesse, capaz de despertar a curiosidade do ouvinte para o restante da produção camerística de Rorem.

No conjunto, o disco representa um encontro inspirador entre dois importantes compositores norte-americanos contemporâneos. Ao lado da excelência interpretativa do Emerson String Quartet, a presença de Edgar Meyer confere autenticidade e vigor a uma gravação que ilumina um repertório ainda pouco explorado. Para muitos ouvintes, este álbum poderá servir como porta de entrada para o universo criativo de Meyer, conduzindo naturalmente à descoberta de outras gravações marcantes de sua carreira, entre elas o celebrado Appalachia Waltz, realizado em parceria com o violoncelista Yo-Yo Ma.

Mais do que uma excelente gravação de música de câmara, este lançamento reafirma Edgar Meyer como uma das vozes mais originais da música americana contemporânea e confirma seu papel decisivo na ampliação dos horizontes artísticos do contrabaixo. É um registro que merece lugar de destaque na discografia recente e uma audição altamente recomendável para todos os admiradores da música de câmara".

Não deixe de ouvir. Uma boa apreciação! 

01. Quintett für Streichquartett und Kontrabass - Movement I
02. Quintett für Streichquartett und Kontrabass - Movement II
03. Quintett für Streichquartett und Kontrabass - Movement III
04. Quintett für Streichquartett und Kontrabass - Movement IV
05. Rorem: Streichquartett Nr. 4 - Minotaur
06. Rorem: Streichquartett Nr. 4 - Child Holding A Dove
07. Rorem: Streichquartett Nr. 4 - Acrobat On A Ball
08. Rorem: Streichquartett Nr. 4 - Still Life
09. Rorem: Streichquartett Nr. 4 - Seated Harlequin
10. Rorem: Streichquartett Nr. 4 - Head Of A Boy
11. Rorem: Streichquartett Nr. 4 - Basket Of Flowers
12. Rorem: Streichquartett Nr. 4 - Self Portrait
13. Rorem: Streichquartett Nr. 4 - Three Nudes
14. Rorem: Streichquartett Nr. 4 - Death Of Harlequin

Emerson String Quartet 

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George Bizet (1838-1875) - Symphony in C Major, GB 115, Charles Gounod (1818-1893) - Symphony No. 1 in D Major, CG 527 e Camille Saint-Säens (1835--1921) - Symphony in A Major, R. 159

Há uma ironia curiosa na história da música francesa do século XIX. Enquanto Paris se rendia à ópera italiana e aos grandes espetáculos líricos, alguns jovens compositores insistiam em cultivar um gênero que parecia deslocado naquele ambiente: a sinfonia. O álbum Premières Symphonies, gravado pela Orquestra Filarmônica de Monte Carlo sob a regência de Kazuki Yamada, reúne justamente três dessas obras inaugurais - de Georges Bizet, Charles Gounod e Camille Saint-Saëns - e revela um momento decisivo da formação da escola sinfônica francesa.

O caso de Georges Bizet talvez seja o mais surpreendente. Conhecido mundialmente por Carmen, ele escreveu sua Sinfonia em Dó maior aos dezessete anos, em 1855, inspirado pela Primeira Sinfonia de Gounod, da qual havia preparado uma redução para piano a quatro mãos. O próprio compositor nunca autorizou sua publicação, e a partitura permaneceu esquecida até ser redescoberta em 1932. Hoje, porém, ela é reconhecida como uma das mais brilhantes obras juvenis de toda a literatura orquestral. Sua escrita alia a clareza clássica herdada de Haydn e Beethoven ao lirismo que mais tarde marcaria suas óperas, deixando entrever também influências de Mendelssohn e Rossini. Partes da sinfonia seriam reaproveitadas posteriormente em Don Procopio e Les Pêcheurs de Perles, prova de que Bizet jamais abandonou completamente essa inspiração juvenil.

A Primeira Sinfonia de Charles Gounod nasceu em circunstâncias bem diferentes. Após o fracasso da ópera La Nonne sanglante, retirada de cartaz poucas apresentações depois da estreia, o compositor encontrou na escrita sinfônica uma forma de recomeçar. O resultado foi uma obra de extraordinária leveza e elegância, recebida calorosamente pelo público em 1855. Embora alguns contemporâneos a vissem como uma alternativa "francesa" ao sinfonismo germânico, a verdade é que Gounod dialoga abertamente com Haydn, Beethoven e Schubert. A partitura combina frescor melódico, equilíbrio formal e uma escrita orquestral transparente, revelando um compositor que compreendia profundamente a tradição vienense sem perder sua personalidade.

Ainda mais precoce foi Camille Saint-Saëns, que escreveu sua chamada Sinfonia nº 0 aos quinze anos, três anos antes de sua Primeira Sinfonia oficial. Em uma França dominada pela ópera, a escolha do gênero sinfônico já representava, por si só, uma declaração estética. Admirador apaixonado de Mozart e Beethoven, Saint-Saëns construiu uma obra marcada pelo rigor clássico, pela elegância formal e por uma surpreendente maturidade técnica. Embora ainda revele ecos do romantismo nascente, sua arquitetura musical antecipa a clareza que se tornaria uma das marcas de sua produção posterior. O jovem compositor demonstra, desde cedo, uma rara capacidade de equilibrar tradição e originalidade.

O grande mérito deste lançamento está justamente em mostrar que essas partituras não são meras curiosidades biográficas. Elas documentam o nascimento de uma tradição sinfônica francesa que, décadas depois, alcançaria pleno amadurecimento com Franck, d'Indy, Chausson, Dukas, Roussel e Debussy. Ouvindo essas primeiras experiências, percebe-se que a identidade musical francesa não surgiu de forma abrupta, mas foi construída gradualmente, a partir do diálogo entre o legado clássico germânico e uma sensibilidade melódica tipicamente francesa.

Sob a direção de Kazuki Yamada, a Orquestra Filarmônica de Monte Carlo enfatiza justamente essa continuidade histórica. As interpretações privilegiam transparência, leveza e refinamento tímbrico, evitando excessos românticos e permitindo que o frescor dessas obras juvenis apareça com naturalidade. O resultado é um registro que interessa não apenas aos admiradores de Bizet, Gounod e Saint-Saëns, mas a qualquer ouvinte disposto a descobrir como três jovens compositores ajudaram a lançar as bases de uma das mais ricas tradições orquestrais da Europa.

Não deixe de ouvir. Uma boa apreciação! 

DISCO 01

01 - Symphony in C Major, GB 115_ I. Allegro vivo
02 - Symphony in C Major, GB 115_ II. Adagio
03 - Symphony in C Major, GB 115_ III. Allegro vivace - Trio
04 - Symphony in C Major, GB 115_ IV. Allegro vivace
05 - Symphony No. 1 in D Major, CG 527_ I. Allegro molto
06 - Symphony No. 1 in D Major, CG 527_ II. Allegro moderato
07 - Symphony No. 1 in D Major, CG 527_ III. Scherzo. Non troppo presto - Trio
08 - Symphony No. 1 in D Major, CG 527_ IV. Finale. Adagio - Allegro vivace

DISCO 02

01 - Symphony in A Major, R. 159_ I. Poco Adagio - Allegro vivace
02 - Symphony in A Major, R. 159_ II. Larghetto
03 - Symphony in A Major, R. 159_ III. Scherzo. Allegro vivace - Trio
04 - Symphony in A Major, R. 159_ IV. Finale. Allegro molto - Presto

Orchestre Philharmonique de Monte-Carlo
Kazuki Yamada, regente 

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