George Bizet (1838-1875) - Symphony in C Major, GB 115, Charles Gounod (1818-1893) - Symphony No. 1 in D Major, CG 527 e Camille Saint-Säens (1835--1921) - Symphony in A Major, R. 159

Há uma ironia curiosa na história da música francesa do século XIX. Enquanto Paris se rendia à ópera italiana e aos grandes espetáculos líricos, alguns jovens compositores insistiam em cultivar um gênero que parecia deslocado naquele ambiente: a sinfonia. O álbum Premières Symphonies, gravado pela Orquestra Filarmônica de Monte Carlo sob a regência de Kazuki Yamada, reúne justamente três dessas obras inaugurais - de Georges Bizet, Charles Gounod e Camille Saint-Saëns - e revela um momento decisivo da formação da escola sinfônica francesa.

O caso de Georges Bizet talvez seja o mais surpreendente. Conhecido mundialmente por Carmen, ele escreveu sua Sinfonia em Dó maior aos dezessete anos, em 1855, inspirado pela Primeira Sinfonia de Gounod, da qual havia preparado uma redução para piano a quatro mãos. O próprio compositor nunca autorizou sua publicação, e a partitura permaneceu esquecida até ser redescoberta em 1932. Hoje, porém, ela é reconhecida como uma das mais brilhantes obras juvenis de toda a literatura orquestral. Sua escrita alia a clareza clássica herdada de Haydn e Beethoven ao lirismo que mais tarde marcaria suas óperas, deixando entrever também influências de Mendelssohn e Rossini. Partes da sinfonia seriam reaproveitadas posteriormente em Don Procopio e Les Pêcheurs de Perles, prova de que Bizet jamais abandonou completamente essa inspiração juvenil.

A Primeira Sinfonia de Charles Gounod nasceu em circunstâncias bem diferentes. Após o fracasso da ópera La Nonne sanglante, retirada de cartaz poucas apresentações depois da estreia, o compositor encontrou na escrita sinfônica uma forma de recomeçar. O resultado foi uma obra de extraordinária leveza e elegância, recebida calorosamente pelo público em 1855. Embora alguns contemporâneos a vissem como uma alternativa "francesa" ao sinfonismo germânico, a verdade é que Gounod dialoga abertamente com Haydn, Beethoven e Schubert. A partitura combina frescor melódico, equilíbrio formal e uma escrita orquestral transparente, revelando um compositor que compreendia profundamente a tradição vienense sem perder sua personalidade.

Ainda mais precoce foi Camille Saint-Saëns, que escreveu sua chamada Sinfonia nº 0 aos quinze anos, três anos antes de sua Primeira Sinfonia oficial. Em uma França dominada pela ópera, a escolha do gênero sinfônico já representava, por si só, uma declaração estética. Admirador apaixonado de Mozart e Beethoven, Saint-Saëns construiu uma obra marcada pelo rigor clássico, pela elegância formal e por uma surpreendente maturidade técnica. Embora ainda revele ecos do romantismo nascente, sua arquitetura musical antecipa a clareza que se tornaria uma das marcas de sua produção posterior. O jovem compositor demonstra, desde cedo, uma rara capacidade de equilibrar tradição e originalidade.

O grande mérito deste lançamento está justamente em mostrar que essas partituras não são meras curiosidades biográficas. Elas documentam o nascimento de uma tradição sinfônica francesa que, décadas depois, alcançaria pleno amadurecimento com Franck, d'Indy, Chausson, Dukas, Roussel e Debussy. Ouvindo essas primeiras experiências, percebe-se que a identidade musical francesa não surgiu de forma abrupta, mas foi construída gradualmente, a partir do diálogo entre o legado clássico germânico e uma sensibilidade melódica tipicamente francesa.

Sob a direção de Kazuki Yamada, a Orquestra Filarmônica de Monte Carlo enfatiza justamente essa continuidade histórica. As interpretações privilegiam transparência, leveza e refinamento tímbrico, evitando excessos românticos e permitindo que o frescor dessas obras juvenis apareça com naturalidade. O resultado é um registro que interessa não apenas aos admiradores de Bizet, Gounod e Saint-Saëns, mas a qualquer ouvinte disposto a descobrir como três jovens compositores ajudaram a lançar as bases de uma das mais ricas tradições orquestrais da Europa.

Não deixe de ouvir. Uma boa apreciação! 

DISCO 01

01 - Symphony in C Major, GB 115_ I. Allegro vivo
02 - Symphony in C Major, GB 115_ II. Adagio
03 - Symphony in C Major, GB 115_ III. Allegro vivace - Trio
04 - Symphony in C Major, GB 115_ IV. Allegro vivace
05 - Symphony No. 1 in D Major, CG 527_ I. Allegro molto
06 - Symphony No. 1 in D Major, CG 527_ II. Allegro moderato
07 - Symphony No. 1 in D Major, CG 527_ III. Scherzo. Non troppo presto - Trio
08 - Symphony No. 1 in D Major, CG 527_ IV. Finale. Adagio - Allegro vivace

DISCO 02

01 - Symphony in A Major, R. 159_ I. Poco Adagio - Allegro vivace
02 - Symphony in A Major, R. 159_ II. Larghetto
03 - Symphony in A Major, R. 159_ III. Scherzo. Allegro vivace - Trio
04 - Symphony in A Major, R. 159_ IV. Finale. Allegro molto - Presto

Orchestre Philharmonique de Monte-Carlo
Kazuki Yamada, regente 

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Martha Argerich - The Piano Concertos Collection - Prokofiev, Beethoven, Shostakovich, Ravel, J.S. Bach e Tchaikovsky

"The Piano Concertos Collection reúne, em dezenove faixas, um amplo panorama da extraordinária arte pianística de Martha Argerich, uma das intérpretes mais admiradas e influentes da atualidade. Gravado integralmente ao vivo, o álbum registra a pianista argentina em diferentes momentos de sua carreira, revelando a intensidade, a espontaneidade e o virtuosismo que a transformaram em uma referência incontornável da interpretação pianística.

O repertório percorre algumas das mais importantes páginas do concerto romântico, sem deixar de lado obras marcantes do século XX. Essa diversidade permite acompanhar as múltiplas facetas da personalidade musical de Argerich, capaz de transitar com igual naturalidade entre o lirismo, a exuberância técnica e a profundidade expressiva.

Ao longo da coletânea, a pianista divide o palco com um elenco de prestigiados maestros e orquestras. Entre eles destacam-se Charles Dutoit à frente da Orquestra Filarmônica de Israel, Lahav Shani, Sylvain Cambreling dirigindo a Orquestra Sinfônica de Hamburgo e o pianista Adrian Iliescu, parceiros que contribuem para evidenciar diferentes aspectos da interpretação da artista. Cada colaboração acrescenta novas cores ao conjunto, oferecendo leituras marcadas pelo diálogo constante entre solista e orquestra.

O programa percorre universos estéticos bastante distintos. A energia impetuosa dos concertos de Sergei Prokofiev evidencia o vigor e a ousadia técnica de Argerich, enquanto a escrita refinada de Maurice Ravel revela sua precisão cristalina e extraordinária riqueza de timbres. Em contraste, as obras de Johann Sebastian Bach e Ludwig van Beethoven permitem apreciar uma intérprete de rara profundidade musical, capaz de conciliar rigor estrutural, sensibilidade poética e intensa comunicação emocional.

Mais do que uma simples antologia, The Piano Concertos Collection constitui um retrato abrangente de uma artista cuja carreira redefiniu os padrões da interpretação pianística nas últimas décadas. A atmosfera das apresentações ao vivo acrescenta um elemento de espontaneidade que intensifica a força de cada execução, preservando a tensão criativa e a emoção do momento irrepetível do concerto.

Para admiradores de longa data, a coletânea oferece uma síntese eloquente das qualidades que fizeram de Martha Argerich uma verdadeira lenda do piano. Para novos ouvintes, representa uma excelente porta de entrada para o universo artístico de uma intérprete cuja combinação de técnica fulgurante, imaginação musical e intensidade expressiva continua a estabelecer um parâmetro de excelência na música de concerto".

Não deixe de ouvir. Uma boa apreciação!  

01. Piano Concerto No. 3 in C Major, Op. 26: I. Andante – Allegro
02. Piano Concerto No. 3 in C Major, Op. 26: II. Tema con variazioni
03. Piano Concerto No. 3 in C Major, Op. 26: III. Allegro ma non troppo
04. Piano Concerto in B-Flat Major No. 2, Op. 19: I. Allegro con brio
05. Piano Concerto in B-Flat Major No. 2, Op. 19: II. Adagio
06. Piano Concerto in B-Flat Major No. 2, Op. 19: III. Rondo. Molto allegro
07. Concerto for Piano, Trumpet and String Orchestra in C Minor, Op. 35: I. Allegro moderato
08. Concerto for Piano, Trumpet and String Orchestra in C Minor, Op. 35: II. Lento
09. Concerto for Piano, Trumpet and String Orchestra in C Minor, Op. 35: III. Moderato
10. Concerto for Piano, Trumpet and String Orchestra in C Minor, Op. 35: IV. Allegro con brio
11. Piano Concerto in G Major: I. Allegramente
12. Piano Concerto in G Major: II. Adagio assai
13. Piano Concerto in G Major: III. Presto
14. Concerto for Four Harpsichords and Strings in A Minor, BWV. 1065: I. Allegro
15. Concerto for Four Harpsichords and Strings in A Minor, BWV. 1065: II. Largo
16. Concerto for Four Harpsichords and Strings in A Minor, BWV. 1065: III. Allegro
17. Piano Concerto No. 1 in B Minor, Op. 23: II. Andantino semplice – Prestissimo – Tempo I
18. Piano Concerto No. 1 in B Minor, Op. 23: III. Allegro con fuoco
19. Piano Concerto No. 1 in B Minor, Op. 23: I. Allegro non troppo e molto maestoso

Symphoniker Hamburg
Sylvain Cambreling, regente
Israel Philharmonic Orchestra
Lahav Shani, regente
Symphoniker Hamburg
Charles Dutoit
Sergei Nakariakov, trumpete
Martha Argerich, piano
 

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Benjamin Britten (1913-1976) - Violin Concerto, Op. 15 e Paul Hindemith (1895-1963) - Violin Concerto

Os Concertos para violino de Paul Hindemith e Benjamin Britten, foram compostos praticamente no mesmo período - às vésperas da Segunda Guerra Mundial.. O livreto que acompanha esta gravação da violinista Arabella Steinbacher, com a Rundfunk-Sinfonieorchester Berlin sob a direção de Vladimir Jurowski, propõe justamente essa leitura: dois compositores de países diferentes, ambos obrigados a deixar suas pátrias em 1939, traduzindo em música a instabilidade política, o exílio e a incerteza de uma Europa à beira do colapso.

A própria Arabella Steinbacher afirma que a reunião dessas duas obras não é casual. Para ela, ambas são "repletas de turbulência emocional, insegurança persistente e desespero latente". Além da enorme exigência técnica, a violinista ressalta a dimensão pessoal da gravação: seu pai conheceu Hindemith e trabalhou ao lado do compositor durante os ensaios da ópera Die Harmonie der Welt, o que lhe confere uma ligação afetiva especial com o concerto.

O Concerto para violino de Paul Hindemith, concluído em julho de 1939, nasce diretamente da experiência do exílio. Perseguido pelo regime nazista, rotulado como representante da chamada "arte degenerada", o compositor refugiou-se na Suíça antes de seguir para os Estados Unidos. Nesse contexto, escreveu uma obra que procura recuperar os valores da grande tradição clássica, aproximando-se deliberadamente do modelo de Beethoven: três movimentos, sólida arquitetura formal e um diálogo equilibrado entre o solista e a orquestra.

Embora a linguagem permaneça moderna, Hindemith evita experimentalismos excessivos. Seu concerto combina lirismo contínuo com extraordinária dificuldade técnica. A escrita violinística exige virtuosismo permanente, mas nunca em detrimento da construção melódica. O primeiro movimento remete discretamente ao Concerto de Beethoven; o segundo desenvolve um delicado diálogo entre o violino e os sopros; o finale culmina numa disputa quase heroica entre o solista e a massa orquestral. Como observou o musicólogo Michael Heinemann, trata-se menos de uma obra revolucionária do que de uma afirmação consciente da permanência dos valores clássicos em tempos de crise.

O concerto de Benjamin Britten, por sua vez, reflete outra perspectiva sobre o mesmo momento histórico. Pacifista convicto, o compositor deixou a Inglaterra em 1939 ao lado de Peter Pears e concluiu a obra durante sua permanência no Canadá. Curiosamente, apesar de ter sido escrita na América do Norte, a partitura guarda forte influência da Espanha, resultado do contato de Britten com o violinista Antonio Brosa e da profunda impressão que lhe causou a Guerra Civil Espanhola.

Se Hindemith procura estabilidade formal, Britten opta pela fragmentação dramática. Seu concerto elimina o tradicional movimento lento e organiza-se em torno de dois movimentos líricos que cercam um violento scherzo central. O finale assume a forma de uma passacaglia inspirada em Henry Purcell, mas conduz a um desfecho deliberadamente aberto, sem verdadeira resolução. A obra alterna momentos de beleza quase etérea com explosões de tensão e exige do violinista um grau de virtuosismo que levou Jascha Heifetz a considerá-la praticamente "impossível de tocar".

A reunião desses dois concertos revela um aspecto fascinante da música do século XX. Embora partam de linguagens distintas, Hindemith e Britten respondem ao mesmo contexto histórico: ambos transformam a inquietação política em arte, preservando o concerto para violino como espaço de confronto entre indivíduo e coletividade. O solista deixa de ser apenas um virtuose e passa a representar uma voz humana que resiste diante das grandes forças da história.

A interpretação de Arabella Steinbacher confirma essa leitura. Seu toque alia rigor técnico, sonoridade luminosa e intensa expressividade, enquanto Vladimir Jurowski conduz a orquestra berlinense com clareza estrutural e grande senso dramático. O resultado é muito mais do que uma reunião de dois concertos importantes: trata-se de um retrato musical de uma Europa em crise, visto através de duas das mais notáveis partituras para violino escritas no século XX.

Não deixe de ouvir. Uma boa apreciação!

01 - I. Moderato con moto
02 - II. Vivace – Largamente – Cadenza
03 - III. Passacaglia. Andante lento, un poco meno mosso
04 - I. Mäßig bewegte Halbe
05 - II. Langsam
06 - III. Lebhaft

Rundfunk-Sinfonieorchester Berlin
Vladimir Jurowski, regente

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Antonio Vivaldi (1678-1741) - Concerti per flauto

Embora seja lembrado sobretudo pelos concertos para violino e por As Quatro Estações, Vivaldi também dedicou atenção especial à família das flautas doces e da flauta transversal, deixando um conjunto de obras que revela não apenas extraordinária inventividade melódica, mas também profundo conhecimento das características de cada instrumento.

Este disco abre com o Concerto RV 444, escrito para flautino (a flauta doce sopranino), uma obra de virtuosismo impressionante. Ao lado dos concertos RV 443 e RV 445, forma um verdadeiro tríptico: movimentos extremos de enorme dificuldade técnica envolvem um movimento lento de caráter lírico e contemplativo, demonstrando a capacidade de Vivaldi de equilibrar brilho instrumental e expressão cantabile. Curiosamente, os manuscritos permitem que essas peças sejam executadas em outro tipo de flauta mediante transposição, mas Antonini opta pelas versões originais para sopranino, preservando seu brilho característico.

Outro ponto alto é o célebre Concerto "La tempesta di mare" (RV 433), pertencente ao Opus 10, primeira coleção impressa de um compositor italiano dedicada especificamente à flauta transversal. Na interpretação de Antonini, essa escolha resulta em uma sonoridade mais aveludada e evidencia o caráter pictórico da música, que traduz em sons o movimento imprevisível das ondas e dos ventos.

O disco reserva ainda uma agradável surpresa: o movimento "Cum dederit", do salmo Nisi Dominus (RV 608), aparece sem voz, substituída pelo chalumeau, instrumento de palheta simples que antecedeu o clarinete moderno. A opção não é arbitrária: Vivaldi frequentemente associava o chalumeau à voz humana, explorando seu timbre quente e melancólico. O resultado é uma leitura de rara delicadeza, que amplia nossa compreensão sobre as possibilidades sonoras do período barroco.

Os concertos RV 441 e RV 442, por sua vez, revelam um Vivaldi mais introspectivo. O primeiro apresenta um clima mais sombrio, típico da fase tardia do compositor, enquanto o segundo - conhecido pela indicação "Tutti gl'istromenti sordini" - cria uma atmosfera de serenidade incomum, graças ao uso de cordas com surdina. Ambos dialogam estreitamente com outras obras instrumentais e vocais do compositor, demonstrando como Vivaldi frequentemente reutilizava e transformava suas próprias ideias musicais.

À frente dessa gravação está Giovanni Antonini, um dos maiores especialistas atuais em interpretação historicamente informada. Fundador do Il Giardino Armonico, ensemble criado em 1985, Antonini construiu uma carreira marcada pela redescoberta do repertório barroco e clássico, colaborando com alguns dos principais músicos da atualidade e liderando o ambicioso projeto Haydn 2032, dedicado à gravação integral das sinfonias do compositor austríaco.

Mais do que um simples recital de concertos, este álbum demonstra que Vivaldi foi um verdadeiro experimentador das cores instrumentais. Ao explorar diferentes tipos de flauta e combinar virtuosismo, imaginação e refinamento tímbrico, o compositor amplia nossa percepção da música barroca, revelando um repertório que permanece surpreendentemente moderno em sua inventividade.

Não deixe de ouvir. Uma boa apreciação! 

Antonio Vivaldi (1678-1741) - 

01 - Concerto in do maggiore per flautino, archi e B.C. RV 444 - 1. Allegro non molto
02 - 2. Largo
03 - 3. Allegro molto
04 - Concerto in fa maggiore Op. 10 No. 1 per flauto, archi e B.C. 'La tempesta di mare' RV 433 - 1. Allegro
05 - 2. Largo
06 - 3. Presto
07 - Concerto in do maggiore per flautino, archi e B.C. RV 443 - 1. (Allegro)
08 - 2. Largo
09 - 3. Allegro molto
10 - 'Cum Dederit' per chalumeau e B.C. dal 'Nisi Dominus' RV 608
11 - Concerto in do minore per flauto, archi e B.C. RV 441 - 1. Allegro non molto
12 - 2. Largo
13 - 3. (Allegro)
14 - Concerto in la minore per flautino, archi e B.C. RV 445 - 1. Allegro
15 - 2. Larghetto
16 - 3. Allegro
17 - Concerto in fa maggiore per flauto, archi e B.C. 'Tutti gl'istromenti sordini' RV 442 -
18 - 2. Largo e cantabile
19 - 3. Allegro

Il Giardino Armonico
Giovanni Antonini,  flauta e direção

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Richard Strauss (1864-1949) - Burleske in D Minor, TrV 145 e Ein Heldenleben, Op. 40, TrV 190

No final do século XIX, quando a tradição sinfônica alemã parecia ter alcançado seu auge com Beethoven, Brahms e Wagner, Strauss encontrou um caminho próprio: transformou a orquestra em um poderoso instrumento narrativo, capaz de contar histórias, criar personagens e retratar estados psicológicos com uma riqueza de detalhes inédita. O álbum apresentado pela Netherlands Philharmonic Orchestra, sob a regência de Marc Albrecht, reúne duas obras que revelam momentos muito diferentes dessa trajetória: Burleske para piano e orquestra e o poema sinfônico Ein Heldenleben (Uma Vida de Herói).

Composta entre 1885 e 1886, a Burleske pertence ao período de juventude de Strauss. Escrita inicialmente como um Scherzo, a obra nasceu sob forte influência de Johannes Brahms e foi dedicada ao célebre maestro e pianista Hans von Bülow. O curioso é que Bülow recusou a peça por considerá-la excessivamente difícil para o pianista, obrigando Strauss a deixá-la de lado durante quatro anos. Quando finalmente estreou, em 1890, o compositor já havia iniciado uma nova fase criativa e passou a enxergar a obra como um testemunho de um estilo que havia superado.

Hoje, porém, a Burleske é vista de forma bem diferente. Embora dialogue claramente com Brahms, a obra está longe de ser mera imitação. Strauss brinca com o modelo clássico, exagerando suas características e transformando-as em uma espécie de paródia musical. O humor aparece desde a inesperada abertura com um solo de tímpanos, enquanto o piano alterna passagens de virtuosismo quase acrobático com momentos de surpreendente lirismo. É uma música espirituosa, ousada e tecnicamente desafiadora, que já revela a personalidade irreverente do jovem compositor.

Se a Burleske apresenta um Strauss em formação, Ein Heldenleben, concluída em 1898, mostra um artista no auge da maturidade criativa. Trata-se do mais ambicioso de seus poemas sinfônicos, uma obra de grandes proporções dividida em seis seções que narram a trajetória de um herói: seus adversários, sua companheira, suas batalhas, suas realizações e sua retirada do mundo. Embora Strauss jamais tenha admitido tratar-se de um autorretrato explícito, o caráter autobiográfico é difícil de ignorar. O "herói" enfrenta críticos implacáveis, celebra suas conquistas artísticas e revisita temas de obras anteriores, como Don Juan, Till Eulenspiegel, Assim Falou Zaratustra e Dom Quixote, numa espécie de balanço de sua própria carreira.

Musicalmente, Ein Heldenleben impressiona pela escala monumental. Strauss emprega uma orquestra gigantesca e explora cada instrumento para criar uma narrativa cinematográfica muito antes do surgimento do cinema sonoro. Os sopros caricaturam os críticos do herói; um solo de violino retrata sua companheira, inspirada na esposa Pauline; a batalha transforma a orquestra em um turbilhão de sons; e o desfecho substitui o triunfo convencional por uma conclusão contemplativa, sugerindo que a verdadeira vitória do herói reside em sua obra e em seu legado.

A interpretação da Netherlands Philharmonic Orchestra, conduzida por Marc Albrecht, especialista no repertório germânico, valoriza tanto a exuberância orquestral de Ein Heldenleben quanto a energia e o brilho da Burleske, que conta com a participação do pianista Denis Kozhukhin, um dos nomes mais destacados de sua geração.

Não deixe de ouvir. Uma boa apreciação! 

Richard Strauss (1864-1949) - 

01. Burleske in D Minor, TrV 145
02. Ein Heldenleben, Op. 40, TrV 190 - I. Der Held
03. Ein Heldenleben, Op. 40, TrV 190 - II. Des Helden Widersacher
04. Ein Heldenleben, Op. 40, TrV 190 - III. Des Helden Gefährtin
05. Ein Heldenleben, Op. 40, TrV 190 - IV. Des Helden Walstatt
06. Ein Heldenleben, Op. 40, TrV 190 - V. Des Helden Friedenswerke
07. Ein Heldenleben, Op. 40, TrV 190 - VI. Des Helden Weltflucht und Vollendung

Netherlands Philharmonic Orchestra
Marc Albrecht, regente
Denis Kazhukhin, piano 

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