Joseph Haydn (1732-1809) - Symphonies 88-92, Sinfonia Concertante

"Este CD, gravado ao vivo, provoca um raro sentimento de encantamento e surpresa. As sinfonias reunidas aqui figuram entre as maiores realizações de Haydn. Compostas entre 1788 e 1789, revelam toda a extensão de sua maestria técnica, inventividade inspirada e extraordinária amplitude emocional. No auge de sua maturidade criativa, o compositor experimenta novas formas, ousadas modulações e mudanças tonais, além de impressionantes contrastes de atmosfera e caráter.

Uma de suas marcas mais reconhecíveis é a alternância entre a serenidade dos tons maiores e a melancolia dos menores, sobretudo em suas variações. Mas as surpresas surgem a todo instante: a solenidade cede lugar à leveza espirituosa, a elegância ao sabor rústico, a tragédia a um humor travesso e irreverente. As célebres brincadeiras musicais de Haydn - como o golpe repentino dos tímpanos na Sinfonia “Surpresa” - tornaram-se lendárias. Já na Sinfonia nº 90, ele talvez leve esse espírito ao extremo: apresenta não um, mas dois falsos finais de efeito conclusivo, arrancando aplausos prematuros seguidos de risos constrangidos quando a música inesperadamente prossegue.

Simon Rattle explora esse momento com evidente prazer, registrando na gravação tanto os aplausos quanto a reação divertida da plateia, antes de repetir o movimento sem interrupções. Seu amor pela música transparece em cada compasso, acompanhado por uma orquestra que responde com absoluto comprometimento. A execução é brilhante e cristalina, o equilíbrio sonoro impecável, e o fraseado possui a naturalidade e a fluidez da fala humana.

Para valorizar ainda mais seus principais instrumentistas, Rattle inclui a encantadora Sinfonia concertante, cujas partes solistas para violino, violoncelo, oboé e fagote são de tal dificuldade que apenas músicos de excelência se atrevem a enfrentá-las. A interpretação é soberba, embora o violino soe um pouco distante na gravação. A captação sonora também acentua a tendência de Rattle a explorar extremos dinâmicos - convém manter o controle de volume à mão".

Não deixe de ouvir. Uma boa apreciação!  

Joseph Haydn (1732-1809) - 

DISCO 01

Symphony No. 88 in G major
01. 1. Adagio - Allegro
02. 2. Largo
03. 3. Menuetto: Allegretto - Trio
04. 4. Finale: Allegro con spirito

Symphony No. 89 in F major
05. 1. Vivace
06. 2. Andante con moto
07. 3. Menuetto: Allegretto - Trio
08. 4. Finale: Vivace assai

Symphony No. 90 in C major
09. 1. Adagio - Allegro
10. 2. Andante
11. 3. Menuetto: Allegretto - Trio
12. 4. Finale Allegro assai
13. 4. Finale Allegro assai (alternate version)

DISCO 02

Symphony No. 91 in E flat major
01. 1. Largo - Allegro assai
02. 2. Andante
03. 3. Menuetto: un pocp allegretto - Trio
04. 4. Finale: Vivace

Symphony No. 92 in G major 'Oxford'
05. 1. Adagio - Allegro
06. 2. Adagio
07. 3. Menuetto: Allegretto - Trio
08. 4. Finale: Presto

Sinfonia Concertante in B flat major, Op. 84, Hob. I / 105
09. 1. Allegro
10. 2. Andante
11. 3. Allegro con spirito

Berliner Philharmoniker
Simon Rattle, regente 

Você pode comprar este disco na Amazon

*Para acessar o link, por favor, clicar na imagem.

*Se possível, deixe um comentário. Sua participação é importante. Ela ajuda a manter o nosso blog!

 

Leos Janácek (1854-1928) - Sinfonietta JW 6/18 e Taras Bulba Rhapsody, JW VI/15

Textinho de apresentação do disco:

"Dotado de um temperamento poderoso e profundamente singular, Janáček reuniu em sua obra as tradições nacional-românticas às conquistas da linguagem musical moderna, cuja riqueza e frescor o consagraram como a figura dominante da música tcheca no início do século XX. Escrita em 1926, dois anos antes da morte do compositor, a Sinfonietta surpreende pela vitalidade e pelo espírito juvenil de um homem de setenta e dois anos — e permanece até hoje sua obra sinfônica mais popular. Essa composição inspirada e efervescente, marcada por uma liberdade indomável de tom e ritmo, impõe grandes exigências à seção de metais. A interpretação de Karel Ančerl figura entre as maiores da discografia. Reconhece-se de imediato seu incomparável senso de construção dramática, o ritmo orgânico e a maneira como traduz a extraordinária vitalidade de Janáček, preservando ao mesmo tempo um equilíbrio absoluto.

Taras Bulba é um poema sinfônico em três partes inspirado no romance de Gogol. Janáček escolheu os três episódios mais dramáticos da obra: as mortes dos dois filhos de Taras — Andrei, que trai seu povo por amor a uma jovem polonesa e acaba morto pelo próprio pai; Ostap, capturado pelos poloneses e torturado em praça pública —, culminando na morte do próprio Taras, também aprisionado e queimado vivo. A leitura de Karel Ančerl permanece insuperável. Ninguém como ele conseguiu unir a dimensão épica da narrativa de Gogol ao fervoroso amor pela pátria compartilhado por Taras e seus filhos.

Esta remasterização devolve à gravação uma impressionante segunda juventude. A amplitude da cena sonora e a clareza de cada seção da orquestra são excepcionais. Uma joia para audiófilos".

Não deixe de ouvir. Uma boa apreciação! 

Leos Janácek (1854-1928) -

01. Sinfonietta JW 6/18: I. Fanfare. Allegretto, Allegro maestoso 
02. Sinfonietta JW 6/18: II. The Castle, Brno. Andante, Allegretto 
03. Sinfonietta JW 6/18: III. The Queen's Monastery, Brno. Moderato
04. Sinfonietta JW 6/18: IV. The Street Leading to the Castle. Allegretto 
05. Sinfonietta JW 6/18: V. The Town Hall, Brno. Andante con moto
06. Taras Bulba Rhapsody, JW VI/15: I. The Death of Andrei 
07. Taras Bulba Rhapsody, JW VI/15: II. The Death of Ostap 
08. Taras Bulba Rhapsody, JW VI/15: III. The Prophecy and Death of Taras Bulba 

Czech Philharmonic
Karel Ančerl, regente 

Você pode comprar este disco na Amazon

*Para acessar o link, por favor, clicar na imagem.

*Se possível, deixe um comentário. Sua participação é importante. Ela ajuda a manter o nosso blog!

 

Joseph Haydn (1732-1809) - String Quartet in B flat, H.III, Op. 76, No. 4 - Sunrise e String Quartet in E flat,H.III No. 80 Op. 76 No. 6

Que disco belo, de música elegante e espetacular. São duas obras cuja interpretação dispensa apresentações. Sobra-nos a especulação, pois as duas obras encontradas neste disco refletem a musicalidade de um mestre incontestável. Vamos lá!

O String Quartet in B flat, H.III, Op. 76, No. 4, apelidado como “Sunrise” é uma das suas principais obras. O apelido “Sunrise” poderia sugerir uma peça meramente pastoral, delicada ou contemplativa. Mas Haydn jamais foi simples. O primeiro movimento do quarteto nasce de uma ascensão luminosa do violino, como se o som abrisse lentamente o horizonte. É uma das entradas mais célebres da música de câmara. No entanto, o que impressiona não é apenas a beleza melódica, mas o controle dramático. Haydn faz da leveza uma arquitetura rigorosa. O quarteto inteiro parece oscilar entre serenidade e inquietação, como se o amanhecer também carregasse a memória da noite.

Nesse aspecto, o Op. 76 No. 4 revela o compositor em sua maturidade absoluta. Não há excesso. Não há demonstração vazia de virtuosismo. Existe, sim, uma inteligência musical que transforma quatro instrumentos em uma conversa humana completa - cheia de ironias, hesitações, impulsos e reconciliações. Haydn compreendia o quarteto de cordas como um organismo democrático: ninguém domina permanentemente, todos se escutam. Em tempos de ruído e individualismo performático, há algo quase político nessa escuta mútua.

Já o String Quartet in E flat major, Op. 76 No. 6 apresenta outro Haydn: mais sombrio, cerebral e por vezes desconcertante. É talvez o mais introspectivo dos quartetos do conjunto. O fato de cada movimento começar com uma introdução lenta já cria uma atmosfera de suspensão, como se o compositor pedisse ao ouvinte não apenas atenção, mas paciência. É música que exige permanência. Ele é um pouco mais sombrio do que o “Sunrise”. As melodias não são tão impregnantes e sedutoras, mas cria instabilidades emocionais sob medida.

Não deixe de ouvir esse belo disco. Uma boa apreciação!

Joseph Haydn (1732-1809) - 

01. String Quartet in B flat, H.III, Op. 76, No. 4 - Sunrise - 1. Allegro con spirito
02. String Quartet in B flat, H.III, Op. 76, No. 4 - Sunrise - 2. Adagio
03. String Quartet in B flat, H.III, Op. 76, No. 4 - Sunrise - 3. Menuetto (Alllegro)
04. String Quartet in B flat, H.III, Op. 76, No. 4 - Sunrise - 4. Finale (Allegro ma non troppo)
05. String Quartet in E flat,H.III No. 80 Op. 76 No. 6 - 1. Allegretto - Allegro
06. String Quartet in E flat,H.III No. 80 Op. 76 No. 6 - 2. Fantasia (Adagio)
07. String Quartet in E flat,H.III No. 80 Op. 76 No. 6 - 3. Menuetto (Presto)
08. String Quartet in E flat,H.III No. 80 Op. 76 No. 6 - 4. Finale (Allegro spirituoso)

Orlando Quartet 

Você pode comprar este disco na Amazon

*Para acessar o link, por favor, clicar na imagem.

*Se possível, deixe um comentário. Sua participação é importante. Ela ajuda a manter o nosso blog!

 

Duo Gazzana - Prokofiev — Pärt — Schnittke

 Textinho de apresentação do disco:

"Em seu álbum anterior, dedicado a obras de Robert Schumann, Edvard Grieg e Tõnu Kõrvits, as irmãs Gazzana - Natascia e Raffaella - alcançaram “os mais altos níveis de expressão instintiva”, segundo o jornal francês Le Monde. E é possível afirmar que essa impressão se confirma de maneira ainda mais contundente em sua nova gravação, centrada em composições de Sergei Prokofiev, Arvo Pärt e Alfred Schnittke.

A interpretação da Sonata nº 1, op. 80, de Prokofiev, abre o programa com senso de urgência e intensidade dramática, em sintonia com a intenção do compositor - que chegou a declarar que determinada passagem “deveria soar de tal forma que as pessoas saltassem de seus assentos”. Ao mesmo tempo, a dupla imprime à obra uma serenidade lírica marcante, especialmente no terceiro movimento, apresentado sob uma atmosfera hipnótica.

As Cinco Melodias, op. 35a, recebem leitura igualmente convincente, enquanto Spiegel im Spiegel, de Pärt, executada com elegância e contenção, surge como um momento de contemplação e respiro no repertório.

Encerrando o programa, Gratulationsrondo, de Schnittke, revela um compositor que deixa de lado suas habituais inclinações poliestilísticas para se destacar em uma abordagem mais tradicional da linguagem clássica, em uma peça de caráter festivo e luminoso.

Não deixe de ouvir. Uma boa apreciação! 

01 I. Andante assai
02 II. Allegro brusco
03 III. Andante
04 IV. Allegrissimo
05 Spiegel im Spiegel
06 No. 1, Andante
07 No. 2, Lento, ma non troppo
08 No. 3, Animato, ma non allegro
09 No. 4, Allegretto leggero e scherzando
10 No. 5, Andante non troppo
11 Gratulationsrondo

Duo Gazzana

Você pode comprar este disco na Amazon

*Para acessar o link, por favor, clicar na imagem.

*Se possível, deixe um comentário. Sua participação é importante. Ela ajuda a manter o nosso blog!

 

Aram I. Khachaturian (1903-1978) - Piano Concerto in D-Flat Major, Op. 38 e Concerto-Rhapsody for Piano & Orchestra, Op. 102

Aram I. Khachaturian foi um importante compositor nascido na Armênia, algo que sempre deixou transparecer em sua música. As melodias peculiares da sua terra são uma constante em sua linguagem, além disso viveu durante o regime soviético. Esses episódios foram responsáveis por consolidar a sua personalidade. Nesse excelente disco do selo Naxos encontramos duas obras para piano que servem como um cartão de amostra para a sua importante obra.

Quando Khachaturian compôs o Concerto para Piano em Ré Bemol Maior, em 1936, a União Soviética vivia o endurecimento cultural promovido por Joseph Stalin. A arte deveria servir ao povo, exaltar o espírito nacional e rejeitar o “formalismo” europeu que o regime considerava elitista. Muitos compositores caminhavam sobre gelo fino. Nesse contexto, Khachaturian encontrou um equilíbrio raro: produziu música tecnicamente sofisticada, mas carregada de vitalidade popular, melodias exuberantes e ritmos caucasianos que pareciam perfeitamente alinhados ao ideal soviético de “arte acessível”.

Trinta e dois anos depois, a Concerto-Rapsódia para Piano e Orquestra apresenta outro homem. A União Soviética já havia atravessado a morte de Stalin, o “degelo” cultural de Nikita Khrushchev e uma relativa flexibilização estética. Khachaturian, agora um compositor consagrado, já não precisava provar sua lealdade ao sistema. O Op. 102 nasce, portanto, menos preocupado em agradar e mais interessado em condensar uma linguagem pessoal.

A diferença é evidente desde os primeiros compassos. A exuberância juvenil do concerto de 1936 dá lugar a uma escrita mais fragmentada, quase improvisatória. A forma rapsódica permite episódios abruptos, contrastes violentos e uma liberdade estrutural que o jovem Khachaturian talvez não pudesse assumir durante o auge do realismo socialista. O piano deixa de ser apenas um virtuose heroico; torna-se narrador de memórias, conflitos e fantasmas.

Postagem imperdível. Já escutei três vezes este disco. Não deixe de ouvir. Uma boa apreciação!

Aram I. Khachaturian (1903-1978) - 

01. Piano Concerto in D-Flat Major, Op. 38 - I. Allegro ma non troppo e maestoso
02. Piano Concerto in D-Flat Major, Op. 38 - II. Andante con anima
03. Piano Concerto in D-Flat Major, Op. 38 - III. Allegro brilliante
04. Concerto-Rhapsody for Piano & Orchestra, Op. 102

Moscow Symphony Orchestra
Dmitri Yablonsky, regente
Oxana Yablonskaya, piano 

Você pode comprar este disco na Amazon

*Para acessar o link, por favor, clicar na imagem.

*Se possível, deixe um comentário. Sua participação é importante. Ela ajuda a manter o nosso blog!

 

Georg Philipp Telemann (1681-1767) - Paris Quartets

 

Textinho de apresentação do disco:

"Com sua nova gravação dos Quartetos de Paris, o conjunto Barockin’, há 15 anos em atividade, busca inspiração no espírito inesgotável de Georg Philipp Telemann. O lançamento, distribuído em três CDs, impressiona pela sonoridade surpreendentemente moderna: uma interpretação vigorosa, repleta de vitalidade, em que cada passagem parece fazer jorrar um fluxo renovado de energia musical.

Paris, inverno de 1737. Aos 57 anos, o compositor e cantor hamburguês Georg Philipp Telemann (1681–1767) vivia o auge de sua consagração internacional. Após o sucesso dos primeiros Quatuors, publicados em 1730, os seis Nouveaux Quatuors (1738) causaram verdadeiro impacto - ultrapassando os círculos musicais de Versalhes e conquistando público em toda a Europa.

“Em poucas semanas, 400 exemplares foram adquiridos antecipadamente, algo jamais visto antes no mercado de partituras”, registrou o próprio compositor, orgulhoso, em sua autobiografia.

O ciclo é hoje reconhecido como uma das obras-primas da música de câmara do Alto Barroco. A instrumentação fixa - flauta transversal, violino, viola da gamba e baixo contínuo - estabeleceu uma combinação sonora inovadora, considerada até hoje uma referência estética no repertório barroco".

Não deixe de ouvir. Uma boa apreciação! 

Georg Philipp Telemann (1681-1767) - 

DISCO 01

01. Concerto primo in G Major, TWV 43:G1: I. Grave – Allegro – Grave – Allegro
02. Concerto primo in G Major, TWV 43:G1: II. Largo – Presto – Largo
03. Concerto primo in G Major, TWV 43:G1: III. Allegro
04. Concerto secondo in D Major, TWV 43:D1: I. Allegro
05. Concerto secondo in D Major, TWV 43:D1: II. Affetuoso
06. Concerto secondo in D Major, TWV 43:D1: III. Vivace
07. Sonata prima in A Major, TWV 43:A1: I. Soave
08. Sonata prima in A Major, TWV 43:A1: II. Allegro
09. Sonata prima in A Major, TWV 43:A1: III. Andante
10. Sonata prima in A Major, TWV 43:A1: IV. Vivace
11. Sonata seconda in G Minor, TWV 43:g1: I. Andante
12. Sonata seconda in G Minor, TWV 43:g1: II. Allegro
13. Sonata seconda in G Minor, TWV 43:g1: III. Largo
14. Sonata seconda in G Minor, TWV 43:g1: IV. Allegro
15. Première Suite in E Minor, TWV 43:e1: I. Vivement
16. Première Suite in E Minor, TWV 43:e1: II. Rigaudon
17. Première Suite in E Minor, TWV 43:e1: III. Air
18. Première Suite in E Minor, TWV 43:e1: IV. Replique
19. Première Suite in E Minor, TWV 43:e1: V. Menuet I und Menuet II
20. Première Suite in E Minor, TWV 43:e1: VI. Gigue
21. Deuxième Suite in B Minor, TWV 43:h1: I. Prélude – Gaiment
22. Deuxième Suite in B Minor, TWV 43:h1: II. Air – Modérément
23. Deuxième Suite in B Minor, TWV 43:h1: III. Réjouissance
24. Deuxième Suite in B Minor, TWV 43:h1: IV. Courante
25. Deuxième Suite in B Minor, TWV 43:h1: V. Passpied

DISCO 02

01. 1er Quatuor in D Major, TWV 43:D3: I. Prélude Vivement
02. 1er Quatuor in D Major, TWV 43:D3: II. Tendrement
03. 1er Quatuor in D Major, TWV 43:D3: III. Vite
04. 1er Quatuor in D Major, TWV 43:D3: IV. Gaiment
05. 1er Quatuor in D Major, TWV 43:D3: V. Modérément
06. 1er Quatuor in D Major, TWV 43:D3: VI. Vite
07. 2ème Quatuor in A Minor, TWV 43:a2: I. Prélude Allégrement
08. 2ème Quatuor in A Minor, TWV 43:a2: II. Flatteusement
09. 2ème Quatuor in A Minor, TWV 43:a2: III. Légèrement
10. 2ème Quatuor in A Minor, TWV 43:a2: IV. Un peu vivement
11. 2ème Quatuor in A Minor, TWV 43:a2: V. Vite
12. 2ème Quatuor in A Minor, TWV 43:a2: VI. Coulant (Coulemment)
13. 3ème Quatuor in G Major, TWV 43:G4: I. Prélude Un peu vivement
14. 3ème Quatuor in G Major, TWV 43:G4: II. Légèrment
15. 3ème Quatuor in G Major, TWV 43:G4: III. Gracieusement
16. 3ème Quatuor in G Major, TWV 43:G4: IV. Vite
17. 3ème Quatuor in G Major, TWV 43:G4: V. Modéré
18. 3ème Quatuor in G Major, TWV 43:G4: VI. Gai
19. 3ème Quatuor in G Major, TWV 43:G4: VII. Lentement – Vite – Lentement – Vite

DISCO 03

01. 4ème Quatuor in B Minor, TWV 43:h2: I. Prélude Vivement – Flatteusement – Vivement
02. 4ème Quatuor in B Minor, TWV 43:h2: II. Coulant
03. 4ème Quatuor in B Minor, TWV 43:h2: III. Gai
04. 4ème Quatuor in B Minor, TWV 43:h2: IV. Vite
05. 4ème Quatuor in B Minor, TWV 43:h2: V. Triste
06. 4ème Quatuor in B Minor, TWV 43:h2: VI. Menuet Modéré
07. 5ème Quatuor in A Major, TWV 43:A3: I. Prélude Vivement
08. 5ème Quatuor in A Major, TWV 43:A3: II. Gai
09. 5ème Quatuor in A Major, TWV 43:A3: III. Modéré
10. 5ème Quatuor in A Major, TWV 43:A3: IV. Modéré
11. 5ème Quatuor in A Major, TWV 43:A3: V. Pas Vite
12. 5ème Quatuor in A Major, TWV 43:A3: VI. Un peu gai
13. 6ème Quatuor in E Minor, TWV 43:e4: I. Prélude. A discrétion – très Vite – A discrétion
14. 6ème Quatuor in E Minor, TWV 43:e4: II. Gai
15. 6ème Quatuor in E Minor, TWV 43:e4: III. Vite
16. 6ème Quatuor in E Minor, TWV 43:e4: IV. Gracieusement
17. 6ème Quatuor in E Minor, TWV 43:e4: V. Distrait
18. 6ème Quatuor in E Minor, TWV 43:e4: VI. Modéré

Ensemble Barockin’ 

Você pode comprar este disco na Amazon

*Para acessar o link, por favor, clicar na imagem.

*Se possível, deixe um comentário. Sua participação é importante. Ela ajuda a manter o nosso blog!

 

Ludwig van Beethoven (1770-1827) - Concerto pour piano et orchestre No 2 en Si Bémol Majeur Op. 19 e Concerto pour piano et orchestre No 1 en Ut Majeur Op. 15

 

A rotina intensa me impediu de fazer postagem de sábado. De qualquer forma, vamos atualizá-la. Disquinho saboroso com os dois primeiros concertos para piano de orquestra de Beethoven. 

Embora seja conhecido como Concerto para Piano nº 1 em Dó maior, Op. 15, ele não foi o primeiro a ser composto. O chamado Concerto nº 2 em Si bemol maior, Op. 19, surgiu antes, ainda nos anos em que Beethoven tentava se firmar em Viena como virtuose do piano.

A inversão numérica aconteceu porque Beethoven revisava obsessivamente suas obras. O concerto em Dó maior foi publicado antes e acabou recebendo o número 1. Esse detalhe aparentemente burocrático diz muito sobre o compositor: perfeccionista, competitivo e consciente da própria imagem artística.

O Piano Concerto No. 2 ainda carrega fortemente a herança mozartiana. A elegância das melodias, a leveza do diálogo entre piano e orquestra e a estrutura formal remetem diretamente aos modelos clássicos da época.

Mas há sinais claros de inquietação.

O piano não se limita a ornamentar o discurso musical; ele provoca, interrompe, responde com ironia. Em vários momentos, Beethoven parece transformar o concerto em uma espécie de duelo teatral entre solista e orquestra.

Não deixe de ouvir. Uma boa apreciação! 

Ludwig van Beethoven (1770-1827) - 

01 - Concerto pour piano et orchestre No 2 en Si Bémol Majeur Op. 19 _ I. Allegro con brio
02 - Concerto pour piano et orchestre No 2 en Si Bémol Majeur Op. 19 _ II. Adagio
03 - Concerto pour piano et orchestre No 2 en Si Bémol Majeur Op. 19 _ III. Rondo (Molto allegro)
04 - Concerto pour piano et orchestre No 1 en Ut Majeur Op. 15 _ I. Allegro con brio
05 - Concerto pour piano et orchestre No 1 en Ut Majeur Op. 15 _ II. Largo
06 - Concerto pour piano et orchestre No 1 en Ut Majeur Op. 15 _ III. Rondo (Allegro scherzando)

Orchestre National Bordeaux Aquitaine

Kwamé Ryan, direção
Shani Diluka, piano 

Você pode comprar este disco na Amazon

*Para acessar o link, por favor, clicar na imagem.

*Se possível, deixe um comentário. Sua participação é importante. Ela ajuda a manter o nosso blog!

 

Jazz - John Coltrane (1926-1967) - The European Tour

 

Este disco, gravado na famosa "The Eropean Tour", já apontava para um projeto que buscava romper com o bop. Observa-se aqui que Coltrane parecia migrar para uma paisagem espiritual. O grande músico não se mostrava preocupado com o mero documento, com o mero registro; sua intenção é expandir a própria ideia do que o jazz poderia expressar. As melodias surgem reconhecíveis, mas rapidamente são tensionadas, fragmentadas e reconstruídas em longos improvisos coletivos que desafiam qualquer expectativa de estabilidade harmônica.

A formação é decisiva para o impacto do álbum. Ao lado de Coltrane estão músicos que compreendiam intuitivamente sua busca: McCoy Tyner ao piano, Jimmy Garrison no contrabaixo e Elvin Jones na bateria. O quarteto, frequentemente chamado de “clássico”, alcança aqui um raro equilíbrio entre caos e disciplina. Tyner cria blocos harmônicos quase arquitetônicos; Jones toca como se conduzisse uma tempestade; Garrison mantém o eixo gravitacional da música enquanto Coltrane avança para territórios emocionais extremos.

Um registro histórico imperdível. Não deixe de ouvir. Uma boa apreciação!  

01 - The Promise (Live In Stockholm, Sweden _ 1963)
02 - I Want To Talk About You (Live In Stockholm, Sweden _ 1963 _ Take 1)
03 - Naima (Live In Stockholm, Sweden _ 1963 _ Take 3)
04 - Mr. P.C. (Live In Stockholm, Sweden _ 1963 _ Take 4)

John Coltrane, tenor and soprano saxophones
McCoy Tyner, piano
Jimmy Garrison, bass
Elvin Jones, drums 

Você pode comprar este disco na Amazon

*Para acessar o link, por favor, clicar na imagem.

*Se possível, deixe um comentário. Sua participação é importante. Ela ajuda a manter o nosso blog!

 

Frédéric Chopin (1810-1849) - Piano Concerto No. 1 in E minor, Op. 11 e Piano Concerto No. 2 in F minor, Op. 21

Chopin só escreveu - infelizmente - dois concertos para piano. Curiosamente, os dois foram escritos antes dos vinte anos. É sabido que o Concerto No. 2, na verdade, foi escrito primeiro. Esse Concerto traz a influência de Mozart e Hummell, mas já se inclina para uma linguagem mais intimista e subjetiva, traços que identificariam o compositor. O primeiro movimento abre com uma introdução orquestral relativamente extensa, mas quando o piano entra, o centro gravitacional da obra muda completamente: a música parece abandonar o discurso sinfônico tradicional para se transformar numa espécie de monólogo poético.

Já o Concerto No. 1 - escrito por último - foi concluído em 1830 e apresenta uma arquitetura mais ambiciosa. Enquanto o Segundo Concerto é mais introspectivo, o Primeiro é mais dramático. O Allegro maestoso inicial combina passagens de grande brilho técnico. O Romanze central talvez represente o auge do ideal poético de Chopin: uma música suspensa no tempo, de delicadeza quase improvisatória. O Rondo, por sua vez, aproxima-se da dança popular polonesa, especialmente o krakowiak, revelando um nacionalismo discreto, mas exuberante.

Chopin escreveu esses concertos pouco antes de deixar definitivamente a Polônia, num momento em que Varsóvia vivia crescente tensão política às vésperas da Revolta de Novembro de 1830. Embora não sejam obras explicitamente patrióticas, carregam algo da nostalgia e da sensibilidade nacional que marcariam toda sua carreira no exílio parisiense. 

Não deixe de ouvir. Uma boa apreciação!

Frédéric Chopin (1810-1849) -

01 - Piano Concerto No. 1 in E minor, Op. 11_ I. Allegro maestoso 
02 - Piano Concerto No. 1 in E minor, Op. 11_ II. Romance_ Larghetto 
03 - Piano Concerto No. 1 in E minor, Op. 11_ III. Rondo, Vivace 
04 - Piano Concerto No. 2 in F minor, Op. 21_ I. Maestoso 
05 - Piano Concerto No. 2 in F minor, Op. 21_ II. Larghetto 
06 - Piano Concerto No. 2 in F minor, Op. 21_ III. Allegro vivace 

Orchestre National de France
Paul Kletzki, regente
Orchetsre Sinfonia di Milano
Mario Rossi, regente
Maurizio Pollini, piano 

Você pode comprar este disco na Amazon

*Para acessar o link, por favor, clicar na imagem.

*Se possível, deixe um comentário. Sua participação é importante. Ela ajuda a manter o nosso blog!

 

Sergei Rachmaninov (1873-1943) - Piano Concerto No. 2 in C Minor, Op. 18 e Piano Concerto No. 3 in D Minor, Op. 30

Os concertos para piano de Rachmaninov são hoje, uma verdadeira joia do repertório pianístico. Gozam de grande prestígio. A fama que possui nos nossos dias, não era mesma que o compositor experimentava no final do século XIX e início do século XX. Por exemplo, por volta de 1900, quando começou a escrever o Concerto Nº 2, sua carreira parecia arruinada. A estreia de sua Primeira Sinfonia, alguns anos antes, fora um desastre histórico. Críticas impiedosas mergulharam o jovem compositor numa depressão profunda, acompanhada de bloqueio criativo.

O compositor precisou de um tratamento para se restabelecer da crise criativa e da estima afetada. Desde os acordes iniciais do piano, em forma de sinos graves que crescem lentamente até a explosão orquestral, o concerto anuncia sua identidade - trata-se de música de vasto alcance emocional. O sucesso foi imediato. Isso o reconciliou com o mundo.

Já o Concerto de Nº 3 o consagrou definitivamente. Composto em 1909 para a primeira turnê americana de Rachmaninov, o concerto foi concebido para demonstrar não apenas sua habilidade como compositor, mas também sua reputação lendária como pianista. A obra rapidamente ganhou fama de “Everest” do repertório pianístico. Sua dificuldade técnica tornou-se quase mitológica: passagens intermináveis de acordes, saltos brutais, texturas densas e resistência física extrema transformam o concerto num teste máximo para qualquer intérprete.

Aqui encontramos uma excelente interpretação dessas obras caudalosas pelo selo Naxos. Não deixe de ouvir. Uma boa apreciação! 

Sergei Rachmaninov (1873-1943) - 

01. Piano Concerto No. 2 in C Minor, Op. 18 - I. Moderato - Allegro
02. Piano Concerto No. 2 in C Minor, Op. 18 - II. Adagio sostenuto
03. Piano Concerto No. 2 in C Minor, Op. 18 - III. Allegro scherzando
04. Piano Concerto No. 3 in D Minor, Op. 30 - I. Allegro ma non tanto
05. Piano Concerto No. 3 in D Minor, Op. 30 - II. Intermezzo. Adagio
06. Piano Concerto No. 3 in D Minor, Op. 30 - III. Finale. Alla breve

Russian State Symphony Orchestra
Dmitry Yablonsky, regente
Konstantin Scherbarkov, piano

Você pode comprar este disco na Amazon

*Para acessar o link, por favor, clicar na imagem.

*Se possível, deixe um comentário. Sua participação é importante. Ela ajuda a manter o nosso blog!

 

Edvard Grieg (1843-1907) - Peer Gynt, Op. 23 - Overture - Suites Nos. 1& 2, 2 Lyric Pieces, Op. 68, 3 Orchestral Pieces from Sigurd Jorsalfar, Op. 56 etc

A origem da obra remonta a 1867, quando o dramaturgo Henrik Ibsen publicou o poema dramático Peer Gynt. A peça narrava as aventuras de um anti-herói sonhador, egoísta e fantasioso, inspirado parcialmente em lendas folclóricas escandinavas.

Peer é um camponês que abandona sua aldeia em busca de glória e riqueza. Ao longo da história, atravessa desertos, encontra trolls, vive romances fracassados e mergulha em crises existenciais. A obra mistura sátira social, simbolismo e elementos do folclore norueguês.

Anos depois, em 1874, Ibsen convidou Grieg para compor a música incidental da peça, que seria encenada pela primeira vez em Oslo - então chamada Cristiania.

Apesar do prestígio do convite, Grieg hesitou. Em cartas da época, o compositor afirmava considerar o texto “difícil” e “pouco musical”. Ainda assim, aceitou o desafio.

Percebendo o potencial das composições, Grieg reuniu parte da trilha em duas suítes orquestrais publicadas entre 1888 e 1891. São essas versões que transformaram Peer Gynt em um fenômeno internacional.

Entre os trechos mais famosos está “Morning Mood” (“Manhã”), frequentemente associada ao nascer do sol. A melodia delicada da flauta e dos oboés tornou-se uma das peças clássicas mais reconhecidas do planeta.

Outro destaque é “In the Hall of the Mountain King” (“Na Gruta do Rei da Montanha”), marcada pelo ritmo crescente e obsessivo que acompanha a cena em que Peer encontra os trolls. 

O disco ainda apresenta algumas do compositor, sempre fincadas no folclore de seu país. Já escutei este disco diversas vezes. Adoro Grieg. Uma boa apreciação! 

Edvard Grieg (1843-1907) - 

01. Peer Gynt, Op. 23, Act I - Prelude (I Bryllupsgarden) [At the Wedding]
02. Peer Gynt Suite No. 1, Op. 46 - I. Morning Mood
03. Peer Gynt Suite No. 1, Op. 46 - II. The Death of Aase
04. Peer Gynt Suite No. 1, Op. 46 - III. Anitra's Dance
05. Peer Gynt Suite No. 1, Op. 46 - IV. In the Hall of the Mountain King
06. Peer Gynt Suite No. 2, Op. 55 - I. Ingrid's Lament
07. Peer Gynt Suite No. 2, Op. 55 - II. Arabian Dance
08. Peer Gynt Suite No. 2, Op. 55 - III. Peer Gynt's Homecoming
09. Peer Gynt Suite No. 2, Op. 55 - IV. Solveig's Song
10. 2 Lyric Pieces, Op. 68 - No. 1, Aften pa hoyfjellet (Evening in the Mountains) [Version for orchestra]
11. 2 Lyric Pieces, Op. 68 - Lyric Pieces, Book 9, Op. 68 (version for orchestra) -  No. 5, Badnlat [Lullaby] [Version for orchestra]
12. Folkelivsbilleder, Op. 19, No. 2. Bridal Procession - Folkelivsbilleder, Op. 19 -  No. 2, Bridal Procession (Arr. For orchestra)
13. 3 Orchestral Pieces from Sigurd Jorsalfar, Op. 56 - No. 1, Prelude. In the King's Hall (Version for orchestra)
14. Sigurd Jorsalfar, Op. 22 - No. 2, Borghild's Dream
15. 3 Orchestral Pieces from Sigurd Jorsalfar, Op. 56 - No. 3, Hommage March (Version for orchestra)

Czecho-Slovak State Philharmonic Orchestra
Stephen Gunzenhauser, regente 

Você pode comprar este disco na Amazon

*Para acessar o link, por favor, clicar na imagem.

*Se possível, deixe um comentário. Sua participação é importante. Ela ajuda a manter o nosso blog!

 

Ludwig van Beethoven (1770-1827) - Symphony No. 5 in C Minor, Op. 67 e Symphony No. 7 in A Major, Op. 92

Quando Beethoven compôs a Quinta Sinfonia, entre 1804 e 1808, a Europa vivia sob a sombra de Napoleão Bonaparte. O compositor, inicialmente admirador das ideias revolucionárias francesas, viu com desilusão a transformação de Napoleão em imperador. Ao mesmo tempo, enfrentava uma batalha íntima devastadora: a progressiva perda da audição. É impossível ouvir os quatro golpes iniciais da Quinta - talvez o motivo mais famoso da história da música - sem perceber ali uma espécie de choque contra o destino. Não por acaso, difundiu-se a ideia de que Beethoven teria descrito o tema como “o destino batendo à porta”.

A Quinta Sinfonia é frequentemente interpretada como uma jornada das trevas para a luz. Começa em dó menor, tensa, obsessiva, quase violenta, e termina em dó maior, triunfante, monumental. Essa transformação não é mero recurso técnico; ela encarna o ideal heroico do início do século XIX. Beethoven abandona a elegância aristocrática do classicismo vienense e inaugura uma música de conflito, vontade e superação. Pela primeira vez, uma sinfonia parece não servir apenas ao entretenimento das cortes, mas à expressão dramática da condição humana.

Já a Sétima, como escrevi há alguns dias, é um dos trabalhos musicais mais importantes da história. Ela foi concebida em um momento histórico de grandes mudanças, tanto políticas quanto pessoais para o compositor. Escrita entre 1811 e 1812 - e estreada em 1813 -, a Sinfonia No. 7 teve a sua primeira apresentação em um concerto beneficente a soldados feridos na Batalha de Hanau. O pano de fundo eram as guerras napoleônicas, que redesenharam o mapa da Europa. No mesmo dia da estreia da Sétima, o mundo também conheceu A Vitória de Wellington, que teve uma recepção calorosa – apesar de ser uma obra extravagante, dessas sobre as quais falamos, hoje dia, que o artista a concebeu desejando apenas aclamação e tapinha nas costas. Ela destoa da profundidade emocional característica das obras de Beethoven.

Não deixe de ouvir. Uma boa apreciação! 

Ludwig van Beethoven (1770-1827) - 

01 - I. Allegro con brio
02 - II. Andante con moto
03 - III. Scherzo. Allegro
04 - IV. Allegro
05 - I. Poco sostenuto - Vivace
06 - II. Allegretto
07 - III. Presto - Assai meno presto
08 - IV. Allegro con brio

NDR Radiophilharmonie
Andrew Manze, regente 

Você pode comprar este disco na Amazon

*Para acessar o link, por favor, clicar na imagem.

*Se possível, deixe um comentário. Sua participação é importante. Ela ajuda a manter o nosso blog!

 

Joshua Bell - Voice of the Violin

Texto de apresentação do disco: 

"Temo que isso ainda subestime a qualidade etérea com que Bell extrai notas musicais vivas de seu Stradivarius. A comunhão espiritual que se estabelece entre um virtuose e seu instrumento é o que torna possível a conexão entre intérprete e ouvinte. O instrumento transforma-se em uma voz singular, capaz de transmitir a essência da música - ela própria uma extensão do compositor. Quando essa relação é pura, sua qualidade torna-se imensurável e indizível, comunicando-se apenas entre espíritos, e alcançando plenitude ainda maior nas mãos de uma alma afim. Joshua Bell possui exatamente esse tipo de vínculo: não apenas entre o autor da obra e a excelência do instrumento, mas também entre o compositor e o público. Bell se destaca como a ponte perfeita entre todos eles.

Constantemente incentivados a “cantar” através de seus instrumentos, músicos de cordas naturalmente buscam reproduzir o mais belo de todos os instrumentos musicais: a voz humana. Não surpreende, portanto, que desejem literalmente colocar os dedos sobre os tesouros do repertório vocal. Joshua Bell apropriou-se de algumas das mais célebres canções e árias operísticas, de Mozart aos românticos, passando por Orff. Lentamente conduzidas, sustentadas, líricas e, sim, profundamente “cantáveis”, essas melodias sedutoras e de ampla carga emocional adaptam-se com extraordinária naturalidade ao violino.

Grande parte dos arranjos leva a assinatura de J.A.C. Redford, conhecido compositor de cinema e televisão. E, de fato, as cordas pulsantes e as modulações abruptas típicas de trilhas sonoras permeiam suas orquestrações, em contraste surpreendente com a linguagem original dos compositores. Em “Beau soir”, de Debussy, o pianista Frederic Chiu acompanha Bell com tamanha sensibilidade que se chega a desejar que o piano tivesse substituído a orquestra em todas as canções. As transcrições violinísticas da linha vocal permanecem fiéis aos originais, exceto pelo hábito quase compulsivo de Redford de adicionar oitavas nas repetições e saltar do registro mais grave ao mais agudo.

Naturalmente, Bell executa tudo isso com maestria — e é justamente a interpretação o grande destaque. Seu timbre é arrebatadoramente belo: quente nas cordas graves, luminoso nos registros agudos e sempre intensamente expressivo. Seu amor pela música e sua compreensão instintiva de sua simplicidade interior, de seu anseio romântico e de seu ardor apaixonado atingem diretamente o coração do ouvinte.

Na única participação violinística autenticamente escrita para o instrumento, o obbligato de “Morgen!”, de Richard Strauss, Bell divide a cena com a soprano Anna Netrebko, dona de uma voz dourada. Inicialmente intensa em excesso, ela gradualmente se entrega a um desfecho mágico e sereno".  

Não deixe de ouvir. Uma boa apreciação! 

01. Vocalise, Op. 34, No. 14 (Rachmaninoff) (5:51)
02. Ave Maria (Schubert) (4:43)
03. Pourquoi me reveiller from Werther (Massenet) (2:37)
04. Apres un reve, Op. 7, No. 1 (Faure) (2:50)
05. Song To The Moon from Rusalka (Dvorak) (5:28)
06. Laudate Dominum from Vesperae solennes de confessore (Mozart) (4:43)
07. None But The Lonely Heart, Op. 6/6 (Tchaikovsky) (2:51)
08. Una Furtiva Lagrima from L'Elisir d'Amore (Donizetti) (4:17)
09. In trutina from Carmina Burana (Orff) (2:34)
10. May Breezes from Songs without Words, Op. 62, No. 1 (Mendelssohn) (2:18)
11. Beau soir (Debussy) (2:32)
12. Estrellita (Ponce) (3:16)
13. Nana (Bercuese) from Siete conciones populares Espanolas (De Falla) (2:12)
14. Je crois entendre encore from The Pearl Fishers (Bizet) (3:31)
15. Morgen! Op. 27, No. 4 (R. Strauss) (3:41)

Joshua Bell, violino

Você pode comprar este disco na Amazon

*Para acessar o link, por favor, clicar na imagem.

*Se possível, deixe um comentário. Sua participação é importante. Ela ajuda a manter o nosso blog!

 

Franz Berwald (1796-1868) - Chamber Music

Ao ouvir as gravações reunidas neste álbum duplo, é inevitável perguntar por que a música de câmara do compositor romântico sueco Franz Berwald ainda aparece tão raramente em catálogo. Certamente não é por falta de temas marcantes - suas melodias são vigorosas, elegantes e inconfundíveis. Tampouco por limitações harmônicas: suas construções sonoras exibem força, densidade e notável coerência. E muito menos pela arquitetura formal de suas obras, marcada por inventividade, ousadia e extraordinária solidez. A explicação mais plausível para esse relativo esquecimento talvez seja simplesmente histórica: o espaço reservado à música de câmara romântica acabou sendo ocupado, quase por completo, por nomes como Schubert, Schumann, Mendelssohn, Brahms e Dvořák.

Ainda assim, qualquer ouvinte deste conjunto de dois discos dificilmente deixará de se perguntar se não haveria lugar também para Berwald entre os grandes do período. A pianista escocesa Susan Tomes e o grupo inglês Gaudier Ensemble revelam-se intérpretes altamente convincentes de sua obra, executando-a com o mesmo empenho e entusiasmo normalmente dedicados aos compositores mais consagrados do século XIX. Basta ouvir qualquer peça desta coletânea - do colorido Quarteto em Mi bemol maior para piano e sopros ao dramático Trio para Piano em Fá menor, passando pelo heroico Quinteto para Piano em Dó menor - para reconhecer um criador plenamente digno de figurar ao lado de seus contemporâneos mais célebres.

Ao final da audição integral dos dois discos, resta apenas uma pergunta: e a música orquestral de Berwald, estaria à altura? A resposta é simples: sem dúvida alguma. Sua produção sinfônica é tão impressionante quanto sua música de câmara. Registradas com a habitual excelência sonora digital da Hyperion, estas interpretações têm todos os méritos para contribuir de forma decisiva para a consolidação da reputação de Franz Berwald.

Não deixe de ouvir. Uma boa apreciação! 

Franz Berwald (1796-1868) - 

DISCO 01

Quartet in E flat major for piano and wind
01. I. Adagio — Allegro ma non troppo [11'06]
02. II. Adagio [3'07]
03. III. Finale: Allegro [8'54]

Piano Trio No.2 in F minor
04. I. Allegro molto [7'47]
05. II. Larghetto [6'59]
06. Scherzo: Molto allegro [5'38]
07. IV. Allegro molto [1'26]

Grand Septet in B flat major
08. I. Adagio — Allegro molto [7'03]
09. II. Poco adagio [9'00]
10. III. Finale: Allegro con spirito [5'35]

DISCO 02

Piano Quintet No.1 in C minor
01. I. Allegro molto [6'42]
02. II. Adagio quasi andante [7'03]
03. III. Allegro assai e con spirito [8'45]

Duo in D major for pianoforte and violin
04. I. Allegro [8'35]
05. II. Romance: Andante [4'31]
06. III. Allegro giocoso [6'07]

Piano Trio No.4 in C major
07. I. Allegro [7'31]
08. Adagio [3'55]
09. Finale: Quasi presto [5'45]

The Gaudier Ensemble 

Você pode comprar este disco na Amazon

*Para acessar o link, por favor, clicar na imagem.

*Se possível, deixe um comentário. Sua participação é importante. Ela ajuda a manter o nosso blog!

 

Félix Mendelssohn (1809-1847) - The Complete String Symphonies

 

O que um adolescente entre os seus 12 e 14 anos pode fazer em matéria de beleza? Quando se é um gênio, ele pode fazer música. É o que temos, por exemplo, em relação a essas composições de Mendelssohn, escritas antes de uma outra obra de juventude - "Sonhos de uma noite de verão".

Entre 1821 e 1823, quando tinha entre 12 e 14 anos, Mendelssohn escreveu doze sinfonias para cordas e uma décima terceira inacabada. O contexto histórico é decisivo para compreender a importância dessas obras. A Europa ainda vivia o impacto cultural do pós-Iluminismo e das transformações provocadas pelas Guerras Napoleônicas. A música instrumental atravessava um período de transição: o classicismo vienense de Wolfgang Amadeus Mozart e Joseph Haydn permanecia como modelo estrutural, enquanto a sombra monumental de Ludwig van Beethoven começava a redefinir os limites emocionais e formais da sinfonia.

É justamente nesse cruzamento histórico que as String Symphonies se tornam fascinantes. Embora sejam obras de estudo - compostas no ambiente intelectual privilegiado da família Mendelssohn, em Berlim - elas não soam como simples exercícios acadêmicos. O jovem compositor absorve a clareza formal herdada do século XVIII, mas injeta nela uma pulsação dramática já tipicamente romântica. A família Mendelssohn recebia inúmeros intelectuais em sua. É esse ambiente que forja Mendelssohn. É perceptível a influência de Bach na música do Mendelssohn adolescente.  

São trabalhos de muito bom gosto, que revelam a elegância advinda do classicismo, o rigor estrutural do barroco e doses precisas de romantismo. Afinal, Mendelssohn - mesmo tão jovem - já parecia sentir as mudanças do seu tempo, mas sem se recusar a prestigiar os grandes nomes - Bach, Haydn e Mozart. 

Não deixe de ouvir. Uma boa apreciação! 

Félix Mendelssohn (1809-1847) -  

DISCO 01

01. String Symphony VIII in D major - 1.1. Adagio e Grave - Allegro
02. 1.2. Adagio
03. 3. Menuetto - Trio Presto
04. 4. Allegro molto
05. String Symphony IX in C minor - 5.1. Grave - Allegro
06. 5.2. Andante
07. 3. Scherzo - trio Più lento (La Suisse)
08. 4. Allegro vivace - Presto - Più stretto
09. String Symphony X in B minor 5. Adagio - Allegro - Più presto

DISCO 02

01. String Symphony No.12 in G minor ; I. Fugue (Grave ; Allegro)
02. String Symphony No.12 in G minor ; II. Andante
03. String Symphony No.12 in G minor ; III. Allegro molto
04. String Symphony No.1 in C major ; I. Allegro
05. String Symphony No.1 in C major ; II. Andante
06. String Symphony No.1 in C major ; III. Allegro
07. String Symphony No.7 in D minor ; I. Allegro
08. String Symphony No.7 in D minor ; II. Andante amorevole
09. String Symphony No.7 in D minor ; III. Menuetto ; Trio (Vivace)
10. String Symphony No.7 in D minor ; IV. Allegro molto
11. String Symphony No.4 in C minor ; I. Grave ; Allegro
12. String Symphony No.4 in C minor ; II. Andante
13. String Symphony No.4 in C minor ; III. Allegro vivace
14. String Symphony No.6 in E flat major ; I. Allegro
15. String Symphony No.6 in E flat major ; II. Menuetto ; Trio I ; Menuetto da capo ; Trio II
16. String Symphony No.6 in E flat major ; III. Prestissimo

DISCO 03

01. String Symphony No.11 in F major - I. Adagio-Allegro molto-Adagio-Allegro
02. II. Scherzo (Commodo [Schweizerlied])
03. III. Adagio
04. IV. Menuetto (Allegro moderato)
05. V. Allegro moderato
06. String Symphony No.3 in E minor - I. Allegro di molto
07. II. Andante
08. III. Allegro
09. String Symphony No.2 in D major - I. Allegro
10. II. Andante
11. III. Allegro vivace
12. String Symphony No.5 in B-flat major - I. Allegro vivace
13. II. Andante
14. III. Presto
15. String Symphony No.13 in C minor [Sinfoniesatz] - Allegro molto

Concerto Köln 

Você pode comprar este disco na Amazon

*Para acessar o link, por favor, clicar na imagem.

*Se possível, deixe um comentário. Sua participação é importante. Ela ajuda a manter o nosso blog!

 

Johan Sebastian Bach (1685-1750) - Coffee Cantata BWV 211 e Peasant Cantata BWV 212

A chamada "Coffee Cantata" - oficialmente Schweigt stille, plaudert nicht (“Silêncio, parem de tagarelar”) - foi composta provavelmente entre 1732 e 1735. O libreto é de Christian Friedrich Henrici, colaborador frequente de Bach. A obra nasceu em um contexto muito específico: a explosão da cultura dos cafés na Europa Central. Em Leipzig, os cafés haviam se tornado pontos de encontro da burguesia, de estudantes e intelectuais, seguindo uma tendência iniciada em cidades como Londres e Paris.

O café, porém, era cercado de controvérsias. Muitos moralistas alemães viam o hábito como um luxo estrangeiro perigoso, associado à ociosidade e à decadência de costumes. A cantata explora esse debate em tom cômico: o pai Schlendrian tenta impedir sua filha Lieschen de beber café compulsivamente, ameaçando retirar privilégios e até impedir seu casamento. Lieschen, no entanto, resiste com humor e astúcia. Em uma das árias mais famosas da obra, ela declara que prefere mil beijos a abandonar o café.

Mais do que uma peça divertida, a cantata revela transformações sociais importantes. O consumo de café simbolizava o crescimento da classe média urbana e novos hábitos de sociabilidade. Também chama atenção o protagonismo feminino: Lieschen aparece como uma jovem que desafia a autoridade patriarcal e reivindica prazer individual - ainda que em tom caricatural. Para muitos historiadores da cultura, a obra funciona quase como uma “comédia burguesa em miniatura”. É Bach longe da seara do sagrado, falando a respeito do profano, da vida comum. 

Outro aspecto histórico relevante é o local provável de execução. Bach dirigia o Collegium Musicum de Leipzig, conjunto fundado por Georg Philipp Telemann, que realizava concertos no famoso Café Zimmermann. É bastante provável que a "Coffee Cantata" tenha sido apresentada justamente nesse ambiente, misturando música, entretenimento e convivência social. Isso ajuda a desmontar a imagem de Bach como compositor exclusivamente religioso: ele também produzia música voltada ao lazer urbano e ao consumo cultural.

Já a "Peasant Cantata BWV 212" - Mer hahn en neue Oberkeet (“Temos um novo senhor”) - pertence a outro universo social. Composta em 1742, foi criada para homenagear Carl Heinrich von Dieskau, administrador de propriedades rurais na região saxônica. O libreto também é de Picander e assume forma satírica e pastoral.

Diferentemente da sofisticação urbana da Coffee Cantata, a Peasant Cantata utiliza linguagem coloquial e caricaturas de camponeses para celebrar o senhor feudal local. A obra faz referência a impostos, trabalho agrícola, comida, bebida e relações de poder no campo. Embora festiva, ela oferece uma janela rara para o cotidiano rural da Alemanha do século XVIII.

A peça também evidencia a estrutura hierárquica do período. Era comum compositores escreverem obras ocasionais para aristocratas em troca de prestígio ou remuneração. A música funcionava como instrumento de celebração política e legitimação social. No entanto, Bach introduz um tom ambíguo: os personagens camponeses às vezes parecem exageradamente submissos, o que leva alguns estudiosos a enxergar ironia social por trás do humor.

Musicalmente, as duas cantatas mostram um Bach extremamente versátil. Na Coffee Cantata, predominam elegância melódica e teatralidade quase operística. Na Peasant Cantata, aparecem danças populares, melodias folclóricas e ritmos mais rústicos. Ambas demonstram como Bach absorvia elementos da vida cotidiana e os transformava em música sofisticada.

Disco maravilhoso. Não deixe de ouvir. Uma boa apreciação!

Johan Sebastian Bach (1685-1750) - 

01 Bach Coffee Cantata BWV211 1.Schweigt stille, plaudert nicht
02 Bach Coffee Cantata BWV211 2.Hat man nicht mit seinen Kindern
03 Bach Coffee Cantata BWV211 3.Du böses Kind, du loses Mädchen
04 Bach Coffee Cantata BWV211 4.Ei, wie schmeckt der Coffee süsse
05 Bach Coffee Cantata BWV211 5.Wenn du mir nicht den Coffee lässt
06 Bach Coffee Cantata BWV211 6.Mädchen, die von harten Sinnen
07 Bach Coffee Cantata BWV211 7.Nun folge, was dein Vater spricht
08 Bach Coffee Cantata BWV211 8.Heute noch, lieber Vater, tut est doch
09 Bach Coffee Cantata BWV211 9.Nun geht und sucht der alte Schlendrian
10 Bach Coffee Cantata BWV211 10.Die Katze lässt das Mausen nicht
11 Bach Peasant Cantata BWV212 1.Ouvertüre
12 Bach Peasant Cantata BWV212 2.Mer hahn en neue Oberkeet
13 Bach Peasant Cantata BWV212 3.Nu, Mieke, gib dein Guschel immer her
14 Bach Peasant Cantata BWV212 4.Ach es smchmeckt doch gar zu gut
15 Bach Peasant Cantata BWV212 5.Der Herr ist gut
16 Bach Peasant Cantata BWV212 6.Ach, Herrr Schösser
17 Bach Peasant Cantata BWV212 7.Es bleibt dabei
18 Bach Peasant Cantata BWV212 8.Unser trefflicher, lieber Kammerherr
19 Bach Peasant Cantata BWV212 9.Er hilft uns allen, alt und jung
20 Bach Peasant Cantata BWV212 10.Das ist galant
21 Bach Peasant Cantata BWV212 11.Und unsre gnädge Frau
22 Bach Peasant Cantata BWV212 12.Fünfzig Taler bares Geld
23 Bach Peasant Cantata BWV212 13.Im Ernst ein Wort!
24 Bach Peasant Cantata BWV212 14.Klein-Zschocher müsse so zart und süsse
25 Bach Peasant Cantata BWV212 15.Das ist zu klug vor dich
26 Bach Peasant Cantata BWV212 16.Es nehme zehntausend Dukaten
27 Bach Peasant Cantata BWV212 17.Das klingt zu liederlich
28 Bach Peasant Cantata BWV212 18.Gib, Schöne
29 Bach Peasant Cantata BWV212 19.Du hast wohl recht
30 Bach Peasant Cantata BWV212 20.Dein Wachstum sei feste
31 Bach Peasant Cantata BWV212 21.Und damit sei es auch genug
32 Bach Peasant Cantata BWV212 22.Und daß ihr's alle wißt
33 Bach Peasant Cantata BWV212 23.Mein Schatz, erraten!
34 Bach Peasant Cantata BWV212 24.Wir gehn nun

Academy of St. Martin-in-the-Fields
Sir Neville Marriner, regente
Julia Varadym soprano
Dietrich Fischer-Dieskau, baixo
Aldo Baldin, tenor 

Você pode comprar este disco na Amazon

*Para acessar o link, por favor, clicar na imagem.

*Se possível, deixe um comentário. Sua participação é importante. Ela ajuda a manter o nosso blog!

 

Maurice Ravel (1875-1937) - Piano Concerto in G major, Valses nobles et sentimentales e Piano Concerto in D major, for the left hand

Textinho de apresentação do disco:

Seus trinados no primeiro movimento do Concerto em Sol maior são simplesmente arrebatadores; as passagens rápidas no finale surgem com clareza cristalina, jamais apressadas, sempre elegantes. Sob a regência de Pierre Boulez, a Cleveland Orchestra responde com precisão impecável, explorando com entusiasmo a artificialidade luminosa e os momentos deliberadamente extravagantes da escrita de Maurice Ravel.

O mesmo refinamento se estende às Valses nobles, apresentadas com praticamente todas as nuances desejáveis - e nenhuma em excesso. A gravação privilegia a ambiência sonora, a ponto de algumas entradas orquestrais após grandes clímax soarem ligeiramente difusas. Fora isso, o nível de detalhe é cortante, um dos grandes atrativos do disco.

O hábito de Krystian Zimerman de cantarolar durante a execução pode distrair alguns ouvintes, especialmente no Concerto para a Mão Esquerda. Nessa obra, nem sempre fica claro se a London Symphony Orchestra encontra o equilíbrio ideal para sustentar as longas notas do tema principal, e percebe-se certa falta de tensão nos diálogos entre piano e orquestra. Ainda assim, a excelência do Concerto em Sol maior é tamanha que essas reservas quase passam despercebidas. Trata-se, afinal, de uma interpretação de rara distinção.

No Concerto para a Mão Esquerda, o pianismo fenomenal de Zimerman impõe sua própria lógica interpretativa - e oferece recompensas artísticas à altura.

Não deixe de ouvir. Uma boa apreciação! 

Maurice Ravel (1875-1937) -

01. Piano Concerto in G major - I. Allegramente [0:08:44.00]
02. Piano Concerto in G major - II. Adagio assai [0:09:23.00]
03. Piano Concerto in G major - III. Presto [0:04:06.00]
04. Valses nobles et sentimentales - I. Modere [0:01:15.25]
05. Valses nobles et sentimentales - II. Assez lent [0:02:35.63]
06. Valses nobles et sentimentales - III. Modere [0:01:42.42]
07. Valses nobles et sentimentales - IV. Assez anime [0:01:05.70]
08. Valses nobles et sentimentales - V. Presque lent [0:01:20.38]
09. Valses nobles et sentimentales - VI. Assez vif [0:00:40.62]
10. Valses nobles et sentimentales - VII. Moins vif [0:02:56.63]
11. Valses nobles et sentimentales - VIII. Epilogue, Lent [0:03:47.12]
12. Piano Concerto in D major, for the left hand [0:18:07.00]

The Cleveland Orchestra
London Symphony Orchestra
Pierre Boulez, regente
Krystian Zimerman, piano 

Você pode comprar este disco na Amazon

*Para acessar o link, por favor, clicar na imagem.

*Se possível, deixe um comentário. Sua participação é importante. Ela ajuda a manter o nosso blog!

 

Richard Strauss (1864-1949) - Elektra, Op. 58, TrV 223

Apresentada pela primeira vez em Dresden, em 1909, Elektra marcou a primeira de muitas colaborações entre Richard Strauss e o libretista Hugo von Hofmannsthal, consolidando-se como a mais modernista de todas as óperas do compositor. Inspirada na peça — profundamente reinterpretada — de Sófocles, a versão de Hofmannsthal concentra-se nos pensamentos e conflitos interiores de Elektra, explorados em diálogos individuais com diferentes membros de sua família.

A partitura de Strauss é marcada por ousadia harmônica incomum e ficou célebre pelo chamado “Acorde de Elektra”, combinação simultânea de Mi maior e Dó sustenido maior. A orquestração também impressiona pela grandiosidade - mesmo para os padrões do compositor - reunindo oito trompas, seis trompetes, tímpanos duplos e duas harpas.

A gravação foi realizada ao vivo em Bergen, em dezembro de 2023, sob regência de Edward Gardner, com elenco liderado pela soprano dramática sueca Iréne Theorin, considerada uma das maiores intérpretes de Elektra da atualidade.

Não deixe de ouvir. Uma boa apreciação!

Richard Strauss (1864-1949) - 

01. Elektra, Op. 58, TrV 223: Wo bleibt Elektra? (First, Second, Third, Fourth, Fifth Maid Servant, The Overseer) (6:21)
02. Elektra, Op. 58, TrV 223: Allein! Weh, ganz allein (Elektra) (9:17)
03. Elektra, Op. 58, TrV 223: Elektra! (Chrysothemis, Elektra) (2:31)
04. Elektra, Op. 58, TrV 223: Ich kann nicht sitzen und ins Dunkel starren (Chrysothemis, Elektra) (6:15)
05. Elektra, Op. 58, TrV 223: Es geht ein Lärm los (Elektra, Chrysothemis) (2:52)
06. Elektra, Op. 58, TrV 223: Was willst du? Seht doch, dort! (Klytemnestra) (4:43)
07. Elektra, Op. 58, TrV 223: Ich will Nichts hören! (Klytemnestra) (4:49)
08. Elektra, Op. 58, TrV 223: Ich habe keine guten Nächte (Klytemnestra, Elektra) (6:01)
09. Elektra, Op. 58, TrV 223: Wenn das rechte Blutopfer unter'm Beile fällt (Klytemnestra, Elektra) (4:57)
10. Elektra, Op. 58, TrV 223: Was bluten muß? (Elektra, Klytemnestra) (4:10)
11. Elektra, Op. 58, TrV 223: Orest! Orest - ist tot! (Chrysothemis, Elektra) (3:22)
12. Elektra, Op. 58, TrV 223: Platz da! Wer lungert so vor einer Tür? (Young Servant, Old Servant) (0:56)
13. Elektra, Op. 58, TrV 223: Nun muß es hier von uns geschehn (Elektra, Chrysothemis) (2:06)
14. Elektra, Op. 58, TrV 223: Wie stark du bist (Elektra, Chrysothemis) (4:52)
15. Elektra, Op. 58, TrV 223: Nun denn, allein (Elektra) (1:18)
16. Elektra, Op. 58, TrV 223: Was willst du, fremder Mensch? (Elektra, Orestes) (6:50)
17. Elektra, Op. 58, TrV 223: Wer bist denn du? (Orestes, Elektra) (2:26)
18. Elektra, Op. 58, TrV 223: Orest! (Elektra) (8:46)
19. Elektra, Op. 58, TrV 223: Was schaust du ängstlich um dich? (Elektra, Orestes, The Tutor of Orestes) (3:42)
20. Elektra, Op. 58, TrV 223: Ich habe ihm das Beil nicht geben können! (Elektra, Klytemnestra) (1:38)
21. Elektra, Op. 58, TrV 223: Es muß etwas geschehen sein (Chrysothemis, First, Second, Third, Fourth Maid Servants) (1:06)
22. Elektra, Op. 58, TrV 223: He, Lichter! Lichter! (Aegisthus, Elektra) (4:19)
23. Elektra, Op. 58, TrV 223: Helft! Mörder! (Aegisthus, Elektra) (1:05)
24. Elektra, Op. 58, TrV 223: Elektra! Schwester! (Chrysothemis, Chorus, Elektra) (3:27)
25. Elektra, Op. 58, TrV 223: Wir sind bei den Göttern, wir Vollbringenden (Elektra, Chrysothemis) (3:44)
26. Elektra, Op. 58, TrV 223: Schweig, und tanze! (Elektra, Chrysothemis) (2:20)

Bergen Philharmonic Orchestra
Edward Gardner, regente 

Você pode comprar este disco na Amazon

*Para acessar o link, por favor, clicar na imagem.

*Se possível, deixe um comentário. Sua participação é importante. Ela ajuda a manter o nosso blog!

 

Richard Wagner (1813-1883) - The Ring – An Orchestral Adventure

 

Sou um grande admirador da música de Wagner, apesar de o homem Wagner ser o crápula, uma figura - dizem - controversa. O fato é que o sujeito produziu uma música poderosa e imortal. Abaixo, um textinho explicando a existência do disco acima:

Em seu próximo álbum, o maestro Tarmo Peltokoski e a Hong Kong Philharmonic Orchestra apresentam momentos marcantes do monumental ciclo Ring, de Richard Wagner. Com arranjos envolventes assinados por Henk de Vlieger, The Ring: An Orchestral Adventure reúne, em formato orquestral condensado, algumas das passagens mais emocionantes, intensas e grandiosas já compostas na história da música clássica.

Em seu segundo álbum no catálogo da Deutsche Grammophon Peltokoski - aos apenas 25 anos - desponta como um forte representante de uma nova geração de intérpretes de Wagner. Como prévia do lançamento, já é possível ouvir a faixa “Trauermusik”, do 13º ato da obra.

Não deixe de ouvir. Uma boa apreciação! 

Richard Wagner (1813-1883) -

01 I. Vorspiel
02 II. Das Rheingold
03 III. Nibelheim
04 IV. Walhall
05 V. Die Walküren
06 VI. Feuerzauber
07 VII. Waldweben
08 VIII. Siegfrieds Heldentat
09 IX. Brünnhildes Erwachen
10 X. Siegfried und Brünnhilde
11 XI. Siegfrieds Rheinfahrt
12 XII. Siegfrieds Tod
13 XIII. Trauermusik
14 XIV. Brünnhildes Opfertat
15 V. Die Walküren (Single Edit)
16 VII. Waldweben (Single Edit)
17 XIII. Trauermusik (Single Edit)
18 XIV. Brünnhildes Opfertat (Single Edit)

Hong Kong Philharmonic Orchestra
Tarmo Peltokoski, regente

Você pode comprar este disco na Amazon

*Para acessar o link, por favor, clicar na imagem.

*Se possível, deixe um comentário. Sua participação é importante. Ela ajuda a manter o nosso blog!

 

Giovanni P. da Palestrina (1525/6-1594) - L'homme armé e Girolamo Cavazzoni (c.1525-after 1577) - Ricercare primo, secondo, terzo e quarto

Nascido por volta de 1525 na pequena cidade de Palestrina, próxima a Roma, Giovanni Pierluigi adotou o nome da cidade natal como sobrenome artístico. Desde cedo, esteve ligado à música religiosa, em um período em que a Igreja Católica exercia enorme influência sobre a produção cultural europeia.

Sua carreira floresceu justamente durante um dos momentos mais delicados da história da Igreja: a chamada Contrarreforma. Em resposta ao avanço do protestantismo, líderes católicos reunidos no Concílio de Trento discutiam mudanças profundas na liturgia e também na música utilizada nas celebrações religiosas. Muitos críticos consideravam que as composições da época haviam se tornado excessivamente complexas, dificultando a compreensão das palavras sagradas.

Foi nesse cenário que Palestrina ganhou notoriedade. Sua música oferecia exatamente aquilo que a Igreja buscava: clareza, serenidade e elevação espiritual. Utilizando a técnica do contraponto - combinação de várias melodias independentes que soam harmonicamente juntas - o compositor criou obras de extraordinária beleza sem sacrificar a compreensão do texto religioso.

Entre suas composições mais famosas está a Missa Papae Marcelli, frequentemente associada à ideia de que teria “salvado” a música polifônica dentro da Igreja Católica. Embora historiadores modernos considerem essa narrativa um pouco exagerada, a obra simboliza perfeitamente o estilo de Palestrina: vozes equilibradas, fluidez melódica e profunda sensação de transcendência.

Especialistas afirmam que sua influência ultrapassou o universo religioso. O chamado “estilo palestriniano” tornou-se referência obrigatória para o estudo da composição musical ocidental. Séculos depois, compositores como Johann Sebastian Bach e Wolfgang Amadeus Mozart reconheceriam a importância da tradição polifônica desenvolvida por ele.

Outro importante nome – curiosamente, nascido no mesmo ano em que Palestrina nasceu – é o de Girolamo Cavazzoni. Nascido em Bologna, por volta de 1525, Cavazzoni cresceu em uma família profundamente ligada à música. Seu pai, Marco Antonio Cavazzoni, já era conhecido como organista e compositor, o que colocou Girolamo em contato precoce com o ambiente musical refinado das cortes e igrejas italianas.

Em uma época marcada pelo florescimento artístico da Renascimento, Cavazzoni destacou-se principalmente como compositor de música instrumental - um campo ainda em consolidação naquele período. Enquanto boa parte da produção musical renascentista era dedicada ao canto religioso ou às canções vocais, ele concentrou esforços em desenvolver peças especificamente concebidas para instrumentos de teclado.

Sua principal contribuição foi o aperfeiçoamento da chamada “ricercare”, forma musical baseada na imitação entre vozes e considerada uma das precursoras da fuga barroca. Em suas composições, Cavazzoni explorava temas que se desenvolviam gradualmente, criando estruturas sofisticadas e expressivas para órgão e cravo.

Não deixe de ouvir. Uma boa apreciação! 

01 - Cavazzoni - Ricercare primo
02 - Palestrina - L'homme armé а 5 voci, Kyrie
03 - Palestrina - L'homme armé а 5 voci, Gloria
04 - Cavazzoni - Ricercare secondo
05 - Palestrina - L'homme armé а 5 voci, Credo
06 - Cavazzoni - Ricercare terzo
07 - Palestrina - L'homme armé а 5 voci, Sanctus
08 - Cavazzoni - Ricercare quarto
09 - Palestrina - L'homme armé а 5 voci, Agnus Dei I
10 - Palestrina - L'homme armé а 5 voci, Agnus Dei II

Soloists of the Chappella Musicale di S. Petronio di Bologna
Sergio Vartolo, direção e órgão 

Você pode comprar este disco na Amazon

*Para acessar o link, por favor, clicar na imagem.

*Se possível, deixe um comentário. Sua participação é importante. Ela ajuda a manter o nosso blog!