Dmitri Shostakovich (1906-1975) - 24 Preludes, Op. 34, Sergei Prokofiev (1891-1953) - Visions fugitives, Op. 22 e Kurt Weill (1900-1950) - 7 Stucke nach der Dreigroschenoper

"Benjamin Schmid certamente não foge a desafios. Ao lado da pianista Lisa Smirnova, concebeu um programa incomum, inteiramente construído em torno de transcrições. O recital reúne, em primeiro lugar, quatorze dos vinte e quatro Prelúdios Op. 34 de Shostakovich adaptados para violino por Dmitri Tsyganov. Como se isso não bastasse — e talvez justamente porque as versões de Tsyganov já são relativamente conhecidas —, Schmid recupera ainda os arranjos realizados em 1993 pelo músico russo Viktor Derevianko para as Visions fugitives Op. 22 de Prokofiev. Por fim, deslocando o foco geográfico para o Ocidente, interpreta as sete peças extraídas de A Ópera dos Três Vinténs nas célebres transcrições de Stefan Frenkel.

A primeira questão surge naturalmente: quarenta e uma faixas em apenas cinquenta e quatro minutos de música, sem uma única obra originalmente concebida para violino. Funciona? A resposta depende tanto da convicção dos intérpretes quanto da qualidade intrínseca dos arranjos. Dois desses conjuntos já resistiram ao teste do tempo; o Prokofiev-Derevianko, por sua vez, será novidade para muitos ouvintes. Vale, portanto, concentrar a atenção na execução.

A maioria dos violinistas costuma selecionar apenas meia dúzia dos Prelúdios de Tsyganov para recitais ou gravações. Alguns incluem peças isoladas; outros, mais especializados, apresentam grupos mais extensos. Raramente alguém grava mais da metade das dezenove transcrições realizadas pelo arranjador. Nesse contexto, a decisão de Schmid de registrar quatorze delas é digna de elogio, embora houvesse espaço para incluir a coleção completa. Fica a dúvida: teria o violinista reservas em relação às cinco peças ausentes, ou teria a gravadora preferido evitar que o programa assumisse um caráter excessivamente documental? Há uma certa sensação de oportunidade perdida. Afinal, Schmid poderia ter ido além e completado o ciclo incorporando também as cinco transcrições que Lera Auerbach realizou, em 2000, dos prelúdios restantes.

Quanto às peças selecionadas, Schmid demonstra notável liberdade interpretativa. Não hesita em introduzir uma aspereza quase abrasiva ao timbre no Prelúdio nº 6, nem em explorar o caráter irônico e ligeiramente sardônico do nº 13. No célebre nº 10, um dos mais conhecidos da série, chega a adotar um andamento ainda mais veloz que o registrado por Camilla Wicks e Sixten Ehrling em sua histórica gravação. Schmid e Smirnova também mostram inteligência na organização do programa, embaralhando parcialmente a sequência original: iniciam com o Prelúdio nº 24 e encerram com o vigoroso nº 20, mantendo, no entanto, uma narrativa geral que preserva em grande parte a progressão cronológica do conjunto.

As transcrições de Prokofiev realizadas por Viktor Derevianko permanecem uma relativa raridade discográfica. O arranjador foi um músico de grande prestígio, discípulo de Heinrich Neuhaus e colaborador de Shostakovich após 1970, antes de emigrar para Israel em 1976. As Visions fugitives aparecem aqui completas e na ordem tradicional, embora saibamos que foram compostas em momentos distintos. Schmid e Smirnova revelam-se intérpretes ideais dessa nova roupagem instrumental. É fascinante ouvir o célebre Allegretto (nº 3) transformado para violino, assim como apreciar a expressividade errante do nº 7 ou a energia impulsiva do nº 15. Em determinado momento, no nº 17, chega-se até a ouvir uma profunda expiração de Schmid, testemunho involuntário do envolvimento físico exigido pela música.

As sete peças de Weill na versão de Frenkel continuam sendo uma descoberta irresistível. Adaptam-se perfeitamente à variedade tímbrica de Schmid e à sua habilidade em moldar as linhas melódicas. Na Cannon Song, percebe-se claramente sua familiaridade com o universo do jazz: o fraseado exibe uma flexibilidade rítmica admirável. Já na Tango Ballad, o vibrato deliberadamente esfumaçado revela-se particularmente eficaz.

Bem executado e excelentemente gravado, este recital é acompanhado por notas de programa claras e informativas. Trata-se, sem dúvida, de um lançamento voltado a um público específico, mas que merece ser explorado por qualquer amante do violino disposto a aventurar-se por repertórios menos convencionais".

Não deixe de ouvir. Uma boa apreciação! 

Dmitri Shostakovich (1906-1975) - 

01. 24 Preludes, Op. 34 (arr. D.M. Tsiganov for violin and piano): No. 24 in D Minor, Allegretto [01:21]
02. 24 Preludes, Op. 34 (arr. D.M. Tsiganov for violin and piano): No. 2 in A Minor, Allegretto [01:02]
03. 24 Preludes, Op. 34 (arr. D.M. Tsiganov for violin and piano): No. 6 in B Minor, Allegretto [01:21]
04. 24 Preludes, Op. 34 (arr. D.M. Tsiganov for violin and piano): No. 10 in C-Sharp Minor, Moderato non troppo [01:46]
05. 24 Preludes, Op. 34 (arr. D.M. Tsiganov for violin and piano): No. 12 in G-Sharp Minor, Allegretto non troppo [01:52]
06. 24 Preludes, Op. 34 (arr. D.M. Tsiganov for violin and piano): No. 13 in F-Sharp Major, Moderato [01:05]
07. 24 Preludes, Op. 34 (arr. D.M. Tsiganov for violin and piano): No. 15 in D-Flat Major,Allegretto [00:54]
08. 24 Preludes, Op. 34 (arr. D.M. Tsiganov for violin and piano): No. 16 in B-Flat Minor, Andantino [01:06]
09. 24 Preludes, Op. 34 (arr. D.M. Tsiganov for violin and piano): No. 17 in A-Flat Major, Largo [01:42]
10. 24 Preludes, Op. 34 (arr. D.M. Tsiganov for violin and piano): No. 18 in F Minor, Allegretto [00:52]
11. 24 Preludes, Op. 34 (arr. D.M. Tsiganov for violin and piano): No. 19 in E-Flat Major, Andantino [01:50]
12. 24 Preludes, Op. 34 (arr. D.M. Tsiganov for violin and piano): No. 21 in B-Flat Major, Allegretto poco moderato [00:52]
13. 24 Preludes, Op. 34 (arr. D.M. Tsiganov for violin and piano): No. 22 in G Minor, Adagio [02:04]
14. 24 Preludes, Op. 34 (arr. D.M. Tsiganov for violin and piano): No. 20 in C Minor, Allegretto [00:50]

Sergei Prokofiev (1891-1953) - 

15. Visions fugitives, Op. 22 (arr. V. Derewianko for violin and piano): I. Lentamente [00:59]
16. Visions fugitives, Op. 22 (arr. V. Derewianko for violin and piano): II. Andante [01:16]
17. Visions fugitives, Op. 22 (arr. V. Derewianko for violin and piano): III. Allegretto [01:03]
18. Visions fugitives, Op. 22 (arr. V. Derewianko for violin and piano): IV. Animato - Piu sostenuto [01:07]
19. Visions fugitives, Op. 22 (arr. V. Derewianko for violin and piano): V. Molto giocoso [00:26]
20. Visions fugitives, Op. 22 (arr. V. Derewianko for violin and piano): VI. Con eleganza [00:46]
21. Visions fugitives, Op. 22 (arr. V. Derewianko for violin and piano): VII. Pittoresco [01:54]
22. Visions fugitives, Op. 22 (Arr. V. Derewianko For Violin And Piano): VIII. Commodo [01:25]
23. Visions fugitives, Op. 22 (arr. V. Derewianko for violin and piano): IX. Allegretto tranquillo [01:04]
24. Visions fugitives, Op. 22 (arr. V. Derewianko for violin and piano): X. Ridicolosamente [00:58]
25. Visions fugitives, Op. 22 (arr. V. Derewianko for violin and piano): XI. Con vivacita [01:15]
26. Visions fugitives, Op. 22 (arr. V. Derewianko for violin and piano): XII. Assai moderato [01:10]
27. Visions fugitives, Op. 22 (Arr. V. Derewianko For Violin And Piano): XIII. Allegretto [00:51]
28. Visions fugitives, Op. 22 (arr. V. Derewianko for violin and piano): XIV. Feroce [01:08]
29. Visions fugitives, Op. 22 (arr. V. Derewianko for violin and piano): XV. Inquieto [00:51]
30. Visions fugitives, Op. 22 (arr. V. Derewianko for violin and piano): XVI. Dolente [01:53]
31. Visions fugitives, Op. 22 (Arr. V. Derewianko For Violin And Piano): XVII. Poetico [01:20]
32. Visions fugitives, Op. 22 (Arr. V. Derewianko For Violin And Piano): XVIII. Con Una Dolce Lentezza [01:15]
33. Visions fugitives, Op. 22 (arr. V. Derewianko for violin and piano): XIX. Presto agitatissimo e molto accentuato [00:47]
34. Visions fugitives, Op. 22 (arr. V. Derewianko for violin and piano): XX. Lento irrealmente [01:52]

Kurt Weill (1900-1950) - 

35. 7 Stucke nach der Dreigroschenoper (arr. S. Frenkel): No. 1. Moritat vom Mackie Messer (The Ballad of Mack the Knife) [02:38]
36. 7 Stucke nach der Dreigroschenoper (arr. S. Frenkel): No. 2. Ruf aus der Gruft (Call from the Grave) [00:59]
37. 7 Stucke nach der Dreigroschenoper (arr. S. Frenkel): No. 3. Ballade vom angenehmen Leben (The Ballad of Pleasant Living) [02:11]
38. 7 Stucke nach der Dreigroschenoper (arr. S. Frenkel): No. 4. Pollys Lied (Polly's Song) [01:37]
39. 7 Stucke nach der Dreigroschenoper (arr. S. Frenkel): No. 5. Zuhalterballade (The Procurer's Ballad) [01:32]
40. 7 Stucke nach der Dreigroschenoper (arr. S. Frenkel): No. 6. Seerauberjenny (Pirate Jenny) [01:21]
41. 7 Stucke nach der Dreigroschenoper (arr. S. Frenkel): No. 7. Kanonensong (Cannon Song) 

Benjamin Schmid, violino
Lisa Smirnova, piano 

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Sergei Rachmaninov (1873-1943) - Symphonic Dances e Mikhail Pletnev (1957 - ) - Rachmaniana

 

Ao lado das Danças Sinfônicas de Rachmaninoff, este lançamento apresenta a gravação mundial de estreia de Rachmaniana, de Mikhail Pletnev, obra cuja primeira execução pública ocorreu em janeiro de 2026, na Elbphilharmonie de Hamburgo. As oito peças breves que compõem a suíte delineiam, com notável concisão, alguns dos traços mais característicos do universo rachmaninoviano: paixão, ternura, uma alegria de viver simultaneamente exuberante e marcada pela dor, além de uma melancolia que tudo permeia.

Pletnev evoca atmosferas sem recorrer diretamente à citação literal — embora algumas exceções confirmem a regra. A peça de abertura, intitulada Dance, traz linhas de baixos alternados, às vezes incisivamente acentuadas, que remetem ao início das Danças Sinfônicas. Sobre elas, ergue-se uma melodia descendente das trompas, posteriormente expandida pelo trompete. O timbre nostálgico do clarinete emerge de forma sutil e conduz a uma conclusão em que as notas da flauta quase esbarram no motivo do Dies irae. Um leve toque de ironia se revela essencial.

O espírito de Tchaikovsky paira sobre o Nocturne, uma valsa lenta e arrebatadora. A Serenade prossegue nesse clima dançante: o oboé, seguido de acordes pontuados e de uma poderosa ascensão dos violoncelos, introduz uma valsa viva cujo tema é retomado e desenvolvido pelo corne inglês e pelo fagote. O resultado evoca tanto O Quebra-Nozes quanto Scheherazade, embora preserve uma voz inteiramente própria.

É então que emerge com mais nitidez o Pletnev intérprete — o mesmo músico que, ainda jovem, causou sensação com suas transcrições pianísticas dos balés de Tchaikovsky. Paysage é uma orquestração fiel do Prelúdio Op. 32 nº 5 de Rachmaninoff, enriquecida por um delicado brilho das cordas. A melodia doce da flauta, sustentada por suaves passagens do clarinete, desenha uma paisagem sonora de rara beleza, uma espécie de “paraíso perdido”.

Aquilo que o pianista Pletnev consegue ressuscitar nas obras de outros compositores — unindo percepção estrutural e profundidade emocional de maneira inimitável — também se manifesta em sua escrita autoral. A penúltima peça, Proshchaniye (Farewell), é igualmente baseada numa reelaboração, desta vez da terceira peça dos Moments musicaux Op. 16 de Rachmaninoff. Seu caráter de “marcha fúnebre” é amplificado ao transformar os acordes sombrios do piano em um coral profundamente solene para as trompas.

Um Allegretto construído sobre o colorido diálogo entre madeiras e metais — ao qual as cordas se unem como um terceiro interlocutor, numa engenhosa inversão de papéis — e uma “melodia” conduzida pelos violoncelos em tercinas de sabor tchaikovskiano surgem como evocações de mundos sonoros desaparecidos. O finale virtuosístico assume a forma de uma vertiginosa dança húngara, quase uma “metamúsica” em seus ataques irônicos de xilofone, lembrando tanto a “música de brinquedo” da Sinfonia nº 15 de Shostakovich quanto a terceira das Danças Sinfônicas de Rachmaninoff — ainda que aqui pareça faltar a mesma profundidade abissal.

Pode-se chamar essa música de “contemporânea” apenas no sentido de ter sido composta em nosso tempo. Ela certamente não ignora tudo o que a música viveu desde a era de Rachmaninoff, e essas experiências se infiltram de forma extremamente sutil em sua linguagem. Mas Pletnev não segue o caminho, hoje tão comum, de retratar a feiura do mundo. Ao contrário, sua música afirma uma imaginação da beleza que talvez soe antiquada aos ouvidos modernos, mas da qual sentimos urgente necessidade.

Talvez seja simplesmente música. Ou, nas palavras do próprio Rachmaninoff: “Uma noite silenciosa banhada pela lua; o murmúrio das folhas; sinos distantes ao entardecer; aquilo que vai de coração a coração; amor. A irmã da música é a poesia — sua mãe, a melancolia.”

01. Symphonic Dances, Op. 45: I. Non allegro
02. Symphonic Dances, Op. 45: II. Andante con moto. Tempo di valse
03. Symphonic Dances, Op. 45: III. Lento assai – Allegro vivace
04. Rachmaniana: Dance
05. Rachmaniana: Nocturne
06. Rachmaniana: Serenade
07. Rachmaniana: Landscape
08. Rachmaniana: Allegretto
09. Rachmaniana: Melody
10. Rachmaniana: Farewell
11. Rachmaniana: Hungarian Dance

Rachmaninoff International Orchestra
Mikhail Pletnev, regente

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John Field (1782-1837) - Piano Concerto No. 2 in A-flat major, H. 31 e Piano Concerto No. 3 in E-flat major, H. 32

John Field é daqueles compositores do final do século XVIII e início do século XIX que aparecem nas notas de rodapé da história. Quando encontramos nomes como o seu, rapidamente paramos para fazer uma consulta por mera e fortuita curiosidade. Todavia, uma justiça deve ser feita – Field realizou uma grande contribuição à história da música. Atribuem a ele a invenção de uma forma musical denominada “noturno”, uma espécie de música mais intimista e para ser ouvida em momentos de maior reflexão e calmaria. Essa forma musical tornou-se mais conhecida com compositores como Chopin, Schubert e Fauré. Até mesmo aqui, no Brasil, o compositor Almeida Prado escreveu os seus maravilhosos noturnos.

Nesta postagem o que está em jogo são os seus concertos para piano. O disco traz os concertos Nº 2 e Nº 3. Talvez, tenha escutado os dois concertos apenas duas vezes. Trata-se de concertos que dialogam com a forma clássica, mas já respiram uma atmosfera intimista e de tépida melancolia. A linguagem que Field utiliza nos dois concertos se afasta do virtuosismo tão característico do século XIX. Não possuem o aspecto caudaloso e vulcânico de Liszt ou a densidade com forte dicção filosófica de Beethoven.

É uma música que exige atenção para ser percebida. É elegante. Sofisticada. Pouco preocupada com maneirismos. É leve. As frases e as insinuações parecem desaparecer facilmente. Field queria que sua música soasse poética por si só sem afetações ou técnicas exageradas. Talvez, tenha sido por isso que não alcançou o sucesso que os seus pares ostentarem em seu tempo – embora, não tenha sido um compositor irrelevante.

Não deixe de ouvir. Uma boa apreciação! 

John Field (1782-1837) - 

01 Piano Concerto No. 2 in A-flat major, H. 31 - I. Allegro moderato
02 Piano Concerto No. 2 in A-flat major, H. 31 - II. Poco adagio
03 Piano Concerto No. 2 in A-flat major, H. 31 - III. Moderato innocente
04 Piano Concerto No. 3 in E-flat major, H. 32 - I. Allegro moderato
05 Piano Concerto No. 3 in E-flat major, H. 32 - II. Cantabile
06 Piano Concerto No. 3 in E-flat major, H. 32 - III. Rondo. Tempo di polacca

Concerto Köln
Andreas Staier, pianoforte
David Stern, regente

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Richard Wagner (1813-1883) - Overtures and Preludes

 Afirmar que Wagner tenha sido um dos compositores mais importantes do século XIX é um baita de um lugar comum. Gosto de sua música. Não sou obrigado a admirar “o homem Wagner”, que era uma criatura preconceituosa e de trato complicado. Sua música era ambiciosa. Procurava fundir drama, psicologia, poesia, filosofia, mitologia em um único conjunto.

Wagner revolucionou a música, pois apontava para uma ambição: seu objetivo era transformar a concepção do que se considerava música até aquele momento. Podemos enxergá-lo por meio daquilo que escreveu. As formações orquestrais eram gigantescas. Ele não se preocupava sobre como a orquestra e os músicos executariam aquilo que ele pensou e escreveu. É preciso estar preparado para ouvir Wagner. Ao ouvi-lo, sabemos que a intenção de sua música é exprimir os sentimentos que não existem na terra.

As aberturas e prelúdios de suas óperas divergem das aberturas tradicionais, porquanto já entrega e evoca estados grandiosos, repletos de reflexões densas, repletas de ideais. São verdadeiras obras-primas. Frequentemente são executadas em salas de concertos por sintetizarem grandes reflexões filosóficas e psicológicas. Essas aberturas preparam o ouvinte para uma jornada. Um exemplo extraordinário é a abertura de “Tristão e Isolda”, que é um marco na história da música. Começa com o famoso "Acorde de Tristão", uma harmonia suspensa e sem resolução que simboliza o desejo eterno e a paixão dolorosa.  

Ou a abertura hipnótica de “Lohengrin”, que é uma meditação de beleza rara e etérea sobre o Santo Graal, começando nos violinos agudos e aumentando em volume e grandiosidade antes de suavizar novamente.

Não deixe de ouvir. Uma boa apreciação!

Richard Wagner (1813-1883) - 

01. Bamberg Symphony Orchestra - Die Meistersinger von Nürnberg, WWV 96_ Overture
02. Anonymous - Lohengrin, WWV 75, Act I_ Prelude - Act III_ Prelude - Bridal Chorus
03. Bamberg Symphony Orchestra - Tannhäuser, WWV 70_ Overture
04. Bamberg Symphony Orchestra - Tristan und Isolde, WWV 90_ Overture
05. Luxembourg Radio Orchestra - Das Liebesverbot, WWV 38_ Overture
06. Hamburg Symphony Orchestra - Die Feen, WWV 32_ Overture

Bamberg Symphony Orchestra
Heirinch Hollreiser, regente
Hans Swarowsky, regente
Luxembourg Radio Orchestra
Hamburg Symphony Orchestra
Alois Springer, regente 

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Johannes Brahms (1833-1897) - Tragische Ouverture d-Moll, Op. 81 e Symphonie Nr. 4 in e-Moll, Op. 98

Brahms é um dos meus compositores indispensáveis. Tudo o que ele escreveu possui um aspecto arrojado, de uma intencionalidade desconcertante, de uma consciência crítica que impressiona. Seu aspecto reservado era uma característica que salta de sua música. Brahms era um continuador da tradição da música absoluta. Seu intento era honrar os nomes da tradição musical. Quando escrevia, procurava seguir aquilo que Bach, Haydn, Mozart e Beethoven haviam iniciado. Fugia das inovações wagnerianas; da megalomania. Procurava sugerir mais do que romper, embora não dispensasse a crítica sutil.

A “Tragische Ouvertüre” deixa isso evidente desde os primeiros compassos. Não há ali a teatralidade explosiva da ópera wagneriana nem a tentativa de construir personagens ou narrativas explícitas. A tragédia, em Brahms, é interiorizada. Diferentemente do romantismo mais expansivo, Brahms evita o excesso sentimental. Sua dor não transborda; ela se disciplina; transgride sem alardes.

Essa estética da contenção atinge sua forma mais radical na Quarta Sinfonia. Escrita em 1885, a obra frequentemente soa como uma reflexão sobre o esgotamento da grande tradição sinfônica germânica. O primeiro movimento alterna lirismo e fatalismo com impressionante equilíbrio; o segundo assume um caráter quase arcaico; o terceiro rompe momentaneamente a atmosfera sombria com uma energia impetuosa, quase dionisíaca. Mas é no quarto movimento que Brahms realiza um de seus gestos mais extraordinários.

Ao concluir a sinfonia com uma “passacaglia” - forma barroca baseada na repetição obstinada de um tema - Brahms recorre deliberadamente ao passado. Não se trata, contudo, de um exercício arqueológico. O uso dessa forma antiga adquire significado filosófico: a repetição deixa de ser apenas técnica composicional e se transforma em expressão de destino. Em vez de uma conclusão triunfal, típica da tradição romântica heroica, a Quarta Sinfonia oferece uma sensação de lucidez amarga. A música avança sem prometer redenção.

Nesse aspecto, Brahms parece dialogar com o clima intelectual pessimista do fim do século XIX, marcado pela influência de Arthur Schopenhauer e pela crescente percepção de decadência da cultura europeia. Sua música não possui o heroísmo afirmativo de Beethoven nem o impulso revolucionário de Wagner. Existe nela uma consciência histórica aguda: a percepção de que a tradição ainda sobrevive, mas já carrega em si sinais de fragilidade.

Não deixe de ouvir essa excelente versão com Kurt Sanderling. Uma boa apreciação!

Johannes Brahms (1833-1897) - 

01 - Brahms Tragische Ouvert¨¹re d-Moll, Op. 81
02 - Brahms Symphonie Nr. 4 in e-Moll, Op. 98 - I. Allegro non troppo
03 - Brahms Symphonie Nr. 4 in e-Moll, Op. 98 - II. Andante moderato
04 - Brahms Symphonie Nr. 4 in e-Moll, Op. 98 - III. Allegro giocoso ¨C Poco meno...
05 - Brahms Symphonie Nr. 4 in e-Moll, Op. 98 - IV. Allegro energico e passionato...

Swedish Radio Symphony Orchestra
Kurt Sanderling, regente 

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Johann Sebastian Bach (1685-1750) - Matthaus Passion, BWV 244

 

Composta para a sexta-feira santa de 1727, executada na Igreja de São Tomás de Leipzig da qual Bach era o diretor musical, desde sempre essa “Paixão” foi planejada como algo importante. Já comentamos que Bach teve, por bom tempo, que compor cantatas semanais para a igreja. A “Paixão” se diferencia de todas elas não comente pela duração maior, mas pela ambição maior. Índice melhor disso é sua instrumentação: oito solistas vocais, dois coros, órgão e DUAS orquestras. A obra é grande por design.

Mais exemplos: lembram quando falei da estrutura básica da cantata bachiana, com seu esquema coro-ária-recitativo-coral? Ela está presente aqui, mas em grande escala e com vários twists. Bach aqui brinca de fundir seus moldes, criando compósitos incrivelmente expressivos. Vejam só: a obra já inicia LOGO DE CARA com dois coros sobrepostos a um coral, em que comentários poéticos de Picander são cantados em antífonas, e um hino luterano é cantado por um terceiro coro, ao mesmo tempo. É eletrizante! Funciona como se Bach mostrasse suas credenciais, desse um roundhouse kick e dissesse: “agora o BICHO VAI PEGAR!”.

E pegou mesmo! Seguem a esse coro-coro-coral absurdo mais 67 números de arrepiar os cabelos, em duas grandes partes (1-29, 30-68). É um desfile de momentos de beleza e profundidade inacreditáveis, que não somente contam a história do martírio de Jesus, mas despertam reflexões muito além de qualquer religião.

São cerca de duas horas e meia de música e é até difícil listar minhas partes favoritas. Em geral gosto dos coros (ah, os de abertura e fim de obra!), e das fusões, como o duo/coral do número 27, o recitativo/coro/ária/coro dos números 19-20 ou o recitativo/coro do número 67, o penúltimo. Várias árias ficaram imensamente célebres, como a de número 39, para voz de contralto (e violino obbligato); a de número 35, para tenor (e violoncelo obbligato); e especialmente a de número 65, para baixo, um dos supremos exemplos de alegria triste (ou tristeza alegre?) da história da música.

E pensar que tal monumento tenha passado quase 100 anos na obscuridade? Bach certamente promoveu mais uma ou duas audições da “Paixão” depois da estreia, mas depois disso a obra sumiu. Foi resgatada em 1829 por Mendelssohn e, aí sim, nunca mais deixou de ser reverenciada – universalmente, por músicos e plateia, cristãos e ateus, são-paulinos e corintianos…

Daqui 

Johann Sebastian Bach (1685-1750) - 

DISCO 01

01. First Part: Kommt, Ihr Tochter, Helft Mir Klagen   
02.  First Part. Recitative: Da Jesus Diese Rede   
03.  First Part. Chorale: Herzliebster Jesu   
04.  First Part. Recitative: Da Versammelten Sich   
05.  First Part: Ja Nicht Auf Das Fest/Recitative: Da Nun Jesus War Zu Bethanien   
06.  First Part: Wozu Dienet Dieser Unrath/Recitative: Da Das Jesus Merkete   
07.  First Part. Recitative: Du Lieber Heiland Du   
08.  First Part. Arie: Buss Und Reu   
09.  First Part. Recitative: Da Ging Hin Der Zwolfen Einer   
10.  First Part. Arie: Blute Nur, Du Liebes Herz   
11.  First Part. Recitative: Aber Am Ersten Tag Der Sussen Brod/Wo Willst Du, Dass Wir Dir Bereiten   
12.  First Part. Recitative: Gehet Hin In Die Stadt Zu Einem/Recitative: Und Sie Wurden Sehr Betrubt..."   
13.  First Part. Chorale: Ich Bin's, Ich Sollte Bussen   
14.  First Part. Recitative: Er Antwortete Und Sprach   
15.  First Part. Recitative: Wiewohl Mein Herz In Thranen Schwimmt   
16.  First Part. Arie: Ich Will Dir Mein Herze Schenken   
17.  First Part. Recitative: Und Da Sie Den Lobgesang Gesprochen Hatten   
18.  First Part. Chorale: Erkenne Mich, Mein Huter   
19.  First Part. Recitative: Petrus Aber Antwortete   
20.  First Part. Chorale: Ich Will Hier Bei Dir Stehen   
21.  First Part. Recitative: Da Kam Jesus Mit Ihnen Zu Einem Hofe   
22.  First Part. Recitative: O Schmerz!"  
23.  First Part. Arie: Ich Will Bei Meinem Jesu Wachen   
24.  First Part. Recitative: Und Ging Hin Ein Wenig   
25.  First Part. Recitative: Der Heiland Fallt Vor Seinem Vater Nieder  
26.  First Part. Arie: Gerne Will Ich Mich Bequemen   
27.  First Part. Recitative: Und Er Kam Zu Seinen Jungern   
28.  First Part. Chorale: Was Mein Gott Will  
29.  First Part. Recitative: Und Er Kam Und Fand Sie Aber Schlafend  

DISCO 02

01.  Second Part: So Ist Mein Jesus Nun Gefangen   
02.  Second Part: Und Siehe, Einer Von Denen   
03.  Second Part: O Mensch, Bewein Dein Sunde Gross   
04.  Second Part: Ach Nun Ist Mein Jesus Hin   
05.  Second Part: Die Aber Jesum Gegriffen Hatten   
06.  Second Part: Mir Hat Die Welt Truglich Gericht   
07.  Second Part: Mein Jesus Schweigt Zu Falschen Lugen   
08.  Second Part: Gedult!"   
09.  Second Part: Und Der Hohepriester Antwortete   
10.  Second Part: Da Speieten Sie Aus   
11.  Second Part: Wer Hat Dich So Geschlagen   
12.  Second Part: Petrus Aber Sass Draussen Im Palast   
13.  Second Part: Erbarme Dich, Mein Gott   
14.  Second Part: Bin Ich Gleich Von Dir Gewichen   
15.  Second Part: Des Morgens Aber   
16.  Second Part: Gebt Mir Meinen Jesum Wieder   
17.  Second Part: Sie Aber Hielten Einen Rat   
18.  Second Part: Befiel Du Deine Wege   
19.  Second Part: Auf Das Fest  
20.  Second Part: Wie Wunderbarlich Ist Doch Diese Strafe   
21.  Second Part: Der Landpfleger Sagte   
22.  Second Part: Er Hat Uns Allen Wohlgetan
23. Second Part: Aus Liebe Will Mein Heiland Sterben   

DISCO 03

01.  Third Part: Sie Aber Schrieen Noch Mehr   
02.  Third Part: Erbarm Es Gott   
03.  Third Part: Konnen Tranen Meiner Wangen   
04.  Third Part: Da Nahmen Die Kriegsknechte   
05.  Third Part: O Haupt Voll Blut Und Wunden   
06.  Third Part: Und Da Sie Ihn Verspottet Hatten   
07.  Third Part: Ja! Freilich Will In Uns Das Fleisch Und Blut   
08.  Third Part: Komm, Susses Kreuz, So Will Ich Sagen   
09.  Third Part: Und Als Sie An Die Statte Kamen   
10.  Third Part: Desgleichen Schmaheten Ihn Auch Die Morder   
11.  Third Part: Ach Golgatha, Unsel'ges Golgatha!   
12.  Third Part: Sehet, Jesus Hat Die Hand   
13.  Third Part: Und Von Der Sechsten Stunde An   
14.  Third Part: Wenn Ich Einmal Soll Scheiden   
15.  Third Part: Und Siehe Da   
16.  Third Part: Am Abend, Da Es Kuhle War   
17.  Third Part: Mach Dich Mein Herze Frei   
18.  Third Part: Und Joseph Nahm Den Leib   
19.  Third Part: Nun Ist Der Herr Zur Ruh Gebracht
20.  Third Part: Wir Setzen Uns Mit Tranen Nieder

Großer Chor des Berliner Rundfunks 
The Boys’ Chor der St. Hedwigs-Kathedrale Berlin
Runfunk-Sinfonieorchester Berlin 
Fritz Lehmann, regente 

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Jazz - Randy Weston Trio - Jazz a la Bohemia (1956)

 

"Jazz à la Bohemia (1956), do Randy Weston Trio, é um registro histórico que captura com rara intensidade a energia vibrante do jazz dos anos 1950, ao mesmo tempo em que evidencia a voz composicional singular e o refinado senso rítmico de Randy Weston. Gravado ao vivo no lendário Café Bohemia, em Nova York, o álbum transmite toda a espontaneidade e a eletricidade de uma apresentação em clube intimista, onde cada frase musical parece nascer no instante da execução, equilibrando virtuosismo técnico e criatividade lúdica.

Ao piano, Weston funde blues, bebop e ritmos de inspiração africana, construindo uma base harmônica rica e profundamente pessoal. Ao seu lado, Sam Gill, no contrabaixo, e Art Blakey, na bateria, oferecem um acompanhamento pulsante e altamente interativo, impulsionando a música com energia constante e extraordinária coesão. O repertório alterna composições originais de grande balanço com releituras inventivas de standards, revelando tanto a precisão coletiva do trio quanto a expressividade individual de cada músico.

A atmosfera é simultaneamente íntima e explosiva, permitindo ao ouvinte sentir de perto o entusiasmo do público e a inventividade instantânea dos intérpretes. Jazz à la Bohemia permanece como um exemplo atemporal do esplendor do jazz de meados do século XX — uma celebração da performance ao vivo, do diálogo musical e da alegria inerente à exploração criativa".

Não deixe de ouvir. Uma boa apreciação! 

01. Theme: Solemn Meditation
02. Just A Riff
03. You Go To My Head
04. Once In A While
05. Hold 'Em Joe
06. It's All Right With Me
07. Chessman's Delight
08. Theme: Solemn Meditation

Randy Weston - piano
Cecil Payne - baritone saxophone
Ahmed Abdul-Malik - bass
Wilbert Hogan - drums  

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Claude Debussy (1862-1918) - Violin Sonata, Cello Sonata, Piano Trio etc

 

"As obras reunidas neste CD pertencem tanto ao início quanto ao período final da trajetória criativa de Debussy e, por isso mesmo, revelam um compositor distante da imagem impressionista com a qual seu nome costuma ser associado. O Trio para Piano em Sol maior é uma obra de exuberante romantismo, em que ressoam ecos de Schumann e Franck. Já as sonatas para violoncelo e para violino integram o projeto das seis sonatas iniciado por Debussy em 1915, interrompido prematuramente por sua morte, em 1918 - apenas três chegaram a ser concluídas. Nessas partituras, a escrita se torna mais transparente, com acentos neoclássicos e, por vezes, uma mordacidade rítmica e humorística que remete a Stravinsky. Os intérpretes deste álbum - Federico Guglielmo, Luigi Puxeddu e Jolanda Violante — construíram sua reputação sobretudo no repertório de música antiga, o que confere a estas leituras uma abordagem arejada, espontânea e cheia de vitalidade. Como complemento, o disco inclui arranjos de peças célebres como Rêverie, Arabesque, Minstrels e La fille aux cheveux de lin, além de duas miniaturas juvenis para violoncelo e piano.

O vibrante Trio para Piano em Sol maior desperta imagens de renovação e de paisagens primaveris: riachos cintilantes, flores silvestres e relva coberta de orvalho. Sob o patrocínio de Madame von Meck — célebre mecenas também de Tchaikovsky —, Debussy compôs essa obra promissora e luminosa durante o verão de 1880. Aos dezessete anos, sua voz autoral ainda se formava, e a influência de Franck, Schumann e Brahms se faz perceptível na textura, na arquitetura e na intenção musical. Ainda assim, já emergem traços de charme, leveza e espírito inventivo, enquanto o Finale se afirma com ousadia e vigor. O Trio Stradivari interpreta a peça com calor e delicadeza, construindo um diálogo luminoso de emoções. Essa abordagem flexível e cantabile se evidencia particularmente no uso do pizzicato no segundo movimento, um scherzo-intermezzo de refinada elegância.

Debussy acreditava ser dever do compositor “encontrar a fórmula sinfônica adequada ao seu tempo, aquela exigida pelo progresso, pela audácia e pela vitória da modernidade”, acrescentando com ironia que “o século dos aviões tinha direito à sua própria música”. Escrita nos últimos anos de sua vida, a Sonata para Violino, permeada por discretas reminiscências de Couperin, resgata a essência do barroco francês sob uma linguagem ao mesmo tempo fresca e radicalmente moderna. A interpretação apresentada aqui revela grande sensibilidade, expondo a atmosfera expansiva da obra, seus contrastes cintilantes e sua agilidade expressiva. Abalado pelo impasse sangrento da guerra e atormentado pela doença, Debussy iniciou a sonata em 1916 e só a concluiu no ano seguinte. Ao estreá-la, confessou, exasperado: “Escrevi esta sonata apenas para me livrar dela, pressionado pelo meu querido editor.” Em seguida, porém, ofereceu uma observação mais reveladora: “Esta sonata terá interesse documental como exemplo do que um homem doente pode produzir em tempos de guerra.” Apesar disso, o humor travesso do Intermède e a construção dramática do Finale revelam uma vontade obstinada de permanecer vital, recusando-se a sucumbir à fraqueza ou ao desalento. A obra se torna, assim, um testemunho do espírito combativo de Debussy, em que beleza e pathos atravessam até os trechos mais concisos. O Trio Stradivari aborda essa música com inteligência e compreensão profundas.

A Sonata para Violoncelo, composta em 1915, tinha inicialmente o sugestivo título Pierrot fait fou avec la lune. A referência provavelmente remete ao poema de Albert Giraud que inspirou o Pierrot Lunaire de Schoenberg, escrito três anos antes. O final do século XIX e o início do XX testemunharam, aliás, um renovado fascínio pelas figuras da commedia dell’arte, especialmente Pierrot. Talvez melhor descrita como “um raio de luar aprisionado numa bela garrafa da Boêmia”, nas palavras de Giraud, a sonata reúne uma profusão de elementos interligados: fragmentos líricos agudos que evocam o falsete masculino, mudanças abruptas de andamento, rubatos exagerados, justaposições tonais inesperadas e uma recusa deliberada da regularidade métrica - tudo isso contido dentro de uma forma clássica. Luigi Puxeddu oferece aqui uma interpretação colorida e evocativa.

As peças restantes confirmam a convicção de Debussy de que era preciso “buscar uma disciplina dentro da liberdade” e não se deixar governar por fórmulas oriundas de “filosofias decadentes”, destinadas, segundo ele, “aos espíritos fracos”. Obras como Minstrels e a Première Arabesque, com seus ritmos quase jazzísticos e arpejos fluidos, recebem interpretações vigorosas e límpidas desses músicos consumados. Em perfeita sintonia, os três intérpretes articulam delicadamente contraste, continuidade e refinamento tímbrico. O romantismo impetuoso de Puxeddu reverbera no Intermezzo L27, acompanhado com inteligência e sensibilidade por Jolanda Violante, enquanto o Scherzo L26 surge como uma escapada leve, espirituosa e irreverente.

Este é um CD que celebra a impressionante diversidade da personalidade musical de Debussy. Mais do que uma coletânea de obras, oferece um retrato amplo de suas influências, de seu humor e de suas estratégias composicionais. A gravação desafia a visão limitada de Debussy como compositor exclusivamente impressionista e, ao fazê-lo, o Trio Stradivari revela uma imagem mais rica e complexa de sua música - das emoções que o moviam às técnicas que utilizava para traduzi-las em som. Peças familiares como La fille aux cheveux de lin e a Première Arabesque reaparecem aqui com frescor e espontaneidade renovados. Entre os excelentes músicos reunidos, Federico Guglielmo destaca-se como um intérprete particularmente inventivo e poeticamente cativante".

Não deixe de ouvir. Uma boa apreciação! 

Claude Debussy (1862-1918) - 

01. Piano Trio in G major, L3 - I. Andantino con moto allegro (09:04)
02. Piano Trio in G major, L3 - II. Scherzo-Intermezzo: Moderato con allegro (03:30)
03. Piano Trio in G major, L3 - III. Andante espressivo (03:55)
04. Piano Trio in G major, L3 - IV. Finale: Appassionato (05:27)
05. Violin Sonata in G minor, L140 - I. Allegro vivo (05:28)
06. Violin Sonata in G minor, L140 - II. Intermede: Fantasque et leger (04:14)
07. Violin Sonata in G minor, L140 - III. Finale: Tres anime (04:32)
08. Cello Sonata in D minor, L135 - I. Prologue: Lent, sostenuto e molto risoluto (04:42)
09. Cello Sonata in D minor, L135 - II. Serenade: Moderement anime (03:32)
10. Cello Sonata in D minor, L135 - III. Final: Anime, leger et nerveux (03:38)
11. Intermezzo for cello and piano, L27 (05:29)
12. Scherzo for cello and piano, L26 (05:24)
13. Minstrels for violin and piano (Preludes L117, No.12) (02:23)
14. La fille aux cheveux de lin for violin and piano (Preludes L117, No.8) (02:36)
15. Premiere arabesque for violin and piano, L66 (04:57)
16. Romance for cello and piano, L79 No.1 (02:09)
17. Reverie for cello and piano, L68 (04:38)

Trio Stradivari
Federico Guglielmo, violino
Luigi Puxeddu, violoncelo
Jolanda Violante, piano 

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Joseph Haydn (1732-1809) - Symphonies 88-92, Sinfonia Concertante

"Este CD, gravado ao vivo, provoca um raro sentimento de encantamento e surpresa. As sinfonias reunidas aqui figuram entre as maiores realizações de Haydn. Compostas entre 1788 e 1789, revelam toda a extensão de sua maestria técnica, inventividade inspirada e extraordinária amplitude emocional. No auge de sua maturidade criativa, o compositor experimenta novas formas, ousadas modulações e mudanças tonais, além de impressionantes contrastes de atmosfera e caráter.

Uma de suas marcas mais reconhecíveis é a alternância entre a serenidade dos tons maiores e a melancolia dos menores, sobretudo em suas variações. Mas as surpresas surgem a todo instante: a solenidade cede lugar à leveza espirituosa, a elegância ao sabor rústico, a tragédia a um humor travesso e irreverente. As célebres brincadeiras musicais de Haydn - como o golpe repentino dos tímpanos na Sinfonia “Surpresa” - tornaram-se lendárias. Já na Sinfonia nº 90, ele talvez leve esse espírito ao extremo: apresenta não um, mas dois falsos finais de efeito conclusivo, arrancando aplausos prematuros seguidos de risos constrangidos quando a música inesperadamente prossegue.

Simon Rattle explora esse momento com evidente prazer, registrando na gravação tanto os aplausos quanto a reação divertida da plateia, antes de repetir o movimento sem interrupções. Seu amor pela música transparece em cada compasso, acompanhado por uma orquestra que responde com absoluto comprometimento. A execução é brilhante e cristalina, o equilíbrio sonoro impecável, e o fraseado possui a naturalidade e a fluidez da fala humana.

Para valorizar ainda mais seus principais instrumentistas, Rattle inclui a encantadora Sinfonia concertante, cujas partes solistas para violino, violoncelo, oboé e fagote são de tal dificuldade que apenas músicos de excelência se atrevem a enfrentá-las. A interpretação é soberba, embora o violino soe um pouco distante na gravação. A captação sonora também acentua a tendência de Rattle a explorar extremos dinâmicos - convém manter o controle de volume à mão".

Não deixe de ouvir. Uma boa apreciação!  

Joseph Haydn (1732-1809) - 

DISCO 01

Symphony No. 88 in G major
01. 1. Adagio - Allegro
02. 2. Largo
03. 3. Menuetto: Allegretto - Trio
04. 4. Finale: Allegro con spirito

Symphony No. 89 in F major
05. 1. Vivace
06. 2. Andante con moto
07. 3. Menuetto: Allegretto - Trio
08. 4. Finale: Vivace assai

Symphony No. 90 in C major
09. 1. Adagio - Allegro
10. 2. Andante
11. 3. Menuetto: Allegretto - Trio
12. 4. Finale Allegro assai
13. 4. Finale Allegro assai (alternate version)

DISCO 02

Symphony No. 91 in E flat major
01. 1. Largo - Allegro assai
02. 2. Andante
03. 3. Menuetto: un pocp allegretto - Trio
04. 4. Finale: Vivace

Symphony No. 92 in G major 'Oxford'
05. 1. Adagio - Allegro
06. 2. Adagio
07. 3. Menuetto: Allegretto - Trio
08. 4. Finale: Presto

Sinfonia Concertante in B flat major, Op. 84, Hob. I / 105
09. 1. Allegro
10. 2. Andante
11. 3. Allegro con spirito

Berliner Philharmoniker
Simon Rattle, regente 

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Leos Janácek (1854-1928) - Sinfonietta JW 6/18 e Taras Bulba Rhapsody, JW VI/15

Textinho de apresentação do disco:

"Dotado de um temperamento poderoso e profundamente singular, Janáček reuniu em sua obra as tradições nacional-românticas às conquistas da linguagem musical moderna, cuja riqueza e frescor o consagraram como a figura dominante da música tcheca no início do século XX. Escrita em 1926, dois anos antes da morte do compositor, a Sinfonietta surpreende pela vitalidade e pelo espírito juvenil de um homem de setenta e dois anos — e permanece até hoje sua obra sinfônica mais popular. Essa composição inspirada e efervescente, marcada por uma liberdade indomável de tom e ritmo, impõe grandes exigências à seção de metais. A interpretação de Karel Ančerl figura entre as maiores da discografia. Reconhece-se de imediato seu incomparável senso de construção dramática, o ritmo orgânico e a maneira como traduz a extraordinária vitalidade de Janáček, preservando ao mesmo tempo um equilíbrio absoluto.

Taras Bulba é um poema sinfônico em três partes inspirado no romance de Gogol. Janáček escolheu os três episódios mais dramáticos da obra: as mortes dos dois filhos de Taras — Andrei, que trai seu povo por amor a uma jovem polonesa e acaba morto pelo próprio pai; Ostap, capturado pelos poloneses e torturado em praça pública —, culminando na morte do próprio Taras, também aprisionado e queimado vivo. A leitura de Karel Ančerl permanece insuperável. Ninguém como ele conseguiu unir a dimensão épica da narrativa de Gogol ao fervoroso amor pela pátria compartilhado por Taras e seus filhos.

Esta remasterização devolve à gravação uma impressionante segunda juventude. A amplitude da cena sonora e a clareza de cada seção da orquestra são excepcionais. Uma joia para audiófilos".

Não deixe de ouvir. Uma boa apreciação! 

Leos Janácek (1854-1928) -

01. Sinfonietta JW 6/18: I. Fanfare. Allegretto, Allegro maestoso 
02. Sinfonietta JW 6/18: II. The Castle, Brno. Andante, Allegretto 
03. Sinfonietta JW 6/18: III. The Queen's Monastery, Brno. Moderato
04. Sinfonietta JW 6/18: IV. The Street Leading to the Castle. Allegretto 
05. Sinfonietta JW 6/18: V. The Town Hall, Brno. Andante con moto
06. Taras Bulba Rhapsody, JW VI/15: I. The Death of Andrei 
07. Taras Bulba Rhapsody, JW VI/15: II. The Death of Ostap 
08. Taras Bulba Rhapsody, JW VI/15: III. The Prophecy and Death of Taras Bulba 

Czech Philharmonic
Karel Ančerl, regente 

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Joseph Haydn (1732-1809) - String Quartet in B flat, H.III, Op. 76, No. 4 - Sunrise e String Quartet in E flat,H.III No. 80 Op. 76 No. 6

Que disco belo, de música elegante e espetacular. São duas obras cuja interpretação dispensa apresentações. Sobra-nos a especulação, pois as duas obras encontradas neste disco refletem a musicalidade de um mestre incontestável. Vamos lá!

O String Quartet in B flat, H.III, Op. 76, No. 4, apelidado como “Sunrise” é uma das suas principais obras. O apelido “Sunrise” poderia sugerir uma peça meramente pastoral, delicada ou contemplativa. Mas Haydn jamais foi simples. O primeiro movimento do quarteto nasce de uma ascensão luminosa do violino, como se o som abrisse lentamente o horizonte. É uma das entradas mais célebres da música de câmara. No entanto, o que impressiona não é apenas a beleza melódica, mas o controle dramático. Haydn faz da leveza uma arquitetura rigorosa. O quarteto inteiro parece oscilar entre serenidade e inquietação, como se o amanhecer também carregasse a memória da noite.

Nesse aspecto, o Op. 76 No. 4 revela o compositor em sua maturidade absoluta. Não há excesso. Não há demonstração vazia de virtuosismo. Existe, sim, uma inteligência musical que transforma quatro instrumentos em uma conversa humana completa - cheia de ironias, hesitações, impulsos e reconciliações. Haydn compreendia o quarteto de cordas como um organismo democrático: ninguém domina permanentemente, todos se escutam. Em tempos de ruído e individualismo performático, há algo quase político nessa escuta mútua.

Já o String Quartet in E flat major, Op. 76 No. 6 apresenta outro Haydn: mais sombrio, cerebral e por vezes desconcertante. É talvez o mais introspectivo dos quartetos do conjunto. O fato de cada movimento começar com uma introdução lenta já cria uma atmosfera de suspensão, como se o compositor pedisse ao ouvinte não apenas atenção, mas paciência. É música que exige permanência. Ele é um pouco mais sombrio do que o “Sunrise”. As melodias não são tão impregnantes e sedutoras, mas cria instabilidades emocionais sob medida.

Não deixe de ouvir esse belo disco. Uma boa apreciação!

Joseph Haydn (1732-1809) - 

01. String Quartet in B flat, H.III, Op. 76, No. 4 - Sunrise - 1. Allegro con spirito
02. String Quartet in B flat, H.III, Op. 76, No. 4 - Sunrise - 2. Adagio
03. String Quartet in B flat, H.III, Op. 76, No. 4 - Sunrise - 3. Menuetto (Alllegro)
04. String Quartet in B flat, H.III, Op. 76, No. 4 - Sunrise - 4. Finale (Allegro ma non troppo)
05. String Quartet in E flat,H.III No. 80 Op. 76 No. 6 - 1. Allegretto - Allegro
06. String Quartet in E flat,H.III No. 80 Op. 76 No. 6 - 2. Fantasia (Adagio)
07. String Quartet in E flat,H.III No. 80 Op. 76 No. 6 - 3. Menuetto (Presto)
08. String Quartet in E flat,H.III No. 80 Op. 76 No. 6 - 4. Finale (Allegro spirituoso)

Orlando Quartet 

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Duo Gazzana - Prokofiev — Pärt — Schnittke

 Textinho de apresentação do disco:

"Em seu álbum anterior, dedicado a obras de Robert Schumann, Edvard Grieg e Tõnu Kõrvits, as irmãs Gazzana - Natascia e Raffaella - alcançaram “os mais altos níveis de expressão instintiva”, segundo o jornal francês Le Monde. E é possível afirmar que essa impressão se confirma de maneira ainda mais contundente em sua nova gravação, centrada em composições de Sergei Prokofiev, Arvo Pärt e Alfred Schnittke.

A interpretação da Sonata nº 1, op. 80, de Prokofiev, abre o programa com senso de urgência e intensidade dramática, em sintonia com a intenção do compositor - que chegou a declarar que determinada passagem “deveria soar de tal forma que as pessoas saltassem de seus assentos”. Ao mesmo tempo, a dupla imprime à obra uma serenidade lírica marcante, especialmente no terceiro movimento, apresentado sob uma atmosfera hipnótica.

As Cinco Melodias, op. 35a, recebem leitura igualmente convincente, enquanto Spiegel im Spiegel, de Pärt, executada com elegância e contenção, surge como um momento de contemplação e respiro no repertório.

Encerrando o programa, Gratulationsrondo, de Schnittke, revela um compositor que deixa de lado suas habituais inclinações poliestilísticas para se destacar em uma abordagem mais tradicional da linguagem clássica, em uma peça de caráter festivo e luminoso.

Não deixe de ouvir. Uma boa apreciação! 

01 I. Andante assai
02 II. Allegro brusco
03 III. Andante
04 IV. Allegrissimo
05 Spiegel im Spiegel
06 No. 1, Andante
07 No. 2, Lento, ma non troppo
08 No. 3, Animato, ma non allegro
09 No. 4, Allegretto leggero e scherzando
10 No. 5, Andante non troppo
11 Gratulationsrondo

Duo Gazzana

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Aram I. Khachaturian (1903-1978) - Piano Concerto in D-Flat Major, Op. 38 e Concerto-Rhapsody for Piano & Orchestra, Op. 102

Aram I. Khachaturian foi um importante compositor nascido na Armênia, algo que sempre deixou transparecer em sua música. As melodias peculiares da sua terra são uma constante em sua linguagem, além disso viveu durante o regime soviético. Esses episódios foram responsáveis por consolidar a sua personalidade. Nesse excelente disco do selo Naxos encontramos duas obras para piano que servem como um cartão de amostra para a sua importante obra.

Quando Khachaturian compôs o Concerto para Piano em Ré Bemol Maior, em 1936, a União Soviética vivia o endurecimento cultural promovido por Joseph Stalin. A arte deveria servir ao povo, exaltar o espírito nacional e rejeitar o “formalismo” europeu que o regime considerava elitista. Muitos compositores caminhavam sobre gelo fino. Nesse contexto, Khachaturian encontrou um equilíbrio raro: produziu música tecnicamente sofisticada, mas carregada de vitalidade popular, melodias exuberantes e ritmos caucasianos que pareciam perfeitamente alinhados ao ideal soviético de “arte acessível”.

Trinta e dois anos depois, a Concerto-Rapsódia para Piano e Orquestra apresenta outro homem. A União Soviética já havia atravessado a morte de Stalin, o “degelo” cultural de Nikita Khrushchev e uma relativa flexibilização estética. Khachaturian, agora um compositor consagrado, já não precisava provar sua lealdade ao sistema. O Op. 102 nasce, portanto, menos preocupado em agradar e mais interessado em condensar uma linguagem pessoal.

A diferença é evidente desde os primeiros compassos. A exuberância juvenil do concerto de 1936 dá lugar a uma escrita mais fragmentada, quase improvisatória. A forma rapsódica permite episódios abruptos, contrastes violentos e uma liberdade estrutural que o jovem Khachaturian talvez não pudesse assumir durante o auge do realismo socialista. O piano deixa de ser apenas um virtuose heroico; torna-se narrador de memórias, conflitos e fantasmas.

Postagem imperdível. Já escutei três vezes este disco. Não deixe de ouvir. Uma boa apreciação!

Aram I. Khachaturian (1903-1978) - 

01. Piano Concerto in D-Flat Major, Op. 38 - I. Allegro ma non troppo e maestoso
02. Piano Concerto in D-Flat Major, Op. 38 - II. Andante con anima
03. Piano Concerto in D-Flat Major, Op. 38 - III. Allegro brilliante
04. Concerto-Rhapsody for Piano & Orchestra, Op. 102

Moscow Symphony Orchestra
Dmitri Yablonsky, regente
Oxana Yablonskaya, piano 

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Georg Philipp Telemann (1681-1767) - Paris Quartets

 

Textinho de apresentação do disco:

"Com sua nova gravação dos Quartetos de Paris, o conjunto Barockin’, há 15 anos em atividade, busca inspiração no espírito inesgotável de Georg Philipp Telemann. O lançamento, distribuído em três CDs, impressiona pela sonoridade surpreendentemente moderna: uma interpretação vigorosa, repleta de vitalidade, em que cada passagem parece fazer jorrar um fluxo renovado de energia musical.

Paris, inverno de 1737. Aos 57 anos, o compositor e cantor hamburguês Georg Philipp Telemann (1681–1767) vivia o auge de sua consagração internacional. Após o sucesso dos primeiros Quatuors, publicados em 1730, os seis Nouveaux Quatuors (1738) causaram verdadeiro impacto - ultrapassando os círculos musicais de Versalhes e conquistando público em toda a Europa.

“Em poucas semanas, 400 exemplares foram adquiridos antecipadamente, algo jamais visto antes no mercado de partituras”, registrou o próprio compositor, orgulhoso, em sua autobiografia.

O ciclo é hoje reconhecido como uma das obras-primas da música de câmara do Alto Barroco. A instrumentação fixa - flauta transversal, violino, viola da gamba e baixo contínuo - estabeleceu uma combinação sonora inovadora, considerada até hoje uma referência estética no repertório barroco".

Não deixe de ouvir. Uma boa apreciação! 

Georg Philipp Telemann (1681-1767) - 

DISCO 01

01. Concerto primo in G Major, TWV 43:G1: I. Grave – Allegro – Grave – Allegro
02. Concerto primo in G Major, TWV 43:G1: II. Largo – Presto – Largo
03. Concerto primo in G Major, TWV 43:G1: III. Allegro
04. Concerto secondo in D Major, TWV 43:D1: I. Allegro
05. Concerto secondo in D Major, TWV 43:D1: II. Affetuoso
06. Concerto secondo in D Major, TWV 43:D1: III. Vivace
07. Sonata prima in A Major, TWV 43:A1: I. Soave
08. Sonata prima in A Major, TWV 43:A1: II. Allegro
09. Sonata prima in A Major, TWV 43:A1: III. Andante
10. Sonata prima in A Major, TWV 43:A1: IV. Vivace
11. Sonata seconda in G Minor, TWV 43:g1: I. Andante
12. Sonata seconda in G Minor, TWV 43:g1: II. Allegro
13. Sonata seconda in G Minor, TWV 43:g1: III. Largo
14. Sonata seconda in G Minor, TWV 43:g1: IV. Allegro
15. Première Suite in E Minor, TWV 43:e1: I. Vivement
16. Première Suite in E Minor, TWV 43:e1: II. Rigaudon
17. Première Suite in E Minor, TWV 43:e1: III. Air
18. Première Suite in E Minor, TWV 43:e1: IV. Replique
19. Première Suite in E Minor, TWV 43:e1: V. Menuet I und Menuet II
20. Première Suite in E Minor, TWV 43:e1: VI. Gigue
21. Deuxième Suite in B Minor, TWV 43:h1: I. Prélude – Gaiment
22. Deuxième Suite in B Minor, TWV 43:h1: II. Air – Modérément
23. Deuxième Suite in B Minor, TWV 43:h1: III. Réjouissance
24. Deuxième Suite in B Minor, TWV 43:h1: IV. Courante
25. Deuxième Suite in B Minor, TWV 43:h1: V. Passpied

DISCO 02

01. 1er Quatuor in D Major, TWV 43:D3: I. Prélude Vivement
02. 1er Quatuor in D Major, TWV 43:D3: II. Tendrement
03. 1er Quatuor in D Major, TWV 43:D3: III. Vite
04. 1er Quatuor in D Major, TWV 43:D3: IV. Gaiment
05. 1er Quatuor in D Major, TWV 43:D3: V. Modérément
06. 1er Quatuor in D Major, TWV 43:D3: VI. Vite
07. 2ème Quatuor in A Minor, TWV 43:a2: I. Prélude Allégrement
08. 2ème Quatuor in A Minor, TWV 43:a2: II. Flatteusement
09. 2ème Quatuor in A Minor, TWV 43:a2: III. Légèrement
10. 2ème Quatuor in A Minor, TWV 43:a2: IV. Un peu vivement
11. 2ème Quatuor in A Minor, TWV 43:a2: V. Vite
12. 2ème Quatuor in A Minor, TWV 43:a2: VI. Coulant (Coulemment)
13. 3ème Quatuor in G Major, TWV 43:G4: I. Prélude Un peu vivement
14. 3ème Quatuor in G Major, TWV 43:G4: II. Légèrment
15. 3ème Quatuor in G Major, TWV 43:G4: III. Gracieusement
16. 3ème Quatuor in G Major, TWV 43:G4: IV. Vite
17. 3ème Quatuor in G Major, TWV 43:G4: V. Modéré
18. 3ème Quatuor in G Major, TWV 43:G4: VI. Gai
19. 3ème Quatuor in G Major, TWV 43:G4: VII. Lentement – Vite – Lentement – Vite

DISCO 03

01. 4ème Quatuor in B Minor, TWV 43:h2: I. Prélude Vivement – Flatteusement – Vivement
02. 4ème Quatuor in B Minor, TWV 43:h2: II. Coulant
03. 4ème Quatuor in B Minor, TWV 43:h2: III. Gai
04. 4ème Quatuor in B Minor, TWV 43:h2: IV. Vite
05. 4ème Quatuor in B Minor, TWV 43:h2: V. Triste
06. 4ème Quatuor in B Minor, TWV 43:h2: VI. Menuet Modéré
07. 5ème Quatuor in A Major, TWV 43:A3: I. Prélude Vivement
08. 5ème Quatuor in A Major, TWV 43:A3: II. Gai
09. 5ème Quatuor in A Major, TWV 43:A3: III. Modéré
10. 5ème Quatuor in A Major, TWV 43:A3: IV. Modéré
11. 5ème Quatuor in A Major, TWV 43:A3: V. Pas Vite
12. 5ème Quatuor in A Major, TWV 43:A3: VI. Un peu gai
13. 6ème Quatuor in E Minor, TWV 43:e4: I. Prélude. A discrétion – très Vite – A discrétion
14. 6ème Quatuor in E Minor, TWV 43:e4: II. Gai
15. 6ème Quatuor in E Minor, TWV 43:e4: III. Vite
16. 6ème Quatuor in E Minor, TWV 43:e4: IV. Gracieusement
17. 6ème Quatuor in E Minor, TWV 43:e4: V. Distrait
18. 6ème Quatuor in E Minor, TWV 43:e4: VI. Modéré

Ensemble Barockin’ 

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Ludwig van Beethoven (1770-1827) - Concerto pour piano et orchestre No 2 en Si Bémol Majeur Op. 19 e Concerto pour piano et orchestre No 1 en Ut Majeur Op. 15

 

A rotina intensa me impediu de fazer postagem de sábado. De qualquer forma, vamos atualizá-la. Disquinho saboroso com os dois primeiros concertos para piano de orquestra de Beethoven. 

Embora seja conhecido como Concerto para Piano nº 1 em Dó maior, Op. 15, ele não foi o primeiro a ser composto. O chamado Concerto nº 2 em Si bemol maior, Op. 19, surgiu antes, ainda nos anos em que Beethoven tentava se firmar em Viena como virtuose do piano.

A inversão numérica aconteceu porque Beethoven revisava obsessivamente suas obras. O concerto em Dó maior foi publicado antes e acabou recebendo o número 1. Esse detalhe aparentemente burocrático diz muito sobre o compositor: perfeccionista, competitivo e consciente da própria imagem artística.

O Piano Concerto No. 2 ainda carrega fortemente a herança mozartiana. A elegância das melodias, a leveza do diálogo entre piano e orquestra e a estrutura formal remetem diretamente aos modelos clássicos da época.

Mas há sinais claros de inquietação.

O piano não se limita a ornamentar o discurso musical; ele provoca, interrompe, responde com ironia. Em vários momentos, Beethoven parece transformar o concerto em uma espécie de duelo teatral entre solista e orquestra.

Não deixe de ouvir. Uma boa apreciação! 

Ludwig van Beethoven (1770-1827) - 

01 - Concerto pour piano et orchestre No 2 en Si Bémol Majeur Op. 19 _ I. Allegro con brio
02 - Concerto pour piano et orchestre No 2 en Si Bémol Majeur Op. 19 _ II. Adagio
03 - Concerto pour piano et orchestre No 2 en Si Bémol Majeur Op. 19 _ III. Rondo (Molto allegro)
04 - Concerto pour piano et orchestre No 1 en Ut Majeur Op. 15 _ I. Allegro con brio
05 - Concerto pour piano et orchestre No 1 en Ut Majeur Op. 15 _ II. Largo
06 - Concerto pour piano et orchestre No 1 en Ut Majeur Op. 15 _ III. Rondo (Allegro scherzando)

Orchestre National Bordeaux Aquitaine

Kwamé Ryan, direção
Shani Diluka, piano 

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Jazz - John Coltrane (1926-1967) - The European Tour

 

Este disco, gravado na famosa "The Eropean Tour", já apontava para um projeto que buscava romper com o bop. Observa-se aqui que Coltrane parecia migrar para uma paisagem espiritual. O grande músico não se mostrava preocupado com o mero documento, com o mero registro; sua intenção é expandir a própria ideia do que o jazz poderia expressar. As melodias surgem reconhecíveis, mas rapidamente são tensionadas, fragmentadas e reconstruídas em longos improvisos coletivos que desafiam qualquer expectativa de estabilidade harmônica.

A formação é decisiva para o impacto do álbum. Ao lado de Coltrane estão músicos que compreendiam intuitivamente sua busca: McCoy Tyner ao piano, Jimmy Garrison no contrabaixo e Elvin Jones na bateria. O quarteto, frequentemente chamado de “clássico”, alcança aqui um raro equilíbrio entre caos e disciplina. Tyner cria blocos harmônicos quase arquitetônicos; Jones toca como se conduzisse uma tempestade; Garrison mantém o eixo gravitacional da música enquanto Coltrane avança para territórios emocionais extremos.

Um registro histórico imperdível. Não deixe de ouvir. Uma boa apreciação!  

01 - The Promise (Live In Stockholm, Sweden _ 1963)
02 - I Want To Talk About You (Live In Stockholm, Sweden _ 1963 _ Take 1)
03 - Naima (Live In Stockholm, Sweden _ 1963 _ Take 3)
04 - Mr. P.C. (Live In Stockholm, Sweden _ 1963 _ Take 4)

John Coltrane, tenor and soprano saxophones
McCoy Tyner, piano
Jimmy Garrison, bass
Elvin Jones, drums 

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Frédéric Chopin (1810-1849) - Piano Concerto No. 1 in E minor, Op. 11 e Piano Concerto No. 2 in F minor, Op. 21

Chopin só escreveu - infelizmente - dois concertos para piano. Curiosamente, os dois foram escritos antes dos vinte anos. É sabido que o Concerto No. 2, na verdade, foi escrito primeiro. Esse Concerto traz a influência de Mozart e Hummell, mas já se inclina para uma linguagem mais intimista e subjetiva, traços que identificariam o compositor. O primeiro movimento abre com uma introdução orquestral relativamente extensa, mas quando o piano entra, o centro gravitacional da obra muda completamente: a música parece abandonar o discurso sinfônico tradicional para se transformar numa espécie de monólogo poético.

Já o Concerto No. 1 - escrito por último - foi concluído em 1830 e apresenta uma arquitetura mais ambiciosa. Enquanto o Segundo Concerto é mais introspectivo, o Primeiro é mais dramático. O Allegro maestoso inicial combina passagens de grande brilho técnico. O Romanze central talvez represente o auge do ideal poético de Chopin: uma música suspensa no tempo, de delicadeza quase improvisatória. O Rondo, por sua vez, aproxima-se da dança popular polonesa, especialmente o krakowiak, revelando um nacionalismo discreto, mas exuberante.

Chopin escreveu esses concertos pouco antes de deixar definitivamente a Polônia, num momento em que Varsóvia vivia crescente tensão política às vésperas da Revolta de Novembro de 1830. Embora não sejam obras explicitamente patrióticas, carregam algo da nostalgia e da sensibilidade nacional que marcariam toda sua carreira no exílio parisiense. 

Não deixe de ouvir. Uma boa apreciação!

Frédéric Chopin (1810-1849) -

01 - Piano Concerto No. 1 in E minor, Op. 11_ I. Allegro maestoso 
02 - Piano Concerto No. 1 in E minor, Op. 11_ II. Romance_ Larghetto 
03 - Piano Concerto No. 1 in E minor, Op. 11_ III. Rondo, Vivace 
04 - Piano Concerto No. 2 in F minor, Op. 21_ I. Maestoso 
05 - Piano Concerto No. 2 in F minor, Op. 21_ II. Larghetto 
06 - Piano Concerto No. 2 in F minor, Op. 21_ III. Allegro vivace 

Orchestre National de France
Paul Kletzki, regente
Orchetsre Sinfonia di Milano
Mario Rossi, regente
Maurizio Pollini, piano 

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