Sergei Rachmaninov (1873-1943) - The Transcriptions

 

As transcrições para piano ocupam um lugar importante na trajetória de Sergei Rachmaninov (1873–1943), pianista virtuoso e compositor cuja escrita se distingue pela riqueza melódica, pela amplitude expressiva e pelo domínio das possibilidades do instrumento. No álbum Rachmaninov: The Transcriptions, lançado pelo selo Hyperion, o pianista britânico Howard Shelley reúne quinze peças que revelam diferentes aspectos dessa atividade criativa. Gravado em fevereiro de 1991, o disco percorre obras de compositores como Rimsky-Korsakov, Kreisler, Bizet, Schubert, Mussorgsky, Bach, Mendelssohn, Tchaikovsky e Behr, além de composições do próprio Rachmaninov. O resultado é um panorama da transcrição como forma de interpretação, recriação e homenagem musical.

A relação de Rachmaninov com esse gênero remonta à sua formação musical. Quando criança, ele tocava transcrições a quatro mãos com o avô e, posteriormente, executava arranjos para dois pianos como parte de seus estudos no Conservatório de Moscou. Essas experiências contribuíram para que considerasse a transcrição uma prática legítima da atividade musical, e não apenas um exercício de adaptação. Ao transferir para o piano obras originalmente concebidas para orquestra, voz ou outros instrumentos, o compositor explorava novas possibilidades sonoras e ampliava o acesso a repertórios que, naquela época, nem sempre estavam disponíveis por meio de gravações.

O encarte também mostra que a fronteira entre transcrição e composição nem sempre é nítida na produção de Rachmaninov. Em alguns casos, ele trabalhava diretamente sobre obras de outros autores; em outros, suas versões apresentavam modificações harmônicas, melódicas e estruturais que conferiam ao material original uma identidade própria. O exemplo do Minueto, da Suíte nº 1 de L’Arlésienne, de Georges Bizet, é particularmente ilustrativo: a transcrição de Rachmaninov, publicada em 1923, difere de uma versão anterior, elaborada em 1900. As alterações mostram como o compositor revisava suas próprias soluções e transformava o processo de adaptação em uma oportunidade de experimentação artística.

O repertório selecionado oferece uma amostra expressiva dessa diversidade. A abertura com O voo do besouro, de Nikolai Rimsky-Korsakov, coloca em evidência a agilidade e a precisão exigidas do pianista para reproduzir a velocidade e a movimentação contínua associadas à peça original. Já Liebesleid, de Fritz Kreisler, conduz a escuta a uma atmosfera mais intimista, na qual o lirismo e a sutileza expressiva ocupam o primeiro plano. A seleção inclui ainda o Minueto de Bizet, Wohin?, de Schubert, o Hopak, de Mussorgsky, e três peças de Bach extraídas da Partita para violino em mi maior: Prelúdio, Gavota e Giga. Ao reunir estilos e períodos tão diferentes, o programa evidencia a capacidade do piano de assumir funções variadas, da exibição virtuosística à expressão delicada.

As transcrições de obras do próprio Rachmaninov acrescentam outra dimensão ao álbum. Daisies, Op. 38 nº 3, e Lilacs, Op. 21 nº 5, nasceram no universo de suas canções e miniaturas vocais, cuja força reside em melodias de grande apelo expressivo. Ao transferi-las para o piano, o compositor preserva o caráter cantabile, mas explora os recursos do instrumento para ampliar a ressonância e a riqueza harmônica. A versão de Vocalise, Op. 34 nº 14, encerra o programa com uma das melodias mais conhecidas de sua produção. A obra, originalmente escrita sem palavras para voz, adquire no piano uma nova dimensão, sustentada pela continuidade da linha melódica e pela expressividade da escrita.

A trajetória dessas peças também acompanha momentos decisivos da vida do compositor. Depois da Revolução Russa de 1917, Rachmaninov deixou seu país e se estabeleceu nos Estados Unidos, onde retomou a carreira como pianista e passou a gravar para a Victor. O encarte destaca que, ao longo dos anos, suas transcrições continuaram a fazer parte de seu repertório público, ao lado de obras originais. Algumas versões foram registradas em disco apenas décadas depois, enquanto outras permaneceram menos conhecidas. Esse conjunto documenta, portanto, não apenas a habilidade de Rachmaninov como arranjador, mas também sua relação pessoal com obras que admirava e que incorporava à própria linguagem pianística.

Howard Shelley, responsável pela interpretação, construiu uma carreira que combina a atuação como pianista e maestro. Neste registro, sua tarefa é evidenciar a variedade de estilos sem perder a unidade do programa: a clareza necessária às passagens rápidas, o controle das vozes internas e a sensibilidade para sustentar as linhas melódicas são aspectos fundamentais desse repertório. A gravação, realizada em Londres em 1991, integra um projeto mais amplo de Shelley dedicado à música para piano de Rachmaninov, cujo objetivo é apresentar uma visão abrangente da produção do compositor para o instrumento.

Mais do que uma coleção de arranjos, The Transcriptions revela uma faceta essencial de Rachmaninov: a de um músico capaz de reconhecer o potencial de uma obra e reinventá-la a partir das possibilidades do piano. Entre o virtuosismo de Rimsky-Korsakov, a elegância de Kreisler, a expressividade de Schubert e a intensidade melódica de suas próprias composições, o álbum mostra que transcrever não significa simplesmente reproduzir uma música em outro instrumento. Nas mãos de Rachmaninov, a transcrição torna-se um ato de interpretação criativa, no qual a obra de partida é preservada e, ao mesmo tempo, iluminada por uma nova perspectiva sonora.

Uma boa apreciação! 

Sergei Rachmaninov (1873-1943) - 

01 The Flight Of The Bumblebee
02 Liebesleid
03 Minuet, From 'L' Arlesienne' Suite No. 1
04 Wohin
05 Hopak
06 Prelude, From Violin Partita In E Major
07 Gavotte, From Violin Partita In E Major
08 Gigue, From Violin Partita In E Major
09 Daisies, Op. 38 No. 3
10 Scherzo, From 'A Midsummer Nights'S Dream'
11 Lilacs, Op. 21 No. 5
12 Polka De V R
13 Lullaby, Op. 16 No. 1
14 Liebesfreud
15 Vocalise, Op. 34 No. 14

Howard Shelley, piano 

Você pode comprar este disco na Amazon

*Para acessar o link, por favor, clicar na imagem.

 

Frédéric Chopin (1810-1849) - Piano Concerto No. 1 in E Minor, Op. 11 e Piano Concerto No. 2 in F Minor, Op. 21

Os concertos para piano de Frédéric Chopin representam uma combinação singular de virtuosismo e expressividade emocional. Nesta gravação, o pianista Christian Zacharias confere vida aos momentos mais íntimos e exuberantes das obras, com uma interpretação marcada pela sensibilidade e pelo refinamento. A profundidade lírica e as nuances poéticas de cada movimento constituem os principais atrativos deste registro.

Gravada na histórica Salle Métropole, a edição se beneficia da reconhecida atenção da MDG à qualidade sonora. Remasterizado e remixado para o formato Super Audio, o material apresenta clareza, profundidade e precisão espacial, proporcionando uma experiência auditiva envolvente e natural. O resultado procura preservar tanto a riqueza dos detalhes instrumentais quanto a sensação de proximidade com a execução, conciliando a excelência técnica com a permanência artística da música.

A parceria de longa data entre Zacharias e a Orchestre de Chambre de Lausanne é outro elemento de destaque. A orquestra oferece acompanhamento atento e equilibrado, sem ofuscar o protagonismo do piano. Essa sintonia entre solista e conjunto favorece o desenvolvimento das ideias musicais e transforma as passagens mais virtuosísticas e líricas em um diálogo expressivo, no qual os contrastes e as sutilezas da escrita de Chopin encontram espaço para florescer.

Registrada originalmente em 2003, a gravação preserva o frescor e o brilho das sessões originais. A nova edição integra a série Preziosa, da MDG, e reúne qualidade interpretativa, interesse histórico e apuro técnico. Trata-se de um lançamento especialmente atraente para colecionadores, audiófilos e apreciadores da música clássica, interessados em redescobrir os concertos de Chopin por meio de uma interpretação sensível e de uma apresentação sonora cuidadosamente trabalhada.

Uma boa apreciação! 

Frédéric Chopin (1810-1849) - 

01. Piano Concerto No. 1 in E Minor, Op. 11: I. Allegro maestoso
02. Piano Concerto No. 1 in E Minor, Op. 11: II. Romanze. Larghetto
03. Piano Concerto No. 1 in E Minor, Op. 11: III. Rondo. Vivace
04. Piano Concerto No. 2 in F Minor, Op. 21: I. Maestoso
05. Piano Concerto No. 2 in F Minor, Op. 21: II. Larghetto
06. Piano Concerto No. 2 in F Minor, Op. 21: III. Allegro vivace

Orchestre De Chambre De Lausanne
Christian Zacharias, regência e piano 

Você pode comprar este disco na Amazon

*Para acessar o link, por favor, clicar na imagem.

 

Max Bruch (1838-1920) - Violin Concerto No. 2 in D Minor, Op. 44 e Violin Concerto No. 3 in D Minor, Op. 58

Este álbum lançado pelo selo Naxos reúne os Concertos para Violino nº 2, em ré menor, Op. 44, e nº 3, também em ré menor, Op. 58, interpretados pelo violinista russo Maxim Fedotov, acompanhado pela Russian Philharmonic Orchestra, sob a regência de Dmitry Yablonsky. Gravadas em Moscou, em maio de 2005, as obras permitem conhecer duas abordagens distintas do gênero concertante, ambas marcadas pelo lirismo melódico e pela escrita virtuosística característica de Bruch.

Nascido em Colônia, na Alemanha, Bruch estudou com Ferdinand Hiller e Carl Reinecke e construiu uma carreira que, durante parte do século XIX, esteve associada não apenas à música instrumental, mas também a grandes obras corais. Entre 1870 e 1900, composições como Odysseus, Frithjof e Das Lied von der Glocke contribuíram para sua reputação. Com o passar do tempo, porém, o sucesso do primeiro concerto para violino acabou ofuscando boa parte dessa produção. O segundo concerto, dedicado ao virtuose espanhol Pablo de Sarasate, foi apresentado pela primeira vez em Londres, em 1877, com o próprio violinista como solista e Bruch na regência.

O Concerto para Violino nº 2 em ré menor, Op. 44, distingue-se pela estrutura pouco convencional. Em vez de começar com um movimento rápido, abre com um Adagio ma non troppo de caráter rapsódico, no qual o violino desenvolve melodias expressivas e de grande intensidade lírica. A obra teria sido concebida a partir de uma ideia dramática associada às guerras carlistas na Espanha: um campo de batalha após o combate, uma mulher à procura do amado e, por fim, uma marcha fúnebre. Essa leitura ajuda a compreender a atmosfera sombria e narrativa do primeiro movimento, no qual sentimentos de perda e sofrimento convivem com momentos de serenidade.

O segundo movimento, um Recitativo: Allegro moderato, estabelece uma passagem dramática entre a introdução e o final. A linha do violino solo assume um caráter quase declamatório, enquanto a orquestra amplia a tensão e impulsiona a música para o movimento conclusivo. No Finale: Allegro molto, a escrita ganha velocidade e energia rítmica, oferecendo ao solista oportunidades para demonstrar agilidade técnica e domínio expressivo. A conclusão brilhante contrasta com o caráter introspectivo da abertura e confirma a habilidade de Bruch para articular lirismo e virtuosismo em uma estrutura de forte unidade dramática.

Concluído em 1891, o Concerto para Violino nº 3 em ré menor, Op. 58, apresenta uma organização mais próxima do modelo tradicional do gênero. Dedicada a Joseph Joachim, a obra contou com a orientação desse importante violinista na elaboração da parte solista. O primeiro movimento, Allegro energico, começa com uma exposição orquestral que estabelece os temas principais antes da entrada do violino, cuja participação combina vigor, amplitude melódica e exigências técnicas. Em comparação com o segundo concerto, a construção é mais convencional, mas não menos exigente para o intérprete.

O movimento central, Adagio, coloca em evidência a dimensão lírica da obra. Depois da energia do primeiro movimento, o violino assume o protagonismo com uma melodia ampla e expressiva, acompanhada pela orquestra em uma atmosfera de maior tranquilidade. O final, Allegro molto, é um rondó impulsionado por um tema em tercinas e por ritmos orquestrais acentuados. Episódios contrastantes, passagens de grande virtuosismo e o retorno do tema principal conduzem a música a uma conclusão triunfante. Apesar de suas exigências técnicas e de sua riqueza musical, o terceiro concerto permanece menos conhecido do que o primeiro, como observa o texto do encarte.

A interpretação de Maxim Fedotov encontra respaldo em uma trajetória dedicada ao repertório violinístico. Reconhecido em concursos internacionais, entre eles o Concurso Internacional Tchaikovsky, Fedotov apresentou-se em importantes salas de concerto na Rússia, na Europa e no Japão. A Russian Philharmonic Orchestra, por sua vez, reúne músicos provenientes de importantes conjuntos russos e desenvolveu atividades tanto em estúdio quanto em apresentações públicas. A regência está a cargo de Dmitry Yablonsky, músico formado inicialmente como violoncelista, que também construiu uma carreira internacional como maestro e gravou numerosas obras para diferentes selos.

Ao colocar lado a lado os dois concertos, o álbum oferece mais do que uma oportunidade de revisitar o universo romântico de Bruch: permite perceber como o compositor explora diferentes possibilidades expressivas dentro de um mesmo gênero. O segundo concerto privilegia a continuidade dramática e a liberdade rapsódica; o terceiro se apoia em uma arquitetura mais convencional, sem abrir mão da intensidade melódica e do brilho instrumental. Juntas, as obras ajudam a ampliar a compreensão de um compositor cuja produção foi reduzida, no imaginário do público, à popularidade de uma única partitura.

Uma boa apreciação! 

Max Bruch (1838-1920) - 

01. Violin Concerto No. 2 in D Minor, Op. 44 - I. Adagio ma non troppo
02. Violin Concerto No. 2 in D Minor, Op. 44 - II. Recitativo. Allegro moderato
03. Violin Concerto No. 2 in D Minor, Op. 44 - III. Finale. Allegro molto
04. Violin Concerto No. 3 in D Minor, Op. 58 - I. Allegro energico
05. Violin Concerto No. 3 in D Minor, Op. 58 - II. Adagio
06. Violin Concerto No. 3 in D Minor, Op. 58 - III. Finale. Allegro molto

Russia Philharmonic Orchestra
Dmitry Yablonsky, regente
Maxim Fedotov, violino 

Você pode comprar este disco na Amazon

*Para acessar o link, por favor, clicar na imagem.

 

Jazz - Alice Coltrane (1937-2007) - Ptah, The El Daoud (1970)

Lançado em 1970 pelo selo Impulse!, Ptah, the El Daoud, de Alice Coltrane (1937–2007), é um álbum que evidencia a busca da pianista, harpista e compositora por uma linguagem musical em que o jazz se aproxima da espiritualidade, da contemplação e da experimentação sonora. Gravado em Nova York, o disco reúne quatro composições de sua autoria e conta com um grupo de músicos de destaque, entre eles Pharoah Sanders e Joe Henderson, nos saxofones, Ron Carter, no contrabaixo, e Ben Riley, na bateria. A própria Alice Coltrane assume o piano e a harpa, além de tocar sinos. O resultado é uma música que combina improvisação, rigor na organização dos materiais e uma atmosfera de intensa concentração.

A trajetória artística de Alice esteve profundamente ligada à de seu marido, o saxofonista John Coltrane, uma das figuras centrais da renovação do jazz na década de 1960. Após a morte dele, em 1967, Alice aprofundou uma pesquisa musical marcada pela espiritualidade e pelo interesse por tradições filosóficas e religiosas orientais. Em Ptah, the El Daoud, essa orientação não aparece como mero elemento decorativo ou conceitual: ela se manifesta na própria construção da música, na repetição de motivos, no desenvolvimento dos improvisos e na maneira como os instrumentos se relacionam. O álbum sugere um universo em que a experiência sonora se transforma em caminho de introspecção e busca de transcendência.

A faixa que dá título ao disco abre o programa com uma interação expressiva entre o contrabaixo de Ron Carter, a bateria de Ben Riley e as linhas dos saxofones. O encadeamento dos motivos e a presença marcante da seção rítmica criam uma base sobre a qual os solistas desenvolvem suas ideias. Pharoah Sanders e Joe Henderson apresentam abordagens contrastantes: o primeiro explora uma expressividade mais visceral, enquanto o segundo privilegia uma construção intelectual e abstrata. Essa oposição não fragmenta a composição; ao contrário, amplia suas possibilidades e confere profundidade ao diálogo musical.

Em Turiya & Ramakrishna, Alice Coltrane conduz a música para uma atmosfera contemplativa. O título faz referência a conceitos e figuras associados à espiritualidade hindu: turiya designa um estado de consciência que ultrapassa as condições ordinárias da experiência, enquanto Ramakrishna foi um mestre religioso indiano do século XIX. A composição apresenta uma sonoridade delicada, organizada em torno de uma linha melódica simples, cujas notas adquirem significados expressivos por meio das variações e dos ornamentos. O resultado é uma música de caráter meditativo, na qual a simplicidade aparente convive com uma elaborada construção instrumental.

Blue Nile mantém o caráter introspectivo, mas evidencia outras possibilidades de combinação entre os instrumentos. O contrabaixo e a bateria sustentam o fluxo musical sem restringir a liberdade dos solistas, enquanto os saxofones exploram diferentes intensidades e direções melódicas. A participação de Alice Coltrane amplia a paleta sonora do conjunto, aproximando o piano e a harpa de uma concepção musical que não depende exclusivamente do virtuosismo individual. O efeito é o de uma textura em permanente transformação, na qual cada instrumento contribui para a construção de um ambiente comum.

O álbum chega ao seu ponto mais extenso com Mantra, composição de 16 minutos que retoma a dimensão espiritual sugerida pelo título. A palavra remete a uma fórmula ou oração repetida como parte de uma prática meditativa. Na interpretação, a repetição e a expansão dos materiais musicais favorecem a concentração, enquanto os improvisos prolongam a experiência sonora sem a necessidade de uma narrativa convencional. A música parece avançar por estados sucessivos de intensidade e repouso, valorizando tanto o que é explicitamente executado quanto aquilo que surge das relações entre os instrumentos.

Em Ptah, the El Daoud, Alice Coltrane demonstra que o jazz pode ser, simultaneamente, espaço de liberdade improvisatória, investigação tímbrica e expressão de uma visão espiritual do mundo. A personalidade dos solistas permanece evidente, mas a música não se reduz a uma sucessão de demonstrações individuais: o sentido do álbum emerge da interação entre os músicos e da coerência que une suas quatro faixas. Mais do que um registro de jazz de vanguarda, a gravação constitui um testemunho da busca artística de Alice Coltrane por uma sonoridade capaz de aproximar criação musical, contemplação e experiência interior.

Uma boa apreciação! 

Alice Coltrane (1937-2007) - 

01. Ptah, The El Daoud
02. Turiya & Ramakrishna
03. Blue Nile
04. Mantra

 Você pode comprar este disco na Amazon

*Para acessar o link, por favor, clicar na imagem.

 

Brazilian Music for Chamber Orchestra - Carlos Gomes, Francisco Braga, Alberto Nepomuceno e Leopoldo Miguéz

O álbum Serenata – Brazilian Music for Chamber Orchestra, lançado pelo selo Naxos, apresenta um panorama da música orquestral brasileira do século XIX e do início do século XX por meio de obras de Antônio Carlos Gomes (1836–1896), Alberto Nepomuceno (1864–1920), Francisco Braga (1868–1945) e Leopoldo Miguéz (1850–1902). Interpretado pela English Chamber Orchestra sob a regência de Neil Thomson, o disco integra a série The Music of Brazil, iniciativa vinculada ao projeto Brasil em Concerto, promovido pelo Ministério das Relações Exteriores. A proposta é ampliar o conhecimento internacional sobre a produção musical brasileira, recuperando partituras historicamente relevantes, algumas das quais tiveram circulação restrita ou receberam suas primeiras gravações.

O repertório reúne composições que revelam diferentes maneiras de dialogar com as correntes estéticas europeias. Durante o século XIX, a criação de conservatórios, academias e sociedades musicais contribuiu para o desenvolvimento da vida concertística no Brasil. As bolsas de estudo concedidas pelo Estado também possibilitaram que compositores brasileiros aperfeiçoassem sua formação na Europa, onde entraram em contato com tendências que influenciariam suas obras. Entretanto, a produção desse período não se limita à imitação de modelos estrangeiros: a variedade de linguagens presente no álbum evidencia escolhas individuais e diferentes formas de apropriação da tradição musical europeia.

A participação de Antônio Carlos Gomes é representada pela Sonata para cordas, composta em Milão, em 1894. Conhecido internacionalmente por sua produção operística, sobretudo por Il Guarany, o compositor demonstra aqui sua capacidade de trabalhar com a música instrumental sem recorrer diretamente ao universo dramático da ópera. A obra possui quatro movimentos e apresenta uma organização pouco convencional: o Allegro scherzoso antecede o movimento lento, enquanto o finale recebe o subtítulo O burrico de pau, referência a uma brincadeira infantil em que as crianças simulam cavalgar. Gomes traduz essa imagem por meio de ostinatos rítmicos, pizzicatos e do recurso col legno, no qual os instrumentistas utilizam a madeira do arco para produzir o som. O resultado combina domínio técnico, imaginação e elementos de caráter descritivo.

Alberto Nepomuceno aparece com duas composições distintas: a Suíte Antiga, op. 11, originalmente escrita para piano em 1893, e a Serenata, de 1902. A primeira revela o interesse do compositor pelas danças de períodos anteriores, reinterpretadas segundo a sensibilidade romântica. Sua amizade com o norueguês Edvard Grieg ajuda a compreender o ambiente artístico em que a obra foi concebida. Escrita em Bergen, a suíte estreou em um encontro musical na residência de Grieg; no ano seguinte, Nepomuceno transpôs três de seus quatro movimentos para cordas, versão apresentada pela Filarmônica de Berlim. A composição aproxima formas antigas de uma linguagem expressiva mais moderna, mostrando como o passado podia servir de matéria para novas experiências musicais.

A Serenata, por sua vez, é uma obra em movimento único, composta em Petrópolis. Sua primeira seção apresenta uma melodia leve e graciosa nos violinos, sustentada pelo acompanhamento em pizzicato. Em seguida, o caráter se torna mais dramático, antes que uma breve transição conduza ao retorno do material inicial. Essa estrutura cria um contraste expressivo sem abandonar a unidade da composição. A escrita de Nepomuceno evidencia sua afinidade com formas líricas e sua habilidade para construir uma narrativa musical concisa, na qual a transformação do ambiente sonoro é tão importante quanto o retorno ao ponto de partida.

Francisco Braga está representado pelo Madrigal-Pavana, de 1901, peça cujo título combina duas tradições: o madrigal, forma de origem vocal marcada pelo lirismo, e a pavana, dança de andamento moderado e passos pausados. A junção dessas referências evoca o ambiente dos salões de dança do Rio de Janeiro durante a Belle Époque. A obra também ilustra a influência francesa na formação estética de Braga, que estudou composição com Jules Massenet no Conservatório de Paris. Sua trajetória, assim como a de outros compositores brasileiros do período, demonstra a importância dos intercâmbios internacionais para a consolidação da música de concerto no país.

Leopoldo Miguéz completa o programa com a Suíte à Antiga, op. 25, de 1893. Embora utilize uma orquestra de dimensões consideráveis, com madeiras, metais, tímpanos e cordas, a obra evita a retórica grandiosa de alguns de seus poemas sinfônicos. No Prelúdio, predominam as texturas polifônicas e os procedimentos imitativos. A Sarabanda restringe a participação às cordas, criando uma atmosfera austera; a Gavota recupera o conjunto orquestral e introduz maior fluidez rítmica. Na Ária, um solo melancólico de oboé ganha destaque, enquanto o Double apresenta uma versão variada da mesma música, agora com a flauta em evidência. A Giga encerra a suíte com o tratamento fugado de seu tema. O percurso revela a habilidade de Miguéz para reinterpretar danças antigas com recursos de composição e orquestração próprios do romantismo.

A reunião dessas obras permite compreender o romantismo brasileiro como um campo de experiências mais diversificado do que sugerem as classificações estéticas tradicionais. Carlos Gomes, Nepomuceno, Braga e Miguéz estabeleceram relações distintas com as tradições italiana, alemã e francesa, adaptando-as às próprias concepções artísticas. Ao recuperar esse repertório, Serenata também desempenha uma função histórica: amplia a presença internacional de compositores brasileiros e contribui para que obras menos conhecidas voltem a integrar a vida musical. Sob a direção de Neil Thomson, a English Chamber Orchestra oferece ao público a oportunidade de descobrir uma produção que ultrapassa os nomes e gêneros mais consagrados, revelando a riqueza da criação instrumental brasileira na passagem do século XIX para o XX.

Uma boa apreciação!

01 - I. Allegro animato
02 - II. Allegro scherzoso
03 - III. Largo
04 - IV. Vivace
05 - Madrigal-pavana
06 - I. Minuet
07 - II. Air
08 - III. Rigaudon
09 - Serenata, SN6.13
10 - I. Prelúdio
11 - II. Sarabanda
12 - III. Gavota
13 - IV. Ária e double
14 - V. Giga

English Chamber Orchestra
Neil Thomson, regente 

Você pode comprar este disco na Amazon

*Para acessar o link, por favor, clicar na imagem.

 

Luciano Berio (1925-2003) - Sequenzas I-XIV for Solo Instruments

Entre 1958 e 2002, Luciano Berio compôs suas 14 Sequenze para instrumentos solo, um ciclo que explora não apenas as possibilidades técnicas, expressivas e tímbricas de cada instrumento, mas também os limites da própria atuação do intérprete. Cada peça exige domínio técnico excepcional, sensibilidade musical, amplo controle dos recursos sonoros, capacidade teatral e grande resistência física. Não surpreende, portanto, que as Sequenze ocupem lugar de destaque no repertório contemporâneo e sejam frequentemente utilizadas como peças de prova em conservatórios e concursos de música.

Em 1998, a Deutsche Grammophon lançou uma caixa com três discos que reunia interpretações notáveis das 13 Sequenze então existentes, além de uma transcrição para saxofone alto da Sequenza IX, originalmente destinada ao clarinete. Agora, o selo Naxos apresenta sua própria leitura do ciclo, com interpretações de nível internacional. A coleção inclui a Sequenza XIV, para violoncelo, composta em 2002, um ano antes da morte de Berio, e uma versão para saxofone soprano da Sequenza VII, originalmente escrita para oboé.

A comparação entre as gravações da Deutsche Grammophon e da Naxos revela diferenças tanto na concepção interpretativa quanto na captação sonora. Na Sequenza XII, para fagote, por exemplo, os saltos rápidos e os multifônicos penetrantes de Pascal Gallois ganham impacto incisivo na gravação da Deutsche Grammophon, favorecidos pela proximidade dos microfones. Ken Munday, na versão da Naxos, apresenta uma sonoridade menos agressiva, mas mais encorpada nas passagens longas e sustentadas. Já na Sequenza VI, para viola, Christophe Desjardins imprime intensidade cortante à seção inicial, marcada por acordes de caráter quase ciclônico. Steven Dunn, na Naxos, opta por um andamento ligeiramente mais lento, permitindo que as alturas e os ritmos cruzados respirem com maior liberdade.

Na Sequenza VIII, para violino, Jaspar Wood oferece uma interpretação convincente, embora os acordes em duas cordas simultâneas de Jeanne-Marie Conquer, na edição da Deutsche Grammophon, revelem maior variedade e diferenciação tímbrica. A comparação da Sequenza II, para harpa, coloca em equilíbrio duas qualidades distintas: os contrastes dinâmicos acentuados de Frédérique Cambreling, na Deutsche Grammophon, e a clareza de Erica Goodman, na Naxos, nas passagens rápidas, etéreas e de grande fluidez.

A Sequenza III, para voz feminina, evidencia outra oposição de abordagens. A soprano Tony Arnold, na Naxos, explora com vivacidade as mudanças abruptas de humor e o caráter irreverente da composição. Luisa Castellani, na Deutsche Grammophon, por sua vez, apresenta maior flexibilidade vocal e percorre uma extensão mais ampla de registros. A cantora foi, nos últimos anos de vida de Berio, uma das intérpretes preferidas do compositor.

Na Sequenza IV, para piano, Boris Berman demonstra extraordinária precisão técnica. Segundo a avaliação crítica, uma captação sonora mais rica em cores e nuances poderia ter valorizado ainda mais sua interpretação, que teria condições de rivalizar com a elegância descontraída de Florent Boffard, na Deutsche Grammophon. Já na Sequenza X, para trompete em dó, Berio utiliza a ressonância do piano para criar continuidade entre as frases musicais. Na gravação da Deutsche Grammophon, Gabriele Cassone se destaca pelo timbre robusto, próximo ao do flugelhorn, e pela impecável execução de notas repetidas. Guy Few, na Naxos, conquista pela inclinação jazzística que imprime ao início de determinadas frases.

No conjunto, a edição da Naxos constitui uma alternativa consistente à caixa da Deutsche Grammophon, embora não necessariamente a substitua. Mais do que uma simples competição entre intérpretes, a comparação evidencia a riqueza das possibilidades abertas pela música de Berio: obras que transformam os recursos técnicos dos instrumentos em matéria de experimentação sonora e fazem do intérprete uma parte essencial da própria investigação musical.

Uma boa apreciação! 

DISCO 01

01. Nora Shulman - Sequenza I for flute (05:19)
02. Erica Goodman - Sequenza II for harp (09:22)
03. Tony Arnold - Sequenza III for female voice (07:43)
04. Boris Berman - Sequenza IV for piano (10:57)
05. Alain Trudel - Sequenza V for trombone (05:32)
06. Steven Dann - Sequenza VI for viola (14:56)
07. Matej Sarc - Sequenza VIIa for oboe (09:07)

DISCO 02

01. Jasper Wood - Sequenza VIII for violin (12:35)
02. Joaquin Valdepenas - Sequenza IX for clarinet (14:01)
03. Guy Few - Sequenza X for trumpet and resonance piano (17:10)
04. Pablo Sainz Villegas - Sequenza XI for guitar (16:20)

DISCO 03

01. Ken Munday - Sequenza XII for bassoon (16:25)
02. Joseph Petric - Sequenza XIII for accordion (chanson) (08:15)
03. Darrett Adkins - Sequenza XIV for cello (13:05)
04. Wallace Halladay - Sequenza VIIb for soprano saxophone (07:15)
05. Wallace Halladay - Sequenza IXb for alto saxophone (13:43)

 Você pode comprar este disco na Amazon

*Para acessar o link, por favor, clicar na imagem.

 

Ludwig van Beethoven (1770-1827) - Piano Concertos 1-3 & Triple Concerto

O pianista Reed Tetzloff estreou no Lincoln Center, em Nova York, em 2012, apresentando-se com a Mannes Orchestra no Alice Tully Hall. No mesmo ano, realizou seu primeiro recital solo em Nova York, no Merkin Hall. Desde então, tem desenvolvido uma carreira marcada por apresentações com orquestras de diferentes países e regiões dos Estados Unidos.

Entre os conjuntos com os quais atuou como solista estão a Lake Superior Chamber Orchestra, as orquestras Mississippi Valley e Minnesota, a Moscow Virtuosi Chamber Orchestra e a Rochester Philharmonic. Sua experiência inclui ainda apresentações com as sinfônicas de Cincinnati, Tbilisi, Queens e Wayzata, ampliando sua presença no cenário musical norte-americano e internacional.

Em 2015, Tetzloff participou do XV Concurso Internacional Tchaikovsky, uma das mais importantes competições de música erudita do mundo, chegando à etapa semifinal entre os doze pianistas selecionados. Ao longo de sua trajetória, também conquistou prêmios em diversos concursos internacionais, entre eles o American Protégé, o Beijing International Music Festival and Academy, o Bradshaw and Buono, o Cincinnati World Piano Competition, o Five Towns Music and Art Foundation, o Schimmel e o Concurso Internacional de Piano de Tbilisi.

Durante seus estudos no Mannes College, o pianista venceu duas das mais importantes premiações da instituição destinadas a pianistas: o Concurso de Concertos (Concerto Competition) e o Concurso Nadia Reisenberg. Em 2014, recebeu ainda a bolsa internacional do Center for Musical Excellence (CME) e o Birte Moller Young Artists Award, reconhecimentos que contribuíram para o desenvolvimento de sua carreira artística.

Seu álbum de estreia, Sounds of Transcendence, foi financiado pelo Center for Musical Excellence, lançado comercialmente pelo selo Romeo Records e distribuído nos Estados Unidos, no Reino Unido, na Alemanha e no Japão. O registro marcou uma etapa importante na divulgação de seu trabalho para além das apresentações ao vivo.

Tetzloff mantém presença frequente em espaços culturais de Nova York. Entre os locais em que se apresentou estão o Weill Recital Hall, no Carnegie Hall, os consulados da Bulgária, da Alemanha e da Polônia, o Ukrainian Cultural Institute, o Museum of the City of New York, a Jewish Historical Society, a Ana Tzarev Gallery e o Union Club. Sua atividade artística reúne, assim, apresentações em importantes salas de concerto e participações em instituições culturais e diplomáticas.

Uma boa apreciação! 

Ludwig van Beethoven (1770-1827) - 

01. Beethoven: Piano Concerto No. 1 in C Major, Op. 15: I. Allegro con brio
02. Beethoven: Piano Concerto No. 1 in C Major, Op. 15: II. Largo
03. Beethoven: Piano Concerto No. 1 in C Major, Op. 15: III. Rondo. Allegro
04. Beethoven: Piano Concerto No. 2 in B-Flat Major, Op. 19: I. Allegro con brio
05. Beethoven: Piano Concerto No. 2 in B-Flat Major, Op. 19: II. Adagio
06. Beethoven: Piano Concerto No. 2 in B-Flat Major, Op. 19: III. Rondo. Allegro molto
07. Beethoven: Piano Concerto No. 3 in C Minor, Op. 37: I. Allegro con brio
08. Beethoven: Piano Concerto No. 3 in C Minor, Op. 37: II. Largo
09. Beethoven: Piano Concerto No. 3 in C Minor, Op. 37: III. Rondo. Allegro
10. Piano triple Concerto in C Major, Op. 56: I. Allegro
11. Beethoven: Piano triple Concerto in C Major, Op. 56: II. Largo
12. Beethoven: Piano triple Concerto in C Major, Op. 56: III. Rondo alla Polacca

Prague Philharmonic Orchestra
Paweł Kapuła, regente
Reed Tetzloff, piano
Alexandra Tirsu, violino
Danjulo Ishikaza, violoncelo 

Você pode comprar este disco na Amazon

*Para acessar o link, por favor, clicar na imagem.

 

Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) - Concertos For Two & Three Pianos

Lançada originalmente em 1991, esta gravação passou por diversas reedições, algumas com alterações na qualidade sonora e na seleção de faixas. A longevidade do álbum, porém, não surpreende: desde o início, o registro se destacou pela qualidade das interpretações. Embora tenha sido superado, em determinados aspectos, por gravações realizadas com instrumentos de época, continua sendo uma referência entre as execuções de Mozart com instrumentos modernos.

Reunindo registros feitos em 1988 e 1990, o álbum foi originalmente concebido como o capítulo final do aclamado ciclo de concertos para piano de Wolfgang Amadeus Mozart conduzido artisticamente pelo pianista Murray Perahia. A obra central do programa é o Concerto para dois pianos e orquestra em mi bemol maior, K. 365, no qual Perahia divide o teclado com Radu Lupu, acompanhado pela English Chamber Orchestra. Sem a presença de um regente, os músicos constroem uma interpretação ao mesmo tempo ampla, imponente, minuciosa e espontânea.

O resultado é uma notável unidade entre solistas e orquestra. O material de abertura do primeiro movimento ganha força dramática na participação do conjunto instrumental, enquanto os dois pianistas respondem com diálogos flexíveis e explorações musicais cheias de sutileza. Em vez de se limitarem a alternar passagens de protagonismo, Perahia e Lupu parecem compartilhar uma mesma concepção da obra, equilibrando a dimensão concertante com a intimidade da conversa musical.

O disco também chama a atenção pela escolha de peças menos habituais no repertório de concerto. Entre elas está o Concerto para três pianos e orquestra em fá maior, K. 242, apresentado na versão para dois pianos preparada pelo próprio Mozart. A adaptação evidencia a versatilidade do compositor e confere à obra um caráter leve e despretensioso, que contribui para a variedade do programa.

Outra curiosidade é a Fantasia em fá menor, K. 608, originalmente composta para um instrumento mecânico conhecido como relógio musical, órgão mecânico ou Flötenuhr. Esse dispositivo reunia um mecanismo de relógio e pequenos tubos de órgão acionados automaticamente. Alguns exemplares eram acompanhados por painéis com cenas pastorais móveis, que podiam incluir representações de conteúdo erótico. Mozart transpôs a fantasia para dois pianos, e, posteriormente, Ferruccio Busoni ampliou essa versão, recorrendo a recursos cromáticos, fraseados de inspiração romântica tardia e indicações de pedal que transformaram a escrita original.

Na interpretação de Perahia e Lupu, a obra recebe ainda um tratamento particular: os pianistas recuperam trechos da composição original que haviam sido omitidos por Busoni. A escolha acrescenta uma nova camada de interesse a uma peça que, por sua própria história, já ocupa um lugar singular no catálogo mozartiano.

O programa termina com o pouco executado Andante e variações para piano a quatro mãos em sol maior, K. 501. A peça oferece um contraste oportuno com a versão de Busoni para a Fantasia K. 608, encerrando o disco com uma sonoridade mais despojada e equilibrando a diversidade de estilos e atmosferas que caracteriza a seleção.

Disponível em reedições de preço bastante acessível, o álbum continua sendo uma escolha especialmente atraente para quem deseja ouvir Mozart em interpretações de grande refinamento, com instrumentos modernos. Vale observar, contudo, que algumas edições incluem também música de Brahms, acréscimo que, segundo a avaliação crítica original, rompe a unidade cuidadosamente construída deste programa dedicado ao universo mozartiano.

Uma boa apreciação! 

Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) - 

01. Concerto for 2 Pianos & Orchestra in E Flat Major K365: I. Allegro [0:09:40.00]
02. Concerto for 2 Pianos & Orchestra in E Flat Major K365: II. Andante [0:07:09.12]
03. Concerto for 2 Pianos & Orchestra in E Flat Major K365: III. Rondeaus [0:06:38.63]
04. Concerto for 3 Pianos & Orchestra in F Major K242: I. Allegro [0:08:11.00]
05. Concerto for 3 Pianos & Orchestra in F Major K242: II. Adagio [0:07:11.00]
06. Concerto for 3 Pianos & Orchestra in F Major K242: III. Rondo [0:05:20.00]
07. Fantasia in F Minor K608: I. Allegro Ritenuto [0:03:10.12]
08. Fantasia in F Minor K608: II. Andante [0:04:22.55]
09. Fantasia in F Minor K608: III. Allegro Ritenuto [0:02:36.08]
10. Andante and Variations for Four Hands in G Major K 501: Andante [0:01:12.55]
11. Andante and Variations for Four Hands in G Major K 501: Variation 1 [0:01:05.45]
12. Andante and Variations for Four Hands in G Major K 501: Var. 2 [0:01:03.62]
13. Andante and Variations for Four Hands in G Major K 501: Var. 3 [0:01:00.30]
14. Andante and Variations for Four Hands in G Major K 501: Var. 4 [0:01:23.48]
15. Andante and Variations for Four Hands in G Major K 501: Var. 5 [0:02:03.62]

English Chamber Orchestra
Murray Perahia, piano e direção
Radu Lupu, piano 

Você pode comprar este disco na Amazon

*Para acessar o link, por favor, clicar na imagem.

 

Gustav Holst (1874-1934) - Orchestral Works

A música de Gustav Holst (1874–1934) revela um compositor cuja imaginação ultrapassou as fronteiras da tradição musical inglesa. Embora seja amplamente lembrado por Os Planetas, sua produção inclui obras orquestrais que exploram diferentes universos culturais, interesses filosóficos e possibilidades de expressão sinfônica. O álbum Holst: Cotswolds Symphony, lançado pelo selo Naxos, reúne cinco composições que permitem acompanhar aspectos importantes de sua formação e de seu desenvolvimento artístico: a abertura Walt Whitman, a Sinfonia The Cotswolds, A Winter Idyll, o poema sinfônico Indra e a Japanese Suite. A Orquestra Ulster interpreta o repertório sob a regência de JoAnn Falletta, em gravações realizadas em outubro de 2011, no Ulster Hall, em Belfast.

Nascido em uma família de músicos, Holst estudou no Royal College of Music, em Londres, onde estabeleceu uma amizade duradoura com Ralph Vaughan Williams. A relação entre os dois compositores foi marcada pela troca de ideias e pela crítica mútua de suas partituras. Antes de se dedicar prioritariamente à composição, Holst trabalhou como trombonista em companhias de ópera e orquestras, experiência que contribuiu para seu conhecimento prático dos instrumentos e das possibilidades da escrita orquestral. Mais tarde, sua atuação como professor, especialmente na St Paul’s Girls’ School e no Morley College, ajudou a conciliar a atividade criativa com as necessidades de sua vida profissional.

A abertura Walt Whitman, composta em 1899, evidencia o entusiasmo juvenil de Holst por Richard Wagner. A obra apresenta uma escrita expansiva e vigorosa, reveladora de um compositor que ainda buscava consolidar uma voz própria. Seu interesse pelo poeta norte-americano Walt Whitman relacionava-se à combinação de misticismo e realismo presente em sua literatura, características que também atraíram outros compositores britânicos da época. A abertura constitui, assim, um testemunho dos primeiros passos de Holst e de sua aproximação com ideias artísticas que ultrapassavam os limites estritos da tradição nacional.

A Sinfonia em fá maior, conhecida como The Cotswolds, foi escrita entre 1899 e 1900 e estreou em 1902. Embora seu primeiro movimento apresente referências à música folclórica britânica, o centro emocional da composição encontra-se no segundo movimento, a Elegy (In memoriam William Morris). A passagem homenageia William Morris, artista, escritor e defensor de ideias socialistas e utópicas, cuja influência intelectual também alcançou Holst. O caráter elegíaco confere à sinfonia uma profundidade particular, contrastando com o movimento de caráter mais vivo que a sucede e com o finale, que demonstra a segurança do compositor na condução dos recursos orquestrais.

Em A Winter Idyll, obra de 1897, a escrita orquestral já demonstra considerável domínio técnico, apesar de ter sido composta durante a juventude do músico. O encarte destaca a segurança com que Holst trabalha os instrumentos, resultado possivelmente de sua formação, da influência de seus professores e da experiência adquirida como instrumentista. A peça funciona, portanto, como um importante registro de seu amadurecimento artístico, anterior às composições que lhe dariam maior projeção pública.

O interesse de Holst por culturas não europeias ocupa lugar central em Indra, poema sinfônico composto em 1903. Inspirada em uma narrativa da mitologia indiana, a obra retrata o confronto entre Indra, divindade associada aos céus, à chuva e às tempestades, e o demônio Vritra. Segundo a lenda, Vritra provoca uma seca, mas acaba derrotado com a ajuda de Vishnu, permitindo o retorno das chuvas e a restauração da fertilidade da terra. Holst transforma essa narrativa em matéria musical, explorando o potencial dramático da luta entre as forças que ameaçam a vida e aquelas que restabelecem o equilíbrio natural. Seu interesse pela cultura indiana também se manifestou no estudo do sânscrito e na adaptação de textos do Rig Veda para hinos corais.

Já a Japanese Suite, op. 33, nasceu de uma encomenda ligada ao bailarino e coreógrafo japonês Michio Ito, que atuava em Londres e precisava de música com características japonesas para uma apresentação. Holst respondeu com uma sequência de peças que incorpora elementos de inspiração oriental. Entre elas, destacam-se a Dance of the Marionette, cuja linguagem pode evocar o universo de Petrushka, de Stravinsky, e a Dance of the Wolves, que encerra a suíte com energia e intensidade. A obra evidencia a curiosidade do compositor por diferentes tradições culturais e sua disposição para incorporar referências externas à música ocidental sem abandonar os recursos da orquestra sinfônica.

A seleção também permite compreender o contraste entre a trajetória relativamente discreta de muitas obras de Holst e o sucesso extraordinário de Os Planetas, cuja primeira execução pública integral ocorreu em 1920. A popularidade dessa composição acabou por ofuscar parte de sua produção posterior, embora trabalhos como Egdon Heath, St Paul’s Suite e Hymn of Jesus tenham conquistado reconhecimento em seus respectivos repertórios. Nesse contexto, o álbum conduz o ouvinte para além de sua obra mais célebre, revelando a variedade de interesses e a evolução da linguagem musical do compositor.

Sob a direção de JoAnn Falletta, a Ulster Orchestra apresenta um programa que aproxima diferentes momentos da carreira de Holst e diferentes fontes de inspiração. A regente norte-americana, conhecida por seu trabalho com repertórios variados e pela defesa da música de seu país, conduz a orquestra em um percurso que vai da exuberância wagneriana à evocação de mitos indianos e danças japonesas. O resultado é um retrato abrangente de Holst: um compositor que soube transformar referências literárias, folclóricas e culturais em experiências orquestrais distintas, ampliando os horizontes da música britânica do início do século XX.

Uma boa apreciação! 

Gustav Holst (1874-1934) - 

01. Walt Whitman Overture, Op. 7, H. 42
02. Symphony in F Major, Op. 8, H. 47 _The Cotswolds__ I. Allegro con brio
03. Symphony in F Major, Op. 8, H. 47 _The Cotswolds__ II. Elegy. Molto adagio
04. Symphony in F Major, Op. 8, H. 47 _The Cotswolds__ III. Scherzo. Presto - Allegretto
05. Symphony in F Major, Op. 8, H. 47 _The Cotswolds__ IV. Finale. Allegro moderato
06. A Winter Idyll, H. 31
07. Japanese Suite, Op. 33, H. 126_ I. Prelude. Song of the Fisherman
08. Japanese Suite, Op. 33, H. 126_ II. Ceremonial Dance
09. Japanese Suite, Op. 33, H. 126_ III. Dance of the Marionette
10. Japanese Suite, Op. 33, H. 126_ IV. Interlude. Song of the Fisherman
11. Japanese Suite, Op. 33, H. 126_ V. Dance Under the Cherry Tree
12. Japanese Suite, Op. 33, H. 126_ VI. Finale. Dance of the Wolves
13. Indra, Op. 13, H. 66

Ulster Orchestra
JoAnn Falletta, regente 

Você pode comprar este disco na Amazon

*Para acessar o link, por favor, clicar na imagem.