Johann Bernhard Bach (1676-1759) - Orchestral Suites

Por ocasião do 350º aniversário de Johann Bernhard Bach, celebrado em 23 de maio, volta-se a atenção para uma das figuras mais notáveis da maior dinastia musical da história do Ocidente. Embora seu nome permaneça menos conhecido do grande público, Johann Bernhard ocupava um lugar de destaque na estima de seu primo de segundo grau, Johann Sebastian Bach, que incluía regularmente suas suítes orquestrais nos concertos do Collegium Musicum de Leipzig. Foi, aliás, graças às cópias preservadas nos arquivos pessoais de Johann Sebastian que essas preciosas partituras sobreviveram ao tempo.

As obras de Johann Bernhard Bach representam um elo essencial na evolução da música orquestral europeia, estabelecendo uma ponte entre a tradição francesa do Grand Siècle e a forma da suíte orquestral que alcançaria sua plena maturidade nas mãos de Johann Sebastian. Nelas convivem refinamento cortesão, brilho instrumental e um apurado senso dramático que prenunciam os desenvolvimentos posteriores do gênero.

Para revelar toda a vitalidade teatral e a elegância cosmopolita dessas páginas, são necessários intérpretes dotados de rara sensibilidade estilística. As interpretações vibrantes de Thomas Hengelbrock cumprem essa tarefa de maneira exemplar, oferecendo uma homenagem brilhante — e há muito merecida — a um compositor pioneiro cuja contribuição ocupa um lugar fundamental na história da música barroca.

Não deixe de ouvir. Uma boa apreciação! 

Johann Bernhard Bach (1676-1759) - 

01. Overture-Suite No. 1 in G Minor: I. Ouverture (5:35)
02. Overture-Suite No. 1 in G Minor: II. Air (2:39)
03. Overture-Suite No. 1 in G Minor: III. Rondeau (2:25)
04. Overture-Suite No. 1 in G Minor: IV. Loure (2:13)
05. Overture-Suite No. 1 in G Minor: V. Fantaisie (4:20)
06. Overture-Suite No. 1 in G Minor: VI. Passepied (1:50)
07. Overture-Suite No. 2 in G Major: I. Ouverture (4:16)
08. Overture-Suite No. 2 in G Major: II. Gavotte en rondeau (1:59)
09. Overture-Suite No. 2 in G Major: III. Sarabande (1:12)
10. Overture-Suite No. 2 in G Major: IV. Bourrée. Gayement (0:58)
11. Overture-Suite No. 2 in G Major: V. Air. Grave (3:42)
12. Overture-Suite No. 2 in G Major: VI. Gigue (1:48)
13. Overture-Suite No. 3 in E Minor: I. Ouvertüre (0:54)
14. Overture-Suite No. 3 in E Minor: II. Air (4:41)
15. Overture-Suite No. 3 in E Minor: III. Les plaisirs. Vitement (1:51)
16. Overture-Suite No. 3 in E Minor: IV. Air (2:27)
17. Overture-Suite No. 3 in E Minor: V. Rigadon (1:06)
18. Overture-Suite No. 3 in E Minor: VI. Courante (2:01)
19. Overture-Suite No. 3 in E Minor: VII. Gavotte en rondeau (1:13)
20. Overture-Suite No. 4 in D Major: I. Ouverture (7:35)
21. Overture-Suite No. 4 in D Major: II. Caprice I. Vitement (5:08)
22. Overture-Suite No. 4 in D Major: III. Marche (1:14)
23. Overture-Suite No. 4 in D Major: IV. Passepied I (1:33)
24. Overture-Suite No. 4 in D Major: V. Passepied II (5:15)
25. Overture-Suite No. 4 in D Major: VI. Caprice II. Vitement (1:47)
26. Overture-Suite No. 4 in D Major: VII. Air. Lentement (7:21)
27. Overture-Suite No. 4 in D Major: VIII. La joye (4:15)
28. Overture-Suite No. 4 in D Major: IX. Caprice III (1:37)

Freiburger Barockorchester 

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Anton Bruckner (1824-1896) - Symphony No. 7 in E Major, WAB 107

Para Sir Simon Rattle, reger Bruckner constitui uma busca permanente por alguma “paisagem extraordinária, algum momento maravilhoso capaz de nos conduzir para além deste mundo”. Poucas obras confirmam tão plenamente essa visão quanto a Sétima Sinfonia, cuja célebre melodia inicial, segundo a tradição, teria sido revelada ao compositor em um sonho, tocada por um anjo.

Essa vasta cadeia montanhosa de sons, luminosa e monumental, ergue-se simultaneamente majestosa, reverente e inquietante. A Sétima Sinfonia representa um dos pontos culminantes da arte de Bruckner, uma obra em que a grandiosidade arquitetônica se alia a uma profunda espiritualidade, criando uma experiência sonora de rara intensidade.

A presente edição, preparada por Benjamin-Gunnar Cohrs, foi apresentada pela primeira vez pela London Symphony Orchestra sob a direção de Sir Simon Rattle em setembro de 2022. A gravação completa uma trilogia de álbuns dedicada às edições críticas de Cohrs das Sinfonias nº 4, nº 6 e nº 7 de Bruckner.

O trabalho editorial de Cohrs destaca-se por incorporar fragmentos descartados e materiais pouco conhecidos provenientes das sucessivas revisões realizadas pelo compositor. Ao recuperar essas passagens, oferece aos ouvintes uma perspectiva renovada sobre o processo criativo de Bruckner, revelando aspectos de seu pensamento musical que permaneceram ocultos por décadas.

Para os admiradores da obra bruckneriana, esta série de gravações constitui uma audição indispensável. Mais do que apresentar versões alternativas das sinfonias, ela abre uma rara janela para o laboratório criativo de um dos maiores sinfonistas da história, permitindo vislumbrar caminhos musicais que Bruckner imaginou, reconsiderou ou abandonou, mas que continuam a iluminar a extraordinária riqueza de seu universo sonoro.

Não deixe de ouvir. Uma boa apreciação! 

Anton Bruckner (1824-1896) - 

01. Symphony No. 7 in E Major, WAB 107 (Version 1881-83; Cohrs A07): I. Allegro moderato
02. Symphony No. 7 in E Major, WAB 107 (Version 1881-83; Cohrs A07): II. Adagio. Sehr feierlich und langsam – Moderato
03. Symphony No. 7 in E Major, WAB 107 (Version 1881-83; Cohrs A07): III. Scherzo. Sehr schnell – Trio. Etwas langsamer – Scherzo da capo
04. Symphony No. 7 in E Major, WAB 107 (Version 1881-83; Cohrs A07): IV. Finale. Bewegt, doch nicht schnell

London Symphony Orchestra
Sir Simon Rattle, regente

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Sergei Prokofiev (1891-1953) - Symphony No. 1 in D Major, Op. 25 - "Classical" e Symphony No. 5 in B-Flat Major, Op. 100

 

Sou um profundo admirador das sinfonias de Sergei Prokofiev. Gosto enormemente delas, principalmente da Quinta, que coloco entre as minhas sinfonias favoritas. Este disco apresenta duas sinfonias do compositor. A primeira delas é a "Clássica", escrita entre 1916 e 1917, em pleno contexto da Primeira Guerra Mundial e antes da Revolução Russa. O jovem Prokofiev tinha pouco mais de vinte anos e já desfrutava da reputação de enfant terrible da música russa. Em vez de seguir a tendência dominante de expandir a orquestra e aprofundar o romantismo tardio, decidiu olhar para trás.

O próprio compositor afirmou que imaginou como Joseph Haydn poderia escrever se estivesse vivo no século XX. O resultado é uma obra de proporções compactas, transparência orquestral exemplar e elegância formal admirável. No entanto, seria um equívoco considerá-la apenas uma homenagem ao classicismo. Sob a superfície refinada, encontram-se as marcas inconfundíveis de Prokofiev, principalmente com relação às modulações abruptas e o humor tão característico, tendendo à irreverência.

Já a Quinta, escrita em 1944, percebemos um compositor mais maduro, circunspecto, vivendo em um momento decisivo para o seu país. Após o retorno à União Soviética, experimentara anos difíceis. Os rigores do regime stalinista eram onipresentes. A Segunda Guerra estava em curso. 

O compositor descreveu a Quinta como um “hino ao homem livre e feliz, às suas forças poderosas, à sua alma nobre e pura”. Embora essa declaração esteja alinhada com o discurso oficial soviético, a música revela uma profundidade muito mais ampla e ambígua. A sinfonia não celebra apenas a vitória militar; ela parece contemplar a própria condição humana diante da destruição e da esperança. Sua força transcendia a própria dimensão do regime vigente. Era um hino à humanidade, à força luminosa e  incontida da expectativa por um tempo em que as grandes questões para o ser humano deveriam ser levadas em conta.

Não deixe de ouvir. Uma boa apreciação!  

Sergei Prokofiev (1891-1953) -

01. Jascha Horenstein - Symphony No. 1 in D Major, Op. 25 _Classical__ I. Allegro
02. Jascha Horenstein - Symphony No. 1 in D Major, Op. 25 _Classical__ II. Larghetto
03. Jascha Horenstein - Symphony No. 1 in D Major, Op. 25 _Classical__ III. Gavotte. Non troppo allegro
04. Jascha Horenstein - Symphony No. 1 in D Major, Op. 25 _Classical__ IV. Finale. Molto vivace
05. Jascha Horenstein - Symphony No. 5 in B-Flat Major, Op. 100_ I. Andante
06. Jascha Horenstein - Symphony No. 5 in B-Flat Major, Op. 100_ II. Allegro marcato
07. Jascha Horenstein - Symphony No. 5 in B-Flat Major, Op. 100_ III. Adagio
08. Jascha Horenstein - Symphony No. 5 in B-Flat Major, Op. 100_ IV. Allegro giocoso

Colonne Concerts Orchestra
Jascha Horenstein, regente 

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Franz Schubert (1797-1827) - Works for piano Trio

As obras camerísticas de Schubert estão entre as mais bonitas já escritas na história da música. São primorosas. Delicadas. Possuem reflexões atordoantes e humanas. Schubert foi um gênio incontestável. Morreu muito jovem e, quando morreu, havia alcançado um . Mais jovem do que Mozart, Chopin e Mendelssohn. Todavia, escreveu obras geniais e com uma capacidade inegável de investigação da alma humana.

Além das espetaculares sinfonias, dos mais de 600 lieds e das inúmeras obras para piano, acredito que uma das suas páginas mais densas e profundas sejam as obras camerísticas.  Enquanto, por exemplo, Beethoven parecia desafiar estruturas, com intuições que apontavam para o futuro e realizava reflexões avassaladoras, Schubert incursionava por outros platôs. A geografia do compositor era a alma humana. Ou seja, a música de câmera do compositor austríaco é necessariamente introspectiva. Isso vai se tornando cada vez mais evidente à medida que os anos da sua morte se aproximam.

Neste disco maravilhoso que ora surge, parece o espetacular Trio No. 2, umas obras mais bonitas e sensíveis da história do ser humano. É uma das minhas obras favoritas da vida. Foi escrita em 1827. A obra revela um Schubert capaz de equilibrar lirismo, arquitetura formal e intensidade dramática em proporções extraordinárias. Seu movimento lento tornou-se amplamente conhecido após ser utilizado por Stanley Kubrick no filme Barry Lyndon (1975), mas sua força expressiva transcende qualquer associação cinematográfica. O filme de quase três horas de Kubrick, quando termina, deixa a música em nosso inconsciente. Ela fica assim por semanas. Foi dessa maneira que a conheci.

O que distingue Schubert dos demais mestres da música de câmara é sua capacidade de fazer a melodia carregar o peso da existência humana. Em suas obras, os temas parecem cantar continuamente, como se cada instrumento fosse uma voz humana compartilhando lembranças, sonhos e angústias. Mesmo nos momentos mais sombrios, há sempre uma centelha de esperança; mesmo nos mais luminosos, uma sombra de melancolia.

Essa dualidade talvez reflita a própria vida do compositor. Schubert escreveu grande parte de suas obras-primas enquanto enfrentava graves problemas de saúde e dificuldades financeiras. A consciência da fragilidade da existência impregna sua música, mas nunca a transforma em desespero absoluto. Ao contrário, ela se converte em compaixão, ternura e humanidade.

Não deixe de ouvir este maravilhoso disco. Uma boa apreciação!

Franz Schubert (1797-1827) - 

01. Trio for Piano, Violin and Cello No. 1 in B-Flat Major, Op. 99, D. 898 I. Allegro moderato
02. Trio for Piano, Violin and Cello No. 1 in B-Flat Major, Op. 99, D. 898 II. Andante un poco mosso
03. Trio for Piano, Violin and Cello No. 1 in B-Flat Major, Op. 99, D. 898 III. Scherzo
04. Trio for Piano, Violin and Cello No. 1 in B-Flat Major, Op. 99, D. 898 IV. Rondo
05. Piano Trio in B-Flat Major, D. 28
06. Trio for Piano, Violin and Cello No. 2 in B-Flat Major, Op. 100, D. 929 I. Allegro
07. Trio for Piano, Violin and Cello No. 2 in E-Flat Major, Op. 100, D. 929 II. Andante con moto
08. Trio for Piano, Violin and Cello No. 2 in E-Flat Major, Op. 100, D. 929 III. Scherzando. Allegro moderato - Trio
09. Trio for Piano, Violin and Cello No. 2 in E-Flat Major, Op. 100, D. 929 IV. Allegro moderato
10. Piano Trio in E-Flat Major, Op. 148, D. 897

Trio Rafale
Maki Wiederkehr, piano
Daniel Meller, violino
Flurin Cuonz, violoncelo 

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Nikolay Myaskovsky (1881-1950) - Symphony No.24 in F minor Op.63 e Symphony No.25 in D flat major Op.69

Nikolay Myaskovsky é considerado o pai da sinfonia soviética. Escreveu quase trinta sinfonias ao longo da vida. Acompanhou de perto os principais eventos do seu país – desde as primeiras, anteriores à Revolução de 1917; àquelas escritas durante os difíceis anos de 1930, período de aperto da censura stalinista; ou aquelas outras, escritas no período da Segunda Grande Guerra e no pós-Guerra.

Suas sinfonias vão do experimentalismo aos temas característicos da história russa. Neste disco, por exemplo, encontramos dois trabalhos sinfônicos. São obras do período maduro de criação do compositor. A primeira delas – a de número 24 – foi escrita em 1943, no período nebuloso da Guerra. Foi escrita em homenagem ao musicólogo Vladimir Derzhanovsky, amigo próximo do compositor, a sinfonia carrega um sentimento de luto que jamais se converte em desespero absoluto. Além disso, é uma reflexão a respeito da desolação provocada pela Guerra.

E a outra Sinfonia é a de número 25; está entre aquelas de que mais gosto do compositor. O trabalho possui uma temática mais luminosa, mais esperançosa. Escrita em 1946 – e revisada em 1949 – o trabalho parece refletir a história, olhando para o que sobrou após a Guerra. É uma reflexão sobre os escombros. É uma tentativa de entender o que ficou para trás após a destruição provocada pelo desumano conflito.

Não deixe de ouvir. Uma boa apreciação!  

Nikolay Myaskovsky (1881-1950) - 

01 - Symphony No.24 in F minor Op.63  Allegro deciso
02 - Symphony No.24 in F minor Op.63  Molto sostenuto
03 - Symphony No.24 in F minor Op.63  Allegro appassionato
04 - Symphony No.25 in D flat major Op.69  Adagio
05 - Symphony No.25 in D flat major Op.69  Moderato
06 - Symphony No.25 in D flat major Op.69  Allegro impetuoso

Moscow Philharmonic Orhestra
Dmitry Yablonsky, regente 

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Alfred Schnittke (1934-1998) - Three Sacred Hymns, Concerto for Choir

"Este novo álbum do Coro Filarmônico de Ecaterimburgo reúne duas das mais significativas criações sacras de Alfred Schnittke: os Três Hinos Sacros e o monumental Concerto para Coro, baseado em textos poéticos de Grigor Narekatsi, mais conhecido como São Gregório de Narek, uma das figuras centrais da espiritualidade armênia.

Andrei Petrenko, diretor artístico do conjunto, descreve o Concerto para Coro como uma obra singular no repertório coral contemporâneo: “Trata-se de uma extraordinária tapeçaria sonora que entrelaça camadas musicais de profunda densidade espiritual. A obra convida intérpretes e ouvintes a transcender os limites da existência terrena e a penetrar nos domínios sublimes revelados por Narekatsi e Schnittke. É uma encarnação da espiritualidade, portadora de uma infinidade de significados que somente podem ser plenamente apreendidos por meio de seu texto sagrado.”

Ao unir a intensidade mística da poesia de São Gregório de Narek à linguagem musical profundamente expressiva de Schnittke, o Concerto para Coro ergue-se como uma das realizações mais impressionantes da literatura coral do século XX. A obra transcende fronteiras confessionais e culturais, oferecendo uma experiência de contemplação e elevação espiritual em que música e palavra se fundem numa poderosa reflexão sobre a condição humana, a fé e a busca pelo transcendente".

Não deixe de ouvir. Uma boa apreciação!  

Alfred Schnittke (1934-1998) -

01. Schnittke: Three Sacred Hymns: No. 1, The Lord's Prayer
02. Schnittke: Three Sacred Hymns: No. 2, Ave Maria
03. Schnittke: Three Sacred Hymns: No. 3, Lord Jesus
04. Schnittke: Concerto for Choir: I. Oh Thee the Sovereign of Everything Existing, Who Gives Us Precious Gifts
05. Schnittke: Concerto for Choir: II. Collected Songs, Where Every Verse Is Full of Grief
06. Schnittke: Concerto for Choir: III. For Those Who Will Deeply Go into the Meaning of the Mournful Words
07. Schnittke: Concerto for Choir: IV. This Work, Which I Began with Hope and Name of Thee

Yekaterinburg Philharmonic Choir
Andrei Petrenko, regente 

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Gustav Holst (1874-1934) - The Planets, Op. 32, H. 125 (Version for 2 Pianos) e Sir Edward Elgar (1857-1934) - Introduction & Allegro, Op. 47 e Salut d'amour, Op. 12

  

No início da década de 1910, Holst desenvolveu um profundo interesse pela astrologia, concepção que daria origem a uma de suas obras mais célebres: a suíte orquestral Os Planetas. Antes de assumir sua forma definitiva para grande orquestra, a obra foi inicialmente concebida ao piano. Holst trabalhou na partitura tanto no instrumento instalado em uma sala à prova de som recém-construída na ala de música da St Paul’s Girls’ School quanto no piano de sua residência em Thaxted.

A versão para dois pianos e quatro mãos foi elaborada por duas colegas do compositor na St Paul’s, Vally Lasker e Nora Day, que atuaram como suas assistentes musicais. A colaboração tornou-se necessária porque Holst sofria periodicamente de dolorosas crises de neurite na mão direita. Com o triunfo internacional da versão orquestral de Os Planetas, a partitura original para piano acabou sendo relegada a segundo plano, embora tenha sido publicada separadamente entre 1949 e 1951. Em 1979, Imogen Holst, filha do compositor, reuniu novamente a versão completa para dois pianos em um único volume. É justamente essa edição que Tessa Uys e Ben Schoeman interpretam neste álbum.

A fama de Edward Elgar atingiu tal dimensão que, no auge de sua carreira, diversos músicos de renome receberam encomendas de editoras para transcrever suas obras orquestrais para o piano. A tarefa estava longe de ser simples. As partituras de Elgar são notoriamente detalhadas, com indicações minuciosas sobre fraseado, dinâmica e articulação, muitas vezes especificando a intenção expressiva de cada compasso — e até mesmo de notas individuais.

Foi o compositor, maestro e arranjador Otto Singer II quem realizou a transcrição para piano a quatro mãos da Introduction and Allegro, composta por Elgar em 1905 originalmente para quarteto de cordas solista e orquestra de cordas. A habilidade de Singer torna-se evidente em soluções engenhosas, como a transformação dos acordes duplos característicos das cordas em amplas sonoridades pianísticas distribuídas pelo teclado. Sua versão preserva com admirável fidelidade a riqueza contrapontística e a evolução harmônica da obra, permitindo que a arquitetura musical de Elgar se revele de maneira clara e convincente mesmo fora de seu contexto orquestral original.

O resultado é um programa que não apenas destaca a excelência técnica e musical de Tessa Uys e Ben Schoeman, mas também lança nova luz sobre duas obras fundamentais do repertório britânico, revelando aspectos frequentemente obscurecidos pelas versões orquestrais mais conhecidas.

Não deixe de ouvir. Uma boa apreciação! 

01. The Planets, Op. 32, H. 125 (Version for 2 Pianos): I. Mars, the Bringer of War
02. The Planets, Op. 32, H. 125 (Version for 2 Pianos): II. Venus, the Bringer of Peace
03. The Planets, Op. 32, H. 125 (Version for 2 Pianos): III. Mercury, the Winged Messenger
04. The Planets, Op. 32, H. 125 (Version for 2 Pianos): IV. Jupiter, the Bringer of Jollity
05. The Planets, Op. 32, H. 125 (Version for 2 Pianos): V. Saturn, the Bringer of Old Age
06. The Planets, Op. 32, H. 125 (Version for 2 Pianos): VI. Uranus, the Magician
07. The Planets, Op. 32, H. 125 (Version for 2 Pianos): VII. Neptune, the Mystic
08. Introduction & Allegro, Op. 47 (Arr. for Piano 4 Hands by Otto Singer II)
09. Salut d'amour, Op. 12

Ben Schoeman, piano
Tessa Uys, piano 

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Wolfgang Amadeus Mozart (1756-191) - Piano Concertos Nos. 9 & 22

Mozart escreveu quase trinta concertos para piano e orquestra. Alguns revelam a juventude entusiasmada do compositor; outros, a maturidade, o controle da forma, o equilíbrio, a perfeição. Neste disco, encontramos dois concertos que apresentam estas características. O primeiro, por exemplo, foi escrito em 1777, quando compositor possuía apenas 21 anos de idade. Com essa idade, Mozart já havia escrito obras grandiosas e imortais, todavia o Concerto Nº 9 ainda não possui a grandiosidade de outros concertos – principalmente, o que o austríaco passou a escrever a partir do Concerto Nº 17 (pelo menos no meu humilde ponto de vista).

O nome do Concerto - "Jeunehomme" – possivelmente se deva à homenagem que Mozart realizou à pianista francesa Victoire Jenamy (durante muito tempo identificada erroneamente como "Jeunehomme"), filha do célebre dançarino e coreógrafo Jean-Georges Noverre, amigo da família Mozart.

Já o Concerto Nº 22, uma das obras-primas para o instrumento, foi escrita em 1785. Nesse período, o compositor já desfrutava de um amplo prestígio nos salões vienenses. Nessa época, promovia seus próprios concertos públicos e precisava constantemente de novas obras para apresentar diante do exigente público da capital austríaca.

A motivação para escrever o K. 482 foi, portanto, dupla: atender à intensa demanda de suas apresentações e, ao mesmo tempo, consolidar sua posição como o principal virtuose de Viena. Nessa obra, encontra-se um dos momentos mais bonitos da escrita mozartiana – trata-se do segundo movimento – o “Andante”. Nota-se um drama, uma melancolia, com uma doce dicção romântica, algo que, mais tarde, Beethoven viria a emular em suas produções mais maduras.

Não deixe de ouvir. Uma boa apreciação!

Wolfgang Amadeus Mozart (1756-191) - 

01 I. Allegro
02 II. Andantino
03 III. Rondeau. Presto
04 I. Allegro
05 II. Andante
06 III. Finale. Allegro

Bamberger Symphoniker
Manfred Honeck, regente
Jan Lisiecki, piano 

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Wilhelm Friedemann Bach Edition - (CDs 1, 2, 3 e 4 de 14)

 

 

Era o primogênito e filho predileto de Johann Sebastian Bach e era dotado de grande talento. Para sua educação musical seu pai escreveu o Clavierbüchlein. Também estudou Direito na Universidade de Leipzig e Matemática na Universidade de Halle. Em 1733 foi nomeado organista da Igreja de Santa Sofia em Dresden, e em 1746 tornou-se organista da Igreja de Santa Maria em Halle. Em 1751 casou-se com Dorothea Elisabeth Georgi (1721–1791), tendo com ela dois filhos e uma filha.

Sua vida em Halle não foi feliz, várias vezes seus superiores entraram em conflito com ele por motivos mesquinhos, levando-o a tentar repetidamente colocações em outras cidades, mas nunca teve sucesso. Em 1764 sua situação havia se tornado insustentável. Pediu demissão sem ter nenhum emprego em vista e passou a levar uma vida de músico itinerante, sobrevivendo principalmente como professor de piano. Não manteve um número de alunos constante e a renda que conseguia era sempre incerta. Chegou em muitas ocasiões a enfrentar dificuldades financeiras, quando foi obrigado a vender bens pessoais e manuscritos paternos recebidos em herança para poder subsistir. Na década de 1770 conheceu algum alívio ao ser admitido na corte da Prússia, mas logo saiu de moda e as privações reiniciaram, acabando por falecer pobre e endividado.

Foi muito apreciado como organista virtuoso e por sua capacidade de improvisar. Deixou boa quantidade de música de câmara, música sacra, sinfonias, concertos e peças para teclado, de excelente qualidade, cujas características antecipam a tensão e emocionalismo do Romantismo, embora seu estilo deva muito ao exemplo do pai. 

 

Daqui 

 

Wilhelm Friedemann Bach (1710-1784) - 

DISCO 01

01. Sinfonia in F Major, F. 67 I. Vivace
02. Sinfonia in F Major, F. 67 II. Andante
03. Sinfonia in F Major, F. 67 III. Allegro
04. Sinfonia in F Major, F. 67 IV. Menuets I & II
05. Sinfonia in F Major, F. 88 I. Un poco allegro
06. Sinfonia in D Minor F. 65 I. Adagio - Allegro e forte
07. Sinfonia in D Major, F. 64 I. Allegro e maestoso
08. Sinfonia in D Major, F. 64 II. Andante
09. Sinfonia in D Major, F. 64 III. Vivace
10. Sinfonia in D Major, F. 91
11. Sinfonia in G Major, F. 92 I. Allegro assai
12. Suite in G Minor, BWV 1070 I. Larghetto - Un poco allegro
13. Suite in G Minor, BWV 1070 II. Torneo
14. Suite in G Minor, BWV 1070 III. Aria. Adagio
15. Suite in G Minor, BWV 1070 IV. Menuetto alternativo - Trio
16. Suite in G Minor, BWV 1070 V. Capriccio

DISCO 02

01. Concerto in F Minor I. Allegro di molto
02. Concerto in F Minor II. Andante 8'24
03. Concerto in F Minor III. Prestissimo
04. Harpsichord Concerto in F Major, F. 44 I. Allegro ma non troppo
05. Harpsichord Concerto in F Major, F. 44 II. Molto adagio
06. Harpsichord Concerto in F Major, F. 44 III. Presto
07. Concerto in E Minor, F. 43 I. Allegretto
08. Concerto in E Minor, F. 43 II. Adagio
09. Concerto in E Minor, F. 43 III. Allegro assai

DISCO 03

01. Harpsichord Concerto in D Major, F. 41 I. Allegro
02. Harpsichord Concerto in D Major, F. 41 II. Andante
03. Harpsichord Concerto in D Major, F. 41 III. Presto
04. Harpsichord Concerto in A Minor, F. 45 I. —
05. Harpsichord Concerto in A Minor, F. 45 II. Larghetto
06. Harpsichord Concerto in A Minor, F. 45 III. Allegro ma non molto
07. Sonata for 2 Harpsichords in F Major, F. 10 I. Allegro moderato
08. Sonata for 2 Harpsichords in F Major, F. 10 II. Andante
09. Sonata for 2 Harpsichords in F Major, F. 10 III. Presto
10. Concerto for 2 Harpsichords in E-Flat Major, F. 46 I. Un poco allegro
11. Concerto for 2 Harpsichords in E-Flat Major, F. 46 II. Cantabile
12. Concerto for 2 Harpsichords in E-Flat Major, F. 46 III. Vivace

DISCO 04

01. Sonata in E Minor, F. 52 I. Allegro mo non tanto
02. Sonata in E Minor, F. 52 II. Siciliano
03. Sonata in E Minor, F. 52 III. Vivace
04. Trio in A Minor, F. 49 I. Allegro
05. Sonata in F Major I. Largo
06. Sonata in F Major II. Allegretto
07. Sonata in F Major III. Allegro assai e scherzando
08. Trio in D Major, F. 48 I. Andante
09. Trio in D Major, F. 48 II. Allegro
10. Trio in D Major, F. 48 III. Vivace
11. Sonata in F Major, F. 51 I. Allegro non troppo
12. Sonata in F Major, F. 51 II. Andantino
13. Sonata in F Major, F. 51 III. Vivace
14. Trio in D Major, F. 47 I. Allegro ma non troppo
15. Trio in D Major, F. 47 II. Largo
16. Trio in D Major, F. 47 III. Vivace

Rheinische Kantorei
Das Kleine Konzert
Hermann Max, diretor

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Carl Orff (1895-1982) - Carmina Burana

A 10 de Julho de 1895, nascia Carl Orff em Munich, vindo a falecer em sua cidade natal a 29 de Março de 1982, com quase 87 anos.Hoje, há quase 10 anos de sua morte, a sua música continua a cada dia mais viva. Sua trajetória começou aos 5 anos, quando iniciou seus estudos de violoncelo e piano. Mas a sua marca somente começa a surgir após 1931, quando resolve colocar em prática uma idéia brilhante, que veio a se chamar "SCHULWERK", ou seja, o desenvolvimento de um método de educação musical, fundamentado no ritmo, na expressão corporal e na dança. Partindo desta concepção, Orff desenvolveu um instrumental específico, a fim de impulsionar o desenvolvimento musical dos alunos. Este método teve tanta repercussão, que hoje já se encontra traduzido em 14 idiomas, envolvendo a música de diversos países, transformando-o assim num método universal em todos os sentidos.

 

A partir de 1936, Orff dedica-se à composição das grandes obras, que o colocariam ainda mais acima, em seu próprio pedestal. Suas obras obtiveram enorme repercussão, chamando a atenção dos principais diretores, coreógrafos e maestros do mundo. Algumas obras tornaram-se mais conhecidas, como é o caso das óperas: "DIE KLUGE" (A Astuta), traduzida em 9 idiomas e "ANTIGONAE", das cantatas: "CATULLI CARMINA", "TRIUNFO Dl AFRODITE" e a mais popular de todas, "CARMINA BURANA". Estas três cantatas compõem um triplico teatral. Carmina Burana, foi a primeira e a mais popular de suas obras, composta entre 1935 e 1936, estrelando em Frankfurt a 8 de Junho de 1937, com absoluto sucesso. Reúne textos de diversas canções de "CARMINA BURANA", uma série de poemas profanos escritos por monges alemães, do monastério Bavariano, datados do XIII século, escritos em língua alemã, francês arcaico e latim.ORFF escreveu duas versões de "CARMINA BURANA", a principal e a preferida do autor, é escrita para grande orquestra, coro, solistas e coro de meninos, composta em 1936. 

Texto completo aqui 

Carl Orff (1895-1982) - 

01 - Carmina Burana - Fortuna Imperatrix Mundi, Empress of the World_
02 - Carmina Burana - Fortuna Imperatrix Mundi_ Fortune plango vulnera
03 - Carmina Burana - I. Primo Vere_ Veris leta facies (Remastered 202
04 - Carmina Burana - I. Primo Vere_ Omnia Sol temperat (Remastered 20
05 - Carmina Burana - I. Primo Vere_ Ecce gratum (Remastered 2022, Ver
06 - Carmina Burana - Uf dem Anger_ Tanz, Dance (Remastered 2022, Vers
07 - Carmina Burana - Uf dem Anger_ Floret silva nobilis (Remastered 2
08 - Carmina Burana - Uf dem Anger_ Chramer, gip die varwe mir (Remast
09 - Carmina Burana - Uf dem Anger_ Reie, Round dance (Remastered 2022
10 - Carmina Burana - Uf dem Anger_ Swaz hie gat umbe (Remastered 2022
11 - Carmina Burana - Uf dem Anger_ Chume, chum, geselle min! Swaz hie
12 - Carmina Burana - Uf dem Anger_ Were diu werlt alle min (Remastere
13 - Carmina Burana - II. In Taberna_ Estuans interius (Remastered 202
14 - Carmina Burana - II. In Taberna_ Olim lacus colueram (Remastered
15 - Carmina Burana - II. In Taberna_ Ego sum abbas (Remastered 2022,
16 - Carmina Burana - II. In Taberna_ In taberna quando sumus (Remaste
17 - Carmina Burana - Cour d’amours_ Amor volat undique (Remastered 20
18 - Carmina Burana - Cour d’amours_ Dies, nox et omnia mihi sunt cont
19 - Carmina Burana - Cour d’amours_ Stetit puella (Remastered 2022, V
20 - Carmina Burana - Cour d’amours_ Circa mea pectora multa sunt susp
21 - Carmina Burana - Cour d’amours_ Si puer cum puellula (Remastered
22 - Carmina Burana - Cour d’amours_ Veni, veni, venias (Remastered 20
23 - Carmina Burana - Cour d’amours_ In trutina mentis dubia (Remaster
24 - Carmina Burana - Cour d’amours_ Tempus est iocundum (Remastered 2
25 - Carmina Burana - Cour d’amours_ Dulcissime (Remastered 2022, Vers
26 - Carmina Burana - Blanziflor et Helena_ Ave formossissima (Remaste
27 - Carmina Burana - Fortuna Imperatrix Mundi_ O Fortuna (Remastered

Bavarian Radio Symphony Orchestra
Bavarian Radio Chorus
Eugen Jochum, regente 

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Piotr I. Tchaikovsky (1840-1893) - Symphony No. 6 in B Minor, Op. 74 "Pathétique" e Romeo and Juliet, Fantasy Overture

"Gravada em 1948, esta interpretação da Patética constitui um documento histórico de extraordinário valor, capturando um jovem Herbert von Karajan em plena ascensão, movido por uma ambição artística ardente, à frente da Filarmônica de Viena. Muito distante dos monumentais blocos sonoros que caracterizariam suas gravações berlinenses das décadas posteriores, esta leitura - originalmente registrada em discos de 78 rotações sob a supervisão do lendário produtor Walter Legge - revela uma intensidade crua, urgente e profundamente humana.

Entre as obras que Karajan mais frequentemente registrou em estúdio, rivalizando apenas com a Quinta Sinfonia de Beethoven, a Patética ocupa um lugar central em sua discografia. No entanto, esta versão inicial destaca-se por qualidades singulares: uma solidez estrutural sem concessões, uma tensão dramática permanente e, sobretudo, o timbre sombrio e comovente da Filarmônica de Viena do pós-guerra, uma orquestra que parecia tocar não apenas por excelência artística, mas também por sobrevivência.

O resultado é uma interpretação de impressionante força emocional, na qual a urgência histórica do momento se alia à visão de um maestro ainda distante do refinamento calculado dos anos posteriores. Mais do que uma simples gravação, trata-se de um retrato sonoro de uma época marcada pela reconstrução, pela memória e pela determinação - um testemunho eloquente do encontro entre um jovem Karajan e uma das grandes orquestras do mundo em um momento decisivo de suas histórias".

Não deixe de ouvir. Uma boa apreciação!

Piotr I. Tchaikovsky (1840-1893) - 

01. Symphony No. 6 in B Minor, Op. 74 "Pathétique": I. Adagio - Allegro non troppo (18:45)
02. Symphony No. 6 in B Minor, Op. 74 "Pathétique": II. Allegro con grazia (8:56)
03. Symphony No. 6 in B Minor, Op. 74 "Pathétique": III. Allegro molto vivace (8:12)
04. Symphony No. 6 in B Minor, Op. 74 "Pathétique": IV. Finale. Adagio lamentoso (10:03)
05. Romeo and Juliet, Fantasy Overture (20:42)

Wiener Philharmoniker
Herbert von Karajan, regente 

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Sergei Rachmaninov (1873-1943) - Piano Trios

Sergei Rachmaninov é um dos compositores mais importantes da virada do século XIX para o século XX. Ele esteve entre a segunda metade do século XIX e a primeira metade do século XX. Foi um compositor que, apesar de viver em um tempo de abruptas mudanças, procurou olhar para a tradição romântica. Tchaikovsky foi para ele uma referência. É o que vemos, por exemplo, nesses dois bonitos, delicados e melancólicos trios.

Escrito em 1892, quando Rachmaninov tinha apenas 19 anos, o Trio élégiaque nº 1 já demonstra uma surpreendente maturidade emocional. Concebido em um único movimento, a obra apresenta uma atmosfera introspectiva e nostálgica desde seus primeiros compassos. O piano, instrumento do qual Rachmaninov era virtuose, assume papel central, conduzindo um discurso marcado por amplas melodias e contrastes dramáticos. Violino e violoncelo dialogam de forma íntima, criando uma sonoridade que oscila entre a delicadeza e a intensidade apaixonada.

Um ano depois, em 1893, a morte de Tchaikovsky abalou profundamente o jovem músico. Como homenagem ao mestre, Rachmaninov compôs o Trio élégiaque nº 2 em Ré Menor, Op. 9, uma obra de maiores proporções e ambição artística. Inspirado pelo célebre Trio para Piano em Lá Menor, de Tchaikovsky, o compositor estruturou a peça em três movimentos, culminando em um vasto finale baseado em variações.

Desde a abertura, o caráter fúnebre da obra é evidente. O tema principal emerge sombrio e carregado de gravidade, estabelecendo um clima de luto que permeia toda a composição. O segundo movimento oferece momentos de lirismo e contemplação, enquanto o movimento final desenvolve uma série de variações que percorrem diferentes estados emocionais - da lembrança afetuosa ao desespero, da serenidade à exaltação dramática.

Importante dizer o que um jovem como Rachmaninov, por volta dos vinte anos, era capaz de fazer. A sensação de presença de um sol que pouco aquece continuaria nas próximas décadas nas composições do russo; e, talvez, resida nisso charme de sua música.

Não deixe de ouvir. Uma boa apreciação!

Sergei Rachmaninov (1873-1943) - 

01. Trio élégiaque No. 1 in G Minor - Trio elegiaque No. 1 in G Minor
02. Trio élégiaque No. 2 in D Minor, Op. 9 - I. Moderato - Allegro vivace - Allegro moderato
03. Trio élégiaque No. 2 in D Minor, Op. 9 - II. Quasi variazione -  Andante - Allegro - Lento
04. Trio élégiaque No. 2 in D Minor, Op. 9 - III. Allegro risoluto - Allegro molto - Moderato

Valeri Grohovski, piano
Eduard Wulfson, violino
Dmitry Yablonsky, violoncelo 

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Johannes Brahms (1833-1897) - The Five Sonatas for Violin & Piano, Vol. 2

"Ulf Wallin e Roland Pöntinen realizaram sua primeira gravação em duo para a BIS em 1991 e, desde então, construíram uma discografia amplamente elogiada pela crítica, abrangendo repertórios que vão de Schumann e Liszt a Alfred Schnittke, passando por Schoenberg e Hindemith. Com o presente álbum, os dois músicos concluem seu mais recente projeto: a gravação integral das obras de Johannes Brahms para violino e piano.

O ciclo reúne não apenas as três célebres sonatas numeradas para violino e piano, pilares do repertório camerístico romântico, mas também o Scherzo da chamada Sonata F.A.E. e as versões para violino que o próprio Brahms preparou de suas duas sonatas originalmente compostas para clarineta e piano.

Wallin e Pöntinen iniciam este volume com a Sonata nº 2 em Mi bemol maior, Op. 120, escrita em 1894 para clarineta e posteriormente adaptada pelo compositor para o violino. A transcrição exigiu uma revisão substancial da parte solista: como a extensão da clarineta alcança notas mais graves do que aquelas disponíveis ao violino, Brahms precisou reformular diversas passagens. Essas alterações repercutiram diretamente na escrita pianística, tornando necessária a elaboração de uma nova edição da partitura para piano.

O programa prossegue com a Segunda e a Terceira Sonatas para Violino, em Lá maior e Ré menor, respectivamente. Ambas foram compostas durante o verão de 1886, em Thun, na Suíça, e revelam vínculos estilísticos profundos, embora habitem universos expressivos radicalmente distintos. Enquanto uma se caracteriza por sua luminosidade lírica e serenidade contemplativa, a outra explora uma linguagem mais dramática e apaixonada, demonstrando a extraordinária amplitude emocional alcançada por Brahms em sua produção camerística da maturidade.

Ao encerrar essa abrangente jornada pelo repertório brahmsiano para violino e piano, Wallin e Pöntinen reafirmam as qualidades que tornaram sua parceria tão respeitada: refinamento estilístico, inteligência musical e uma notável capacidade de equilibrar profundidade interpretativa e clareza estrutural".

Não deixe de ouvir. Uma boa apreciação! 

Johannes Brahms (1833-1897) - 

Sonata in E flat major, Op. 120 No. 2
01. I. Allegro amabile
02. II. Allegro appassionato
03. III. Andante con moto

Sonata No. 2 In A Major, Op. 100
04. I. Allegro amabile
05. II. Andante tranquillo - Vivace - Andante
06. III. Allegretto grazioso (quasi Andante)

Sonata No. 3 in D Minor, Op. 108
07. I. Allegro
08. II. Adagio
09. III. Un poco presto e con sentimento
10. IV. Presto agitato

Ulf Wallin, violino
Roland Pöntinen, piano 

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Johann Sebastian Bach (1685-1750) - Sonatas for Flute & Harpsichord

"Embora a origem exata das sonatas para flauta e cravo de Bach permaneça incerta, sua classificação também tem sido objeto de intenso debate musicológico. As três primeiras são frequentemente descritas como Sonaten auf Concertenart — sonatas em estilo de concerto —, um gênero híbrido que conheceu grande popularidade entre aproximadamente 1720 e 1740. É possível, portanto, que Bach tenha deliberadamente explorado novas possibilidades formais nessas obras, experimentando com os limites entre a sonata e o concerto.

A Sonata em Mi bemol maior, BWV 1031, especialmente por seu encantador siciliano, talvez seja a mais conhecida de todas as sonatas para flauta do compositor, ocupando um lugar privilegiado no repertório. No entanto, cada uma dessas obras oferece uma perspectiva fascinante sobre a maneira como Bach compreendia e reinventava o gênero da sonata, revelando uma inesgotável riqueza de invenção melódica, refinamento estrutural e imaginação contrapontística.

Mais do que simples peças de câmara, essas sonatas testemunham a capacidade singular de Bach de transformar formas estabelecidas em laboratórios de criação musical, conciliando elegância, profundidade e uma extraordinária variedade de ideias".

Não deixe ouvir. Uma boa apreciação! 

Johann Sebastian Bach (1685-1750) - 

03. Flute Sonata in B Minor, BWV 1030: III. Presto
04. Flute Sonata in E-Flat Major, BWV 1031: I. Allegro moderato
05. Flute Sonata in E-Flat Major, BWV 1031: II. Siciliano
06. Flute Sonata in E-Flat Major, BWV 1031: III. Allegro
07. Flute Sonata in A Major, BWV 1032: I. Vivace
08. Flute Sonata in A Major, BWV 1032: II. Largo e dolce
09. Flute Sonata in A Major, BWV 1032: III. Allegro
10. Flute Sonata in C Major, BWV 1033: I. Andante-Presto
11. Flute Sonata in C Major, BWV 1033: II. Allegro
12. Flute Sonata in C Major, BWV 1033: III. Adagio
13. Flute Sonata in C Major, BWV 1033: IV. Menuetto
14. Flute Sonata in E Minor, BWV 1034: I. Adagio ma non tanto
15. Flute Sonata in E Minor, BWV 1034: II. Allegro
16. Flute Sonata in E Minor, BWV 1034: III. Andante
17. Flute Sonata in E Minor, BWV 1034: IV. Allegro
18. Flute Sonata in E Major, BWV 1035: I. Adagio ma non tanto
19. Flute Sonata in E Major, BWV 1035: II. Allegro
20. Flute Sonata in E Major, BWV 1035: III. Siciliano
21. Flute Sonata in E Major, BWV 1035: IV. Allegro assai

Pauliina Fred, flauta
Aapo Häkkinen, cravo 

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Péter Eötvös (1944-2024) - Violin Concerto No. 3 "Alhambra" e Igor Stravinsky (1882-1971) - Le Sacre du printemps

"Mais de um século após o escândalo histórico que marcou sua estreia no Théâtre des Champs-Élysées, A Sagração da Primavera consolidou-se como uma das obras indispensáveis do repertório orquestral moderno. Se as forças telúricas desencadeadas por Stravinsky têm suas raízes na Rússia pagã, foi sob os arabescos e a atmosfera dos palácios da Andaluzia que Péter Eötvös encontrou a inspiração para seu Terceiro Concerto para Violino.

Os dedicatários da obra, a violinista Isabelle Faust e o maestro Pablo Heras-Casado, apresentam nesta gravação o primeiro registro mundial da partitura, oferecendo ao público uma interpretação de referência para uma das mais importantes criações concertantes do compositor húngaro".

Não deixe de ouvir. Uma boa apreciação! 

01. Violin Concerto No. 3 "Alhambra" (23:19)
02. Le Sacre du printemps, Pt. 1, L'Adoration de la Terre: I. Introduction (3:32)
03. Le Sacre du printemps, Pt. 1, L'Adoration de la Terre: II. Les Augures printaniers - Danses des adolescentes (3:27)
04. Le Sacre du printemps, Pt. 1, L'Adoration de la Terre: III. Jeu du rapt (1:18)
05. Le Sacre du printemps, Pt. 1, L'Adoration de la Terre: IV. Rondes printanières (3:20)
06. Le Sacre du printemps, Pt. 1, L'Adoration de la Terre: V. Jeux des cités rivales (1:41)
07. Le Sacre du printemps, Pt. 1, L'Adoration de la Terre: VI. Cortège du sage (0:40)
08. Le Sacre du printemps, Pt. 1, L'Adoration de la Terre: VII. Le Sage - Danse de la Terre (1:38)
09. Le Sacre du printemps, Pt. 2, Le Sacrifice: I. Introduction (4:23)
10. Le Sacre du printemps, Pt. 2, Le Sacrifice: II. Cercles mystérieux des adolescentes (3:40)
11. Le Sacre du printemps, Pt. 2, Le Sacrifice: III. Glorification de l'élue (1:26)
12. Le Sacre du printemps, Pt. 2, Le Sacrifice: IV. Évocation des ancêtres (0:39)
13. Le Sacre du printemps, Pt. 2, Le Sacrifice: V. Action rituelle des ancêtres (3:48)
14. Le Sacre du printemps, Pt. 2, Le Sacrifice: VI. Danse sacrale (L'Élue) (4:54)

Orchestre de Paris
Pablo Heras-Casado, regente
Isabelle Faust, violino

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Piotr I. Tchaikovsky (1840-1893) - Symphony No.4 in F minor, Op.36, TH.27, Symphony No.5 in E minor, Op.64, TH.29 e Symphony No. 6 in B minor, Op. 74, TH 30 - Pathétique

 Tchaikovsky escreveu seis sinfonias. As seis possuem uma orquestração fabulosa. As de número 4, 5 e 6, geralmente, aparecem juntas em discos variados. Existem inúmeras gravações desse conjunto. Elas são uma espécie de trilogia poderosa sobre o destino.

A primeira dela, a Nº 4, foi escrita em 1877. É a mais explícita em sua narrativa. O próprio Tchaikovsky descreveu o motivo inicial dos metais como a representação do "Fatum", a força inexorável do destino que paira sobre a vida humana. Desde os primeiros compassos, a obra parece travar uma batalha entre a esperança e a inevitabilidade. O que impressiona não é apenas a qualidade da escrita orquestral, mas a sinceridade brutal da música. Não há heroísmo beethoveniano aqui. Há resistência, sofrimento e, sobretudo, a consciência de que certas forças são maiores do que nós.

A Quinta Sinfonia, escrita onze anos depois, assume um tom mais filosófico. Seu tema recorrente reaparece ao longo dos quatro movimentos como uma ideia obsessiva, quase um pensamento impossível de afastar. Muitos ouvintes interpretam a obra como uma trajetória das trevas para a luz, culminando em um final triunfal. Mas esse triunfo permanece controverso. Há quem veja nele uma vitória genuína da vontade humana; outros enxergam uma celebração forçada, uma máscara colocada sobre feridas ainda abertas.

Sexta Sinfonia, a célebre "Patética", que Tchaikovsky alcança sua expressão mais devastadora. É uma das minhas sinfonias favoritas da vida. Estreada poucos dias antes de sua morte, a obra desafia todas as convenções do gênero. Em vez de terminar com um final brilhante e afirmativo, ela encerra sua jornada em um lento movimento de despedida, que se dissolve gradualmente no silêncio. É uma metáfora da própria vida, repleta de paixões, que se dissolve como se uma esponja eliminasse a sujeira de um copo.

Não deixe de ouvir. Uma boa apreciação! 

Piotr I. Tchaikovsky (1840-1893) - 

DISCO 01

01. Symphony No.4 in F minor, Op.36, TH.27 -  1. Andante sostenuto - Moderato con anima -
02. Symphony No.4 in F minor, Op.36, TH.27 -  2. Andantino in modo di canzone 
03. Symphony No.4 in F minor, Op.36, TH.27 -  3. Scherzo. Pizzicato ostinato - Allegro 
04. Symphony No.4 in F minor, Op.36, TH.27 -  4. Finale (Allegro con fuoco) 

DISCO 02

01. Symphony No.5 in E minor, Op.64, TH.29 -  1. Andante - Allegro con anima 
02. Symphony No.5 in E minor, Op.64, TH.29 -  2. Andante cantabile, con alcuna licenza - Moderato con anima
03. Symphony No.5 in E minor, Op.64, TH.29 -  3. Valse (Allegro moderato)
04. Symphony No.5 in E minor, Op.64, TH.29 -  4. Finale (Andante maestoso - Allegro vivace)

DISCO 03

01. Symphony No. 6 in B minor, Op. 74, TH 30 - Pathétique 1. Adagio - Allegro non troppo 
02. Symphony No. 6 in B minor, Op. 74, TH.30 - Pathétique 2. Allegro con grazia 
03. Symphony No. 6 in B minor, Op. 74, TH.30 - Pathétique 3. Allegro molto vivace 
04. Symphony No. 6 in B minor, Op. 74, TH.30 - Pathétique 4. Finale (Adagio lamentoso - Andante) 

Wiener Philharmoniker
Rafael KUbelik, regente 

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Béla Bartók (1881-1945) - Piano Concertos 1, 2 & 3

Escritos ao longo de quase vinte anos, os três concertos para piano de Bartók nasceram não por encomenda de outros intérpretes — como ocorreu com os concertos para violino e viola —, mas para o próprio compositor. À semelhança dos grandes compositores-virtuoses de gerações anteriores, Bartók concebeu essas três obras monumentais como peças de repertório para suas turnês de concertos e, naturalmente, como fonte de sustento financeiro.

Cada concerto segue de perto a tradicional estrutura clássica em três movimentos, consagrada por Beethoven, culminando inclusive em movimentos finais em forma de rondó. No entanto, o desenvolvimento motívico, o uso dos modos e a incorporação de outras formas musicais revelam uma linguagem inteiramente pessoal. Tudo aqui carrega a assinatura inconfundível de Bartók.

Este álbum da Chandos, reunindo os três concertos, traz o pianista Jean-Efflam Bavouzet, cuja integral das obras para piano solo de Debussy foi amplamente celebrada pela crítica. Embora Debussy e Bartók pertençam a universos estéticos bastante distintos, as qualidades que tornaram memoráveis as interpretações de Bavouzet — a ampla paleta de cores, o toque meticulosamente controlado, a articulação transparente e o domínio aparentemente natural do tempo — revelam-se igualmente ideais para Bartók.

À frente da BBC Philharmonic, Gianandrea Noseda conduz a escrita orquestral vigorosa e musculosa do compositor húngaro com extraordinária coesão. O diálogo constante — ou, por vezes, verdadeiro embate — entre solista e orquestra flui de maneira orgânica e perfeitamente integrada. Mesmo nos trechos mais incisivos, marcados por fanfarras de metais de grande impacto, Noseda preserva um senso de equilíbrio que permite ao som poderoso de Bavouzet emergir com clareza absoluta.

Em contraste, a atmosfera íntima e suspensa alcançada no Adagio do Segundo Concerto é de tal delicadeza que parece convidar o ouvinte a prender a respiração. Depois de interpretações tão convincentes e satisfatórias, resta apenas esperar que a Chandos tenha novos projetos reservados para a parceria entre Bavouzet e Bartók.

Não deixe de ouvir. Uma boa apreciação! 

Béla Bartók (1881-1945) -

Piano Concerto No.1, BB 91
01. I Allegro moderato
02. II Andante
03. III Allegro

Piano Concerto No.2, BB 101
04. I Allegro
05. II Adagio - Presto - Adagio
06. III Allegro molto

Piano Concerto No.3, BB 127
07. I Allegretto
08. II Adagio religioso
09. III Allegro vivace

BBC Philharmonic
Gianandrea Noseda, regente
Jean-Efflam Bavouzet, piano 

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