Ludwig van Beethoven (1770-1827) - Piano Trios, Op. 70 & 121

Três músicos de projeção internacional decidiram unir suas trajetórias em 2011 e deram origem ao Hamlet Piano Trio, conjunto que desde então vem conquistando crescente reconhecimento no cenário camerístico mundial. Seus integrantes já haviam construído carreiras sólidas tanto como solistas quanto como músicos de câmara, experiência que rapidamente se refletiu na identidade artística do trio. O primeiro álbum do grupo, dedicado aos Trios para Piano de Mendelssohn, recebeu elogios da crítica internacional. Neste novo lançamento, o conjunto volta-se para Ludwig van Beethoven e para a linguagem revolucionária que marcou seus primeiros anos em Viena.

Quando Beethoven chegou à capital austríaca, sua personalidade musical provocou reações contraditórias. Para muitos ouvintes da época, aquela música parecia excessivamente brutal, obstinada, inquieta e até inconveniente. O jovem pianista virtuose, porém, estava determinado a construir também uma carreira como compositor e pouco se importava com a incompreensão daqueles que ainda não estavam preparados para sua linguagem.

Essa determinação pode ser percebida até mesmo na maneira como Beethoven organizou sua produção. Ao estabelecer-se em Viena, praticamente deixou de lado as obras escritas anteriormente em Bonn e iniciou uma nova contagem de seu catálogo. Não por acaso, reservou o Opus 1 justamente para seus primeiros Trios para Piano, obras que funcionavam como uma espécie de cartão de apresentação do jovem compositor diante da sofisticada sociedade musical vienense.

A recepção, contudo, esteve longe de ser consensual. Um crítico da época reconheceu que Beethoven seguia um caminho próprio, mas classificou esse percurso como “bizarro e cansativo”. Reclamava da ausência de melodias facilmente reconhecíveis, das modulações inesperadas, das progressões harmônicas pouco convencionais e do acúmulo de dificuldades que, segundo ele, acabavam por esgotar a paciência e o prazer do ouvinte.

Beethoven respondeu com a concisão e a segurança que se tornariam características de sua personalidade: “Eles não entendem nada.” O tempo acabaria lhe dando razão. Anos depois, ainda lembrando daquele julgamento desfavorável, o compositor não hesitaria em chamar o crítico de “boi”.

A anedota ilustra de maneira eloquente o impacto causado pelos primeiros Trios para Piano de Beethoven. Aquilo que parte do público vienense interpretava como obstinação ou excentricidade era, na verdade, o surgimento de uma linguagem que começava a desafiar as convenções do classicismo e a ampliar os horizontes da música de câmara.

É justamente esse Beethoven inquieto, ousado e determinado a seguir seu próprio caminho que o Hamlet Piano Trio procura recuperar neste álbum. Depois da elogiada incursão pelo universo de Mendelssohn, o conjunto volta-se para as origens da trajetória vienense de um compositor que inicialmente desconcertou seus contemporâneos, mas cuja música acabaria por transformar definitivamente a história da tradição instrumental europeia".

Não deixe de ouvir. Uma boa apreciação! 

Ludwig van Beethoven (1770-1827) - 

01. Piano Trio No.5 in D Major, Op. 70 No.1 "Geister-Trio": I. Allegro vivace e con brio
02. Piano Trio No.5 in D Major, Op. 70 No.1 "Geister-Trio": II. Largo assai ed espressivo
03. Piano Trio No.5 in D Major, Op. 70 No.1 "Geister-Trio": III. Presto
04. Piano Trio in E-Flat Major, Op. 70 No.2: I. Poco sostenuto-Allegro ma non troppo
05. Piano Trio in E-Flat Major, Op. 70 No.2: II. Allegretto
06. Piano Trio in E-Flat Major, Op. 70 No.2: III. Allegretto man non troppo
07. Piano Trio in E-Flat Major, Op. 70 No.2: IV. Finale. Allegro
08. 10 Variations on 'Ich bin der Schneider Kakadu', Op.121a

Hamlet Piano Trio 

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Sergei Rachmaninov (1873-1943) - 24 Preludes

Os 24 Prelúdios de Sergei Rachmaninoff constituem uma das grandes sínteses do pianismo tardo-romântico. Neles, densidade emocional, lirismo delicado e virtuosismo explosivo convivem em equilíbrio permanente, formando um vasto panorama das possibilidades expressivas do piano. Justamente por suas elevadas exigências técnicas e pela complexidade de seu universo emocional, apresentações e gravações da integral permanecem menos frequentes do que as dedicadas a outras obras importantes do repertório pianístico.

É nesse contexto que se destaca a nova gravação da pianista sul-coreana Noh Ye-jin, realizada ao piano Fazioli F278. O lançamento não apenas acrescenta uma nova interpretação à extensa discografia de Rachmaninoff, mas também representa um marco particular: trata-se da primeira gravação integral dos 24 Prelúdios realizada por uma pianista coreana.

O projeto é resultado de aproximadamente quatro anos de preparação. Durante esse período, Noh Ye-jin dedicou-se ao estudo do conjunto como algo que ultrapassa uma simples sucessão de peças independentes. Seu trabalho procura revelar as melodias ocultas, as mudanças de atmosfera e as múltiplas camadas emocionais que atravessam essas páginas, construindo uma visão abrangente do universo pianístico de Rachmaninoff.

Mais do que vencer os formidáveis desafios técnicos impostos pela partitura, a intérprete demonstra especial atenção à dimensão lírica e introspectiva da música. Sua abordagem busca transformar os 24 Prelúdios em um percurso coerente e orgânico, no qual cada peça conserva sua personalidade ao mesmo tempo que participa de uma narrativa musical mais ampla.

O álbum representa, assim, um momento significativo na trajetória artística de Noh Ye-jin. Ao enfrentar um dos grandes monumentos do repertório para piano, a intérprete evidencia não apenas domínio técnico, mas também amadurecimento musical e sensibilidade para penetrar nas regiões mais íntimas da escrita de Rachmaninoff. O resultado promete enriquecer a discografia dedicada ao compositor e oferecer uma nova perspectiva sobre uma coleção que permanece entre as realizações mais exigentes e fascinantes do pianismo romântico.

Não deixe de ouvir. Uma boa apreciação! 

Sergei Rachmaninov (1873-1943) -

01. Prelude, Op. 3, No. 2 in C-sharp minor
02. 10 Preludes, Op. 23: Prelude, Op. 23, No. 1 in F-sharp minor
03. 10 Preludes, Op. 23: Prelude, Op. 23, No. 2 in B-flat major
04. 10 Preludes, Op. 23: Prelude, Op. 23, No. 3 in D minor
05. 10 Preludes, Op. 23: Prelude, Op. 23, No. 4 in D major
06. 10 Preludes, Op. 23: Prelude, Op. 23, No. 5 in G minor
07. 10 Preludes, Op. 23: Prelude, Op. 23, No. 6 in E-flat major
08. 10 Preludes, Op. 23: Prelude, Op. 23, No. 7 in C minor
09. 10 Preludes, Op. 23: Prelude, Op. 23, No. 8 in A-flat major
10. 10 Preludes, Op. 23: Prelude, Op. 23, No. 9 in E-flat minor
11. 10 Preludes, Op. 23: Prelude, Op. 23, No. 10 in G-flat major
12. 13 Preludes, Op. 32: Prelude, Op. 32, No. 1 in C major
13. 13 Preludes, Op. 32: Prelude, Op. 32, No. 2 in B-flat minor
14. 13 Preludes, Op. 32: Prelude, Op. 32, No. 3 in E major
15. 13 Preludes, Op. 32: Prelude, Op. 32, No. 4 in E minor
16. 13 Preludes, Op. 32: Prelude, Op. 32, No. 5 in G major
17. 13 Preludes, Op. 32: Prelude, Op. 32, No. 6 in F minor
18. 13 Preludes, Op. 32: Prelude, Op. 32, No. 7 in F major
19. 13 Preludes, Op. 32: Prelude, Op. 32, No. 8 in A minor
20. 13 Preludes, Op. 32: Prelude, Op. 32, No. 9 in A major
21. 13 Preludes, Op. 32: Prelude, Op. 32, No. 10 in B minor
22. 13 Preludes, Op. 32: Prelude, Op. 32, No. 11 in B major
23. 13 Preludes, Op. 32: Prelude, Op. 32, No. 12 in G-sharp minor
24. 13 Preludes, Op. 32: Prelude, Op. 32, No. 13 in D-flat major 

Yejin Noh, piano 

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Johann Sebastian Bach (1685-1750) - Brandenburg Concertos, Orchestral Suites

"Para os ouvintes mais familiarizados com a obra de Johann Sebastian Bach, é provável que já existam gravações favoritas dos Concertos de Brandemburgo e das Suítes Orquestrais. Para quem começa a explorar esse repertório, porém, esta coleção de três CDs, com Neville Marriner à frente da Academy of St Martin in the Fields, continua sendo uma opção particularmente atraente, combinando qualidade artística, excelente execução e uma abordagem acessível dessas obras fundamentais do barroco.

Realizadas em 1984 e 1985, as gravações conservam uma qualidade sonora bastante convincente para os padrões do início da era digital. Do ponto de vista interpretativo, Marriner não adota com o mesmo rigor as práticas historicamente informadas associadas a especialistas como Gustav Leonhardt ou Trevor Pinnock. Sua leitura, contudo, está longe de ignorar os conhecimentos musicológicos sobre o período. O resultado é um Bach elegante, vigoroso e musicalmente consistente, ainda que executado em instrumentos modernos — característica que poderá incomodar os defensores mais rigorosos dos instrumentos de época.

A Academy of St Martin in the Fields apresenta sua habitual excelência técnica. A execução é limpa, precisa e profundamente musical. Se a sonoridade não possui os timbres peculiares dos instrumentos históricos e pode parecer mais encorpada do que aquela preferida pelos admiradores de um barroco mais enxuto, dificilmente se poderá acusar essas interpretações de falta de vitalidade ou colorido.

Nos Concertos de Brandemburgo, Marriner privilegia energia e clareza, apoiado por solistas de excelente nível. O resultado é robusto e frequentemente empolgante. Um dos grandes destaques surge no Concerto de Brandemburgo nº 5, no qual George Malcolm assume o célebre solo de cravo com vigor e extraordinária presença, projetando-se claramente sobre o conjunto orquestral.

As interpretações das quatro Suítes Orquestrais também se destacam pelo cuidado técnico, pela aproximação criteriosa às práticas barrocas e pela qualidade da captação digital. Particularmente interessante é a Suíte nº 2 em Si menor, apresentada com um caráter mais vigoroso do que o habitual e executada com a mesma desenvoltura das suítes mais extrovertidas que a sucedem.

Nas Suítes nº 3 e nº 4, ambas em Ré maior, os metais assumem naturalmente posição de destaque, conferindo às interpretações um caráter festivo e jubiloso. Marriner e seus músicos exploram com entusiasmo essa dimensão cerimonial da escrita de Bach, sem comprometer a clareza das texturas.

O contraste mais expressivo aparece na célebre Ária da Suíte nº 3, posteriormente popularizada como Air on the G String. Aqui, a exuberância cede lugar à introspecção. A Academy interpreta a página com excepcional delicadeza, permitindo que sua serenidade melódica surja sem sentimentalismo excessivo.

Embora as décadas seguintes tenham produzido inúmeras gravações historicamente informadas capazes de oferecer perspectivas diferentes sobre essas obras, o Bach de Marriner mantém seu interesse. A elegância, a precisão e a vitalidade da Academy of St Martin in the Fields fazem desta coleção uma excelente introdução aos Concertos de Brandemburgo e às Suítes Orquestrais — e, mesmo para ouvintes experientes, um testemunho valioso de uma tradição interpretativa que soube conciliar o refinamento da orquestra moderna com uma compreensão cada vez mais profunda do estilo barroco".

Não deixe de ouvir. Uma boa apreciação! 

Johann Sebastian Bach (1685-1750) - 

DISCO 01

Brandenburg Concerto No. 1 in F major, BWV 1046
01. 1. Allegro
02. 2. Adagio
03. 3. Allegro
04. 4. Menuet 1 - Trio 1 - Menuet 2 - Polonaise - Menuet 3 - Trio 2 - Menuet 4

Brandenburg Concerto No. 2 in F major, BWV 1047
05. 1. Allegro
06. 2. Andante
07. 3. Allegro assai

Brandenburg Concerto No. 3 in G major, BWV 1048
08. 1. Allegro
09. 2. Adagio
10. 3. Allegro

Brandenburg Concerto No. 4 in G major, BWV 1049
11. 1. Allegro
12. 2. Andante
13. 3. Presto

DISCO 02

Brandenburg Concerto No. 5 in D major, BWV 1050
01. 1. Allegro
02. 2. Affettuoso
03. 3. Allegro

Brandenburg Concerto No. 6 in B flat major, BWV 1051
04. 1. Allegro
05. 2. Adagio ma non tanto
06. 3. Allegro

Orchestral Suite No. 1 in C major, BWV 1066
07. 1. Overture
08. 2. Courante
09. 3. Gavotte 1 & 2
10. 4. Forlane
11. 5. Menuet 1 & 2
12. 6. Bourrée 1 & 2
13. 7. Passepied 1 & 2

DISCO 03

Orchestral Suite No. 2 in B minor, BWV 1067
01. 1. Overture
02. 2. Rondeau
03. 3. Sarabande
04. 4. Bourrée 1 & 2
05. 5. Polonaise
06. 6. Menuet
07. 7. Badinerie

Orchestral Suite No. 3 in D major, BWV 1068
08. 1. Overture
09. 2. Air
10. 3. Gavotte 1 & 2
11. 4. Bourrée
12. 5. Gigue

Orchestral Suite No. 4 in D major, BWV 1069
13. 1. Overture
14. 2. Bourrée 1 & 2
15. 3. Gavotte
16. 4. Menuet 1 & 2
17. 5. Réjouissance

Academy of St Martin in the Fields
Neville Marriner, regente 

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Fondo Barocco - Baroque Cello Sonatas - Antonio Caldara, Giuseppe Sammartini, Wenceslaus Spourni e Giovanni Bononcini

"Quando se fala em sonatas barrocas para violoncelo e baixo contínuo, o repertório mais frequentemente lembrado costuma limitar-se às obras de Antonio Vivaldi e Benedetto Marcello. No entanto, para além desse cânone amplamente conhecido, existe um rico universo de composições que permanece injustamente à margem das salas de concerto e da discografia. É justamente esse patrimônio pouco explorado que este álbum se propõe a revelar.

Ao lado de nomes como Antonio Caldara, Giuseppe Sammartini e Giovanni Bononcini, o programa resgata ainda a figura praticamente esquecida de Wenceslaus Spourni. Nascido por volta de 1700 na Boêmia com o nome de Václav Spurný, o músico estabeleceu-se em Paris, onde conquistou reconhecimento como violoncelista e compositor. Sua produção, hoje raramente executada, evidencia a riqueza e a diversidade da escola barroca europeia para instrumentos de cordas.

A redescoberta desse repertório deve-se ao trabalho do Duo Fondo Barocco, formado pela violoncelista Marie Orsini-Rosenberg e pelo contrabaixista Herwig Neugebauer. Com espírito investigativo e profundo conhecimento das práticas interpretativas da música antiga, os dois músicos dedicam-se a recuperar obras que permaneceram durante séculos praticamente esquecidas, devolvendo-as ao público em interpretações marcadas por vitalidade e refinamento.

A cumplicidade artística entre os intérpretes revela-se na fluidez do diálogo entre violoncelo e baixo contínuo, valorizando tanto a riqueza melódica quanto a inventividade harmônica dessas páginas barrocas. Cada obra evidencia uma faceta distinta da escrita instrumental do período, demonstrando que a tradição da sonata para violoncelo foi muito mais ampla e diversificada do que normalmente sugere o repertório consagrado.

Mais do que uma curiosidade musicológica, este lançamento constitui um convite à redescoberta de compositores que contribuíram significativamente para a evolução da música instrumental do século XVIII. Graças às interpretações vivas e expressivas do Duo Fondo Barocco, essas verdadeiras joias do barroco voltam a ocupar o lugar que lhes cabe, enriquecendo o repertório e ampliando nossa compreensão da extraordinária diversidade da música europeia desse período".

Não deixe de ouvir. Uma boa apreciação! 

Antonio Caldara (1670–1736) - 

Sonata IV in D Minor (1735) for violoncello and basso continuo
01. Allegro
02. Largo
03. Allegro assai

Giuseppe Sammartini (1693-1750) -

Sonata III in A Minor for violoncello and basso continuo
04. Andante
05. Allegro
06. Minuet Allegro

Wenceslaus Spourni (1700-1754) - 

Sonata V in F Major for violoncello and basso continuo
07. Largo
08. Allegro
09. Grave
10. Tempo di Men(uet) Alternativement

Antonio Caldara (1670–1736) - 

Sonata XIV in A Minor (1735) for violoncello and basso continuo
11. Largo
12. Allegro
13. Aria Larghetto
14. Allegro e spiritoso

Giovanni Bononcini (1670-1747) - 

Sonata I in A Minor for violoncello and basso continuo
15. Andante
16. Allegro
17. Grazioso Minuet

Antonio Caldara (1670–1736) - 

Sonata II in D Major (1735) for violoncello and basso continuo
18. Allegro
19. Largo
20. Allegro

Fondo Barocco  

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Piotr I. Tchaikovsky (1840-1893) - Orchestral Works

"Esta coletânea reúne algumas das mais célebres páginas orquestrais e trechos de balé de Piotr Ilitch Tchaikovsky, oferecendo um panorama representativo da extraordinária capacidade do compositor russo de unir lirismo, brilho orquestral e intenso poder dramático. O álbum reafirma a força de uma parceria artística amplamente reconhecida pela crítica internacional: o maestro Dmitrij Kitajenko e a Orquestra Gürzenich de Colônia.

Desde que foi nomeado maestro honorário da tradicional formação alemã, em 2009, Kitajenko consolidou uma das mais importantes colaborações discográficas dedicadas ao repertório russo. Juntos, maestro e orquestra registraram as integrais das sinfonias de Dmitri Shostakovich, Sergei Prokofiev, Piotr Ilitch Tchaikovsky e Sergei Rachmaninoff, interpretações que receberam inúmeros prêmios internacionais e hoje figuram entre as principais referências da discografia contemporânea.

Essa afinidade com a música russa também se manifestou de forma marcante na gravação da ópera Iolanta, de Tchaikovsky, lançada em 2015. Reunindo Olesya Golovneva, Alexander Vinogradov e Andrei Bondarenko nos papéis principais, a produção foi amplamente elogiada pela crítica especializada e conquistou o prêmio de Ópera do Ano concedido pelo International Classical Music Awards (ICMA), consolidando ainda mais o prestígio da parceria entre Kitajenko e a Gürzenich.

Nesta nova coletânea, a experiência acumulada ao longo de anos de dedicação ao repertório do compositor traduz-se em interpretações de grande naturalidade e refinamento. As páginas orquestrais revelam toda a riqueza melódica e a sofisticada paleta de cores que caracterizam a escrita de Tchaikovsky, enquanto as seleções extraídas de seus balés evidenciam o vigor rítmico, a elegância da dança e a inesgotável capacidade narrativa que fizeram dessas partituras um patrimônio permanente da música ocidental.

Mais do que uma simples reunião de obras célebres, o álbum sintetiza uma trajetória artística marcada pela excelência interpretativa e pelo profundo conhecimento da tradição sinfônica russa. É uma gravação que confirma Dmitrij Kitajenko e a Orquestra Gürzenich de Colônia entre os mais importantes intérpretes contemporâneos da obra de Tchaikovsky, oferecendo ao público uma leitura ao mesmo tempo vibrante, elegante e fiel ao espírito do compositor".

Não deixe de ouvir. Uma boa apreciação!

Piotr I. Tchaikovsky (1840-1893) -

DISCO 01

01. The Queen of Spades, Op. 68, TH 10: Overture (03:56)
02. Capriccio italien, Op. 45, TH 47 (16:42)
03. The Snow Maiden, Op. 12, TH 19 (Excerpts): No. 1, Introduction (05:54)
04. The Snow Maiden, Op. 12, TH 19 (Excerpts): No. 10, Melodrama (04:47)
05. The Snow Maiden, Op. 12, TH 19 (Excerpts): No. 13, Dance of the Tumblers (04:49)
06. The Sleeping Beauty Suite, Op. 66a, TH 234: I. Introduction (05:03)
07. The Sleeping Beauty Suite, Op. 66a, TH 234: II. Adagio - III. Pas de caractère (06:39)
08. The Sleeping Beauty Suite, Op. 66a, TH 234: IV. Panorama (03:06)
09. The Sleeping Beauty Suite, Op. 66a, TH 234: V. Waltz (04:58)
10. Variations on a Rococo Theme, Op. 33, TH 57 (Ed. W. Fitzenhagen): Theme (02:37)
11. Variations on a Rococo Theme, Op. 33, TH 57 (Ed. W. Fitzenhagen): Var. 1 (00:51)
12. Variations on a Rococo Theme, Op. 33, TH 57 (Ed. W. Fitzenhagen): Var. 2 (01:19)
13. Variations on a Rococo Theme, Op. 33, TH 57 (Ed. W. Fitzenhagen): Var. 3 (03:52)
14. Variations on a Rococo Theme, Op. 33, TH 57 (Ed. W. Fitzenhagen): Var. 4 (02:00)
15. Variations on a Rococo Theme, Op. 33, TH 57 (Ed. W. Fitzenhagen): Var. 5 (03:43)
16. Variations on a Rococo Theme, Op. 33, TH 57 (Ed. W. Fitzenhagen): Var. 6 (02:35)
17. Variations on a Rococo Theme, Op. 33, TH 57 (Ed. W. Fitzenhagen): Var. 7 (02:10)

DISCO 02

01. String Quartet No. 1 in D Major, Op. 11: II. Andante cantabile, TH 63 (Version for Cello & String Orchestra) (07:10)
02. The Nutcracker, Op. 71, TH 14 (Excerpts): Overture (03:28)
03. The Nutcracker, Op. 71, TH 14 (Excerpts): No. 1, Decoration of the Christmas Tree (04:21)
04. The Nutcracker, Op. 71, TH 14 (Excerpts): No. 2, March (02:59)
05. The Nutcracker, Op. 71, TH 14 (Excerpts): No. 3, Children's Galop and Entry of the Parents (02:40)
06. The Nutcracker, Op. 71, TH 14 (Excerpts): No. 9, Waltz of the Snowflakes (07:23)
07. The Nutcracker, Op. 71, TH 14 (Excerpts): No. 12a, Divertissement. Chocolate [Spanish Dance] (01:20)
08. The Nutcracker, Op. 71, TH 14 (Excerpts): No. 12b, Divertissement. Coffee [Arabian Dance] (03:11)
09. The Nutcracker, Op. 71, TH 14 (Excerpts): No. 12c, Divertissement. Tea [Chinese Dance] (01:10)
10. The Nutcracker, Op. 71, TH 14 (Excerpts): No. 12d, Divertissement. Trépak [Russian Dance] (01:15)
11. The Nutcracker, Op. 71, TH 14 (Excerpts): No. 12e, Divertissement. Dance of the Reed Flutes (02:32)
12. The Nutcracker, Op. 71, TH 14 (Excerpts): No. 12f, Divertissement. Mother Gigogne and the Clowns (02:56)
13. The Nutcracker, Op. 71, TH 14 (Excerpts): No. 13, Waltz of the Flowers (07:36)
14. The Nutcracker, Op. 71, TH 14 (Excerpts): No. 14a, Pas de deux. Andante maestoso (05:25)
15. The Nutcracker, Op. 71, TH 14 (Excerpts): No. 14b, Pas de deux. Tarantella (00:43)
16. The Nutcracker, Op. 71, TH 14 (Excerpts): No. 14c, Pas de deux. Dance of the Sugarplum Fairy (02:32)
17. The Nutcracker, Op. 71, TH 14 (Excerpts): No. 14d, Pas de deux. Coda (01:34)
18. The Nutcracker, Op. 71, TH 14 (Excerpts): No. 15, Final Waltz and Apotheosis (05:45)

Gürzenich-Orchester Köln
Dmitri Kitayenko, regente 

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Demidenko plays Bach-Busoni

Há quem veja a transcrição musical como um exercício de adaptação, quase uma concessão prática. Ferruccio Busoni pensava exatamente o contrário. Para ele, toda execução já era, em alguma medida, uma transcrição: a passagem da ideia musical para o som. Sob essa perspectiva, recriar Johann Sebastian Bach para o piano não significava diminuir o original, mas revelar novas possibilidades expressivas de uma música capaz de sobreviver a qualquer meio. O álbum Bach-Busoni Transcriptions, interpretado pelo pianista russo Nikolai Demidenko, reúne algumas das mais célebres recriações do compositor italiano e oferece uma oportunidade privilegiada para compreender uma das mais fascinantes relações de continuidade da história da música.

Busoni foi uma das personalidades mais extraordinárias da vida musical europeia. Pianista de técnica monumental, compositor, regente, pensador e professor, enxergava a tradição não como um museu, mas como matéria viva. Admirador profundo de Bach, Beethoven e Liszt, defendia que as grandes obras permanecem essencialmente as mesmas, qualquer que seja o instrumento que lhes dê voz. Em um célebre texto de 1910, afirma que uma transcrição não destrói o original; ao contrário, revela sua essência sob outra linguagem. Essa ideia orienta todo o repertório reunido neste disco.

As obras escolhidas mostram diferentes facetas dessa concepção artística. A monumental Tocata e Fuga em Ré menor, BWV 565, originalmente escrita para órgão, transforma-se em um espetáculo pianístico de enorme impacto sonoro, sem perder a arquitetura contrapontística de Bach. A célebre Tocata, Adagio e Fuga em Dó maior, a fantasia coral Ich ruf' zu dir, Herr Jesu Christ e os demais prelúdios corais revelam outra dimensão de Busoni: a capacidade de preservar a espiritualidade da música sacra enquanto explora toda a riqueza tímbrica do piano moderno.

Talvez a obra mais comovente da coletânea seja o Capriccio sobre a partida do irmão muito amado, uma das primeiras composições de Bach. Busoni amplia suas possibilidades expressivas sem trair o caráter profundamente humano da peça. Cada episódio - o lamento, a despedida, a marcha e a fuga final - ganha nova densidade pianística, demonstrando que a transcrição pode ser também um exercício de interpretação histórica e afetiva.

O libreto insiste em um aspecto importante: Busoni jamais buscou imitar o órgão ou reproduzir mecanicamente a escrita bachiana. Seu objetivo era recriar a música segundo os recursos específicos do piano, aproveitando toda a extensão do teclado, as possibilidades de dinâmica, de pedalização e de coloração sonora disponíveis no instrumento moderno. Assim, suas transcrições não pretendem substituir Bach, mas estabelecer um diálogo entre dois criadores separados por quase dois séculos, unidos pela mesma ambição artística.

Essa postura diferencia Busoni de muitos transcritores românticos. Enquanto outros procuravam apenas tornar obras célebres acessíveis ao público dos salões, ele utilizava a transcrição como um laboratório de composição e interpretação. Cada página evidencia não apenas sua devoção ao mestre barroco, mas também sua própria personalidade criativa. O resultado pertence simultaneamente aos dois compositores: reconhecemos imediatamente Bach, mas também ouvimos a voz inconfundível de Busoni.

Nikolai Demidenko mostra-se o intérprete ideal para esse repertório. Pianista de extraordinária solidez técnica e refinamento intelectual, evita transformar essas obras em simples demonstrações de virtuosismo. Seu toque privilegia a clareza das vozes, a arquitetura do contraponto e a construção das grandes linhas musicais, permitindo que o ouvinte perceba tanto a grandeza de Bach quanto a inteligência criativa de Busoni.

Mais do que um recital de transcrições, este álbum convida à reflexão sobre a própria natureza da criação artística. Ele demonstra que a tradição não se preserva pela repetição literal, mas pela capacidade de dialogar com cada nova época. Nas mãos de Busoni, Bach não é um monumento intocável: continua vivo, respirando através do piano moderno, provando que as grandes obras jamais pertencem exclusivamente ao passado.

Não deixe de ouvir. Uma boa apreciação!

01 Toccata And Fugue In D Minor, BWV 565 - I.
02 Toccata And Fugue In D Minor, BWV 565 - II.
03 Chorale Prelude In F Minor 'Ich Ruf' zu Dir, Herr Jesu Christ' BWV 639
04 Capriccio In B-Flat Major _On The Departure Of A Beloved Brother_ BWV 992-Ario
05 Capriccio In B-Flat Major _On The Departure Of A Beloved Brother_ BWV 992-Fuga
06 Capriccio In B-Flat Major _On The Departure Of A Beloved Brother_ BWV 992-Adag
07 Capriccio In B-Flat Major _On The Departure Of A Beloved Brother_ BWV 992-Mars
08 Capriccio In B-Flat Major _On The Departure Of A Beloved Brother_ BWV 992-Aria
09 Capriccio In B-Flat Major _On The Departure Of A Beloved Brother_ BWV 992-Fuga
10 Chorale Prelude In G Minor _Nun Komm Der Heiden Heiland,_ BWV 659
11 Organ Prelude And Fugue In E-Flat Major, BWV 552 ('St. Anne') - I.
12 Organ Prelude And Fugue In E-Flat Major, BWV 552 ('St. Anne') - II.
13 Chorale Prelude In G Major _Nun Freut Euch, Lieben Christen Gmein,_ BWV 734
14 Toccata, Adagio And Fugue In C Major, BWV 564 - I - Prelude
15 Toccata, Adagio And Fugue In C Major, BWV 564 - II - Intermezzo
16 Toccata, Adagio And Fugue In C Major, BWV 564 - III - Fugue

Nikolai Demidenko, piano 

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Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) - Serenade in B flat major, ’Gran Partita’, K 361/370a e Ludwig van Beethoven (1770-1827) - Eight Variations on ‘Là ci darem la mano’

Entre todas as obras que Wolfgang Amadeus Mozart escreveu para instrumentos de sopro, nenhuma ocupa lugar tão privilegiado quanto a Serenata em Si bemol maior, K. 361, conhecida desde o século XIX como Gran Partita. Longe de ser apenas uma serenata destinada ao entretenimento aristocrático, trata-se de uma composição monumental que amplia os limites do gênero e demonstra que Mozart era capaz de conferir profundidade artística até mesmo à música escrita para ocasiões festivas. A gravação realizada por integrantes da Royal Concertgebouw Orchestra, sob a direção do oboísta Alexei Ogrintchouk, evidencia toda a riqueza dessa obra-prima e acrescenta, como complemento, as Oito Variações sobre "Là ci darem la mano", de Beethoven.

A Gran Partita nasceu em um momento em que a chamada Harmoniemusik vivia seu auge na Viena imperial. O imperador José II havia institucionalizado conjuntos de sopros destinados a acompanhar banquetes, celebrações e eventos públicos, estimulando uma intensa produção de arranjos operísticos e obras originais. Mozart, entretanto, foi muito além do que o gênero normalmente exigia. Em vez do habitual octeto de sopros, escreveu para treze instrumentos, distribuídos em sete movimentos que totalizam quase cinquenta minutos de música, conferindo à serenata dimensões praticamente sinfônicas e uma sofisticada unidade estrutural.

A data exata da composição permanece incerta, mas sabe-se que a obra já estava concluída em março de 1784, quando foi anunciada em um concerto beneficente do clarinetista Anton Stadler, grande amigo de Mozart e futuro destinatário do célebre Concerto para Clarinete. Um relato da época descreve o impacto causado pela execução da obra, elogiando tanto a qualidade da escrita quanto o virtuosismo dos treze instrumentistas. A grandiosidade da serenata era tamanha que provavelmente apenas parte dela foi apresentada naquela ocasião, a única execução documentada durante a vida do compositor.

Cada um dos sete movimentos revela um aspecto distinto da genialidade mozartiana. O amplo movimento inicial alterna momentos de delicada conversa entre os instrumentos e passagens de grande força coletiva, explorando sobretudo a sonoridade calorosa dos clarinetes e dos cornos di bassetto. O célebre Adagio, imortalizado também pelo filme Amadeus, permanece como um dos momentos mais sublimes já escritos para sopros: oboé, clarinete e corno di bassetto parecem dialogar como personagens de uma ópera, sustentados por uma textura orquestral de extraordinária serenidade. Os dois minuetos, a Romanze, o conjunto de variações e o vibrante rondó final demonstram a inesgotável capacidade de Mozart de combinar elegância formal, imaginação tímbrica e espontaneidade melódica.

O disco encerra-se com uma curiosidade histórica igualmente fascinante: as Oito Variações sobre "Là ci darem la mano", compostas por Beethoven a partir do famoso dueto de Don Giovanni. Na década de 1790, quando os arranjos de óperas constituíam parte importante do repertório para conjuntos de sopros, Beethoven escolheu transformar apenas esse trecho da ópera em uma refinada série de variações para dois oboés e corne inglês. Embora publicadas apenas após sua morte, elas revelam a profunda admiração do jovem Beethoven por Mozart e estabelecem um elo direto entre dois dos maiores compositores da história.

A interpretação dos músicos da Royal Concertgebouw Orchestra faz plena justiça a essa música. Sob a liderança de Alexei Ogrintchouk, o conjunto evita qualquer excesso de solenidade e privilegia a fluidez da conversação musical, característica essencial da escrita de Mozart. Cada instrumento possui personalidade própria, mas jamais perde de vista o equilíbrio coletivo, elemento que faz da Gran Partita um verdadeiro laboratório da música de câmara.

Mais de dois séculos após sua criação, a serenata continua impressionando pela modernidade de sua concepção. Ela demonstra que Mozart transformou uma forma originalmente destinada ao entretenimento em uma das maiores realizações da literatura para sopros. A Gran Partita não é apenas uma obra-prima do repertório camerístico: é uma demonstração definitiva de que, nas mãos de Mozart, até a música concebida para divertir podia alcançar a mais alta expressão artística".

Não deixe de ouvir. Uma boa apreciação!

Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) - 

Serenade in B flat major, ’Gran Partita’, K 361/370a
01. I. Largo - Molto allegro
02. II. Menuetto - Trio I & II
03. III. Adagio
04. IV. Menuetto. Allegretto - Trio I & II
05. V. Romanze. Adagio - Allegretto - Adagio & VI. Tema con variazioni
06. Tema. Andante
07. Variation 1
08. Variation 2
09. Variation 3
10. Variation 4
11. Variation 5
12. Variation 6
13. Variation 7

Ludwig van Beethoven (1770-1827) - 

Eight Variations on ‘Là ci darem la mano’
14. Thema. Andante
15. Variation I
16. Variation II
17. Variation III
18. Variation IV
19. Variation V
20. Variation VI
21. Variation VII
22. Variation VIII

Members of Concertgebouworkest
Alexei Ogrintchouk, oboé e direção

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Georg Philipp Telemann (1681-1767) - Fantasias for Viola da Gamba

"As Fantasias para Viola da Gamba de Georg Philipp Telemann ocupam um lugar de destaque no repertório do instrumento, constituindo um importante complemento à tradição germânica da música para viola da gamba. Ao lado das célebres Sonatas para Viola da Gamba e Cravo Obrigado, de Johann Sebastian Bach, essas obras figuram entre as mais relevantes contribuições do século XVIII para um instrumento que, embora gradualmente substituído pelo violoncelo, continuou a inspirar páginas de extraordinária riqueza musical.

As pesquisas musicológicas mais recentes indicam que as sonatas de Bach foram compostas no final da década de 1730 ou nos primeiros anos da década seguinte, poucos anos após a criação das fantasias de Telemann. Essa proximidade cronológica torna ainda mais interessante a comparação entre as duas abordagens, revelando diferentes perspectivas sobre as possibilidades expressivas da viola da gamba em um período de profundas transformações da linguagem barroca.

Enquanto Bach explora o diálogo refinado entre a viola da gamba e o cravo em uma escrita contrapontística de extraordinária complexidade, Telemann opta pela autonomia do instrumento solista, extraindo dele uma surpreendente variedade de recursos melódicos, harmônicos e técnicos. Suas fantasias demonstram profundo conhecimento das possibilidades da viola da gamba e evidenciam a capacidade do compositor de conciliar elegância formal, invenção temática e expressividade em obras de grande equilíbrio artístico.

Mais do que simples peças destinadas ao repertório do instrumento, as Fantasias para Viola da Gamba testemunham a extraordinária criatividade de Telemann em uma fase particularmente fértil de sua carreira. Em diálogo direto com a produção de Bach, elas reafirmam a importância do compositor na consolidação da literatura para cordas do período barroco e permanecem, ainda hoje, como obras indispensáveis para intérpretes e admiradores da música antiga".

Não deixe de ouvir. Uma boa apreciação!

Georg Philipp Telemann (1681-1767) - 

Fantasia I in C minor
01. I. Adagio
02. II. Allegro

Fantasia II in D major
03. I. Vivace
04. IIa. Andante
05. IIb. Vivace (Da capo)
06. III. Presto

Fantasia III in E minor
07. I. Largo
08. II. Presto
09. III. Vivace

Fantasia VI in G major
10. I. Scherzando
11. II. Dolce
12. III. Spirituoso

Fantasia VII in G minor
13. I. Andante
14. II. Vivace
15. III. Allegro

Fantasia VIII in A major
16. I. Allegro
17. II. Grave
18. III. Vivace

Fantasia IX in C major
19. I. Presto
20. II. Grave
21. III. Allegro

Fantasia X in E major
22. I. Dolce
23. II. Siciliana
24. III. Scherzando

Fantasia XI in D minor
25. I. Allegro
26. II. Grave
27. III. Allegro

Markus Kuikka, viola da gamba 

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George Gershwin (1898-1937) - Overture, Rhapsody in Blue, Promenade e Catfish Row

 Ao unir o universo da música de concerto às linguagens do jazz, do blues, do ragtime e da Broadway, ele criou um estilo que parecia refletir a própria pulsação de Nova York na primeira metade do século XX. O álbum Rhapsody in Blue, gravado pela Buffalo Philharmonic Orchestra sob a regência de JoAnn Falletta, reúne quatro obras que ilustram essa extraordinária capacidade de transformar a cultura popular em arte sinfônica: Rhapsody in Blue, Strike Up the Band – Overture, Promenade e a suíte Catfish Row, extraída da ópera Porgy and Bess.

A peça central do disco, naturalmente, é Rhapsody in Blue. Sua origem tornou-se parte da própria mitologia musical americana. Em 1924, o empresário Paul Whiteman encomendou a Gershwin uma obra para um concerto que buscava demonstrar o potencial artístico do jazz. O compositor, inicialmente relutante, encontrou a inspiração durante uma viagem de trem para Boston. Mais tarde, recordaria que ouviu ali um "caleidoscópio musical da América", com sua mistura de culturas, seu dinamismo urbano e sua energia inesgotável. A orquestração foi confiada a Ferde Grofé, cuja contribuição ajudou a transformar a obra em um dos maiores ícones da música do século XX.

O sucesso de Rhapsody in Blue reside justamente em sua recusa às fronteiras. Não é um concerto tradicional, tampouco uma simples peça de jazz. Sua famosa abertura, marcada pelo célebre glissando do clarinete, inaugura uma sucessão de temas líricos, passagens virtuosísticas e ritmos sincopados que capturam o espírito cosmopolita da América moderna. Mais de um século após sua estreia, continua sendo uma obra que parece sempre nova.

A Abertura de Strike Up the Band revela outra faceta de Gershwin: o mestre da Broadway. O musical, revisado em 1929 com letras de Ira Gershwin, satiriza a política internacional ao imaginar uma guerra entre Estados Unidos e Suíça por causa da produção de chocolate. A abertura, posteriormente orquestrada por Don Rose, preserva o brilho teatral da partitura, combinando marchas, melodias irresistíveis e uma exuberância tipicamente americana.

Mais delicada é Promenade, reconstruída por Ira Gershwin após a morte do compositor a partir da trilha sonora do filme Shall We Dance (1937), estrelado por Fred Astaire e Ginger Rogers. Adaptada para clarinete e orquestra, a peça evidencia um Gershwin elegante e refinado, capaz de criar melodias de extraordinária leveza. A escrita transparente faz dela uma pequena joia, frequentemente eclipsada pelas obras mais famosas, mas igualmente reveladora de seu talento melódico.

A gravação culmina com Catfish Row, suíte sinfônica baseada em Porgy and Bess. A ópera, recebida com reservas por parte da crítica em sua estreia de 1935, foi definida por Gershwin como uma "folk opera", justamente por fundir técnicas da tradição operística europeia com elementos da música afro-americana. A suíte reúne alguns dos momentos mais memoráveis da obra - incluindo referências a Summertime, I Got Plenty o' Nuttin' e Oh Lawd, I'm on My Way - organizados em cinco movimentos que alternam lirismo, tensão dramática e exuberância orquestral. Restaurada por Steven D. Bowen a partir da versão originalmente conduzida por Gershwin, ela reafirma o extraordinário alcance dramático de sua última grande criação.

Sob a direção de JoAnn Falletta, a Buffalo Philharmonic Orchestra encontra o equilíbrio ideal entre sofisticação sinfônica e espontaneidade jazzística. O pianista Orion Weiss enfrenta as exigências virtuosísticas de Rhapsody in Blue com brilho e naturalidade, enquanto o clarinetista John Fullam confere charme especial a Promenade.

Mais do que uma coletânea de sucessos, este álbum demonstra que Gershwin foi um dos raros compositores capazes de transformar a linguagem cotidiana de seu país em patrimônio universal. Sua música continua soando moderna porque nasceu da convivência entre culturas, ritmos e tradições diversas - uma síntese sonora da própria experiência americana.

Não deixe de ouvir. Uma boa apreciação! 

George Gershwin (1898-1937) - 

01 - Overture (From _Strike Up the Band_) [Arr. D. Rose for Orchestra]
02 - Rhapsody in Blue (Arr. F. Grofé for Piano & Orchestra)
03 - Promenade (Arr. S. Berkowitz for Clarinet & Orchestra)
04 - Catfish Row (Arr. S. Bowen for Orchestra)_ I. Catfish Row
05 - Catfish Row (Arr. S. Bowen for Orchestra)_ II. Porgy Sings
06 - Catfish Row (Arr. S. Bowen for Orchestra)_ III. Fugue
07 - Catfish Row (Arr. S. Bowen for Orchestra)_ IV. Hurricane
08 - Catfish Row (Arr. S. Bowen for Orchestra)_ V. Good Mornin' Sistuh!

Buffalo Philharmonic Orchestra
Joann Falletta, regente
Orion Weiss, piano
John Fullam, clarinete 

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Edgar Meyer (1960 - ) - Quintett für Streichquartett und Kontrabass e Ned Rorem (1923-2022) - Streichquartett Nr. 4

"Embora Edgar Meyer ainda não seja um nome amplamente conhecido entre o grande público da música clássica, sua obra ocupa um lugar singular na produção contemporânea norte-americana. Contrabaixista virtuose, compositor de linguagem inconfundível e um dos maiores responsáveis pela valorização de seu instrumento como protagonista, Meyer construiu um catálogo que une tradição e originalidade, refletindo uma sonoridade profundamente enraizada na cultura dos Estados Unidos. Em sua música convivem ecos da paisagem americana evocada por Aaron Copland, o lirismo de Walt Whitman, a inventividade de Charles Ives e o universo literário de William Faulkner.

Além de dominar um dos instrumentos mais desafiadores da orquestra, Meyer desenvolveu uma produção composicional expressiva, explorando como poucos as possibilidades técnicas e sonoras do contrabaixo. Seu conhecimento íntimo do instrumento confere às obras uma escrita natural e altamente idiomática, capaz de expandir significativamente o repertório camerístico contemporâneo.

Entre os destaques deste álbum encontra-se o Quinteto para Cordas, uma das mais inspiradas realizações do compositor. Escrito para quarteto de cordas e contrabaixo, a obra combina melodias de grande beleza e caráter contemplativo com uma linguagem harmônica sofisticada e constantemente inventiva. A interpretação ganha força adicional pela participação do próprio Edgar Meyer ao lado do consagrado Emerson String Quartet, parceria que evidencia todo o potencial artístico da composição e reforça sua vocação para integrar o repertório permanente da música de câmara. Não por acaso, trata-se de uma obra que dialoga naturalmente com o célebre Quinteto “A Truta”, de Schubert, constituindo uma combinação particularmente feliz em programas de concerto.

O álbum inclui ainda o Quarteto de Cordas nº 4, de Ned Rorem, compositor mais conhecido por sua vasta produção de canções do que por sua música instrumental. Nesta gravação, porém, o Emerson String Quartet demonstra toda a riqueza expressiva da partitura, oferecendo uma interpretação de extraordinária precisão e sensibilidade. O resultado revela uma obra de grande interesse, capaz de despertar a curiosidade do ouvinte para o restante da produção camerística de Rorem.

No conjunto, o disco representa um encontro inspirador entre dois importantes compositores norte-americanos contemporâneos. Ao lado da excelência interpretativa do Emerson String Quartet, a presença de Edgar Meyer confere autenticidade e vigor a uma gravação que ilumina um repertório ainda pouco explorado. Para muitos ouvintes, este álbum poderá servir como porta de entrada para o universo criativo de Meyer, conduzindo naturalmente à descoberta de outras gravações marcantes de sua carreira, entre elas o celebrado Appalachia Waltz, realizado em parceria com o violoncelista Yo-Yo Ma.

Mais do que uma excelente gravação de música de câmara, este lançamento reafirma Edgar Meyer como uma das vozes mais originais da música americana contemporânea e confirma seu papel decisivo na ampliação dos horizontes artísticos do contrabaixo. É um registro que merece lugar de destaque na discografia recente e uma audição altamente recomendável para todos os admiradores da música de câmara".

Não deixe de ouvir. Uma boa apreciação! 

01. Quintett für Streichquartett und Kontrabass - Movement I
02. Quintett für Streichquartett und Kontrabass - Movement II
03. Quintett für Streichquartett und Kontrabass - Movement III
04. Quintett für Streichquartett und Kontrabass - Movement IV
05. Rorem: Streichquartett Nr. 4 - Minotaur
06. Rorem: Streichquartett Nr. 4 - Child Holding A Dove
07. Rorem: Streichquartett Nr. 4 - Acrobat On A Ball
08. Rorem: Streichquartett Nr. 4 - Still Life
09. Rorem: Streichquartett Nr. 4 - Seated Harlequin
10. Rorem: Streichquartett Nr. 4 - Head Of A Boy
11. Rorem: Streichquartett Nr. 4 - Basket Of Flowers
12. Rorem: Streichquartett Nr. 4 - Self Portrait
13. Rorem: Streichquartett Nr. 4 - Three Nudes
14. Rorem: Streichquartett Nr. 4 - Death Of Harlequin

Emerson String Quartet 

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George Bizet (1838-1875) - Symphony in C Major, GB 115, Charles Gounod (1818-1893) - Symphony No. 1 in D Major, CG 527 e Camille Saint-Säens (1835--1921) - Symphony in A Major, R. 159

Há uma ironia curiosa na história da música francesa do século XIX. Enquanto Paris se rendia à ópera italiana e aos grandes espetáculos líricos, alguns jovens compositores insistiam em cultivar um gênero que parecia deslocado naquele ambiente: a sinfonia. O álbum Premières Symphonies, gravado pela Orquestra Filarmônica de Monte Carlo sob a regência de Kazuki Yamada, reúne justamente três dessas obras inaugurais - de Georges Bizet, Charles Gounod e Camille Saint-Saëns - e revela um momento decisivo da formação da escola sinfônica francesa.

O caso de Georges Bizet talvez seja o mais surpreendente. Conhecido mundialmente por Carmen, ele escreveu sua Sinfonia em Dó maior aos dezessete anos, em 1855, inspirado pela Primeira Sinfonia de Gounod, da qual havia preparado uma redução para piano a quatro mãos. O próprio compositor nunca autorizou sua publicação, e a partitura permaneceu esquecida até ser redescoberta em 1932. Hoje, porém, ela é reconhecida como uma das mais brilhantes obras juvenis de toda a literatura orquestral. Sua escrita alia a clareza clássica herdada de Haydn e Beethoven ao lirismo que mais tarde marcaria suas óperas, deixando entrever também influências de Mendelssohn e Rossini. Partes da sinfonia seriam reaproveitadas posteriormente em Don Procopio e Les Pêcheurs de Perles, prova de que Bizet jamais abandonou completamente essa inspiração juvenil.

A Primeira Sinfonia de Charles Gounod nasceu em circunstâncias bem diferentes. Após o fracasso da ópera La Nonne sanglante, retirada de cartaz poucas apresentações depois da estreia, o compositor encontrou na escrita sinfônica uma forma de recomeçar. O resultado foi uma obra de extraordinária leveza e elegância, recebida calorosamente pelo público em 1855. Embora alguns contemporâneos a vissem como uma alternativa "francesa" ao sinfonismo germânico, a verdade é que Gounod dialoga abertamente com Haydn, Beethoven e Schubert. A partitura combina frescor melódico, equilíbrio formal e uma escrita orquestral transparente, revelando um compositor que compreendia profundamente a tradição vienense sem perder sua personalidade.

Ainda mais precoce foi Camille Saint-Saëns, que escreveu sua chamada Sinfonia nº 0 aos quinze anos, três anos antes de sua Primeira Sinfonia oficial. Em uma França dominada pela ópera, a escolha do gênero sinfônico já representava, por si só, uma declaração estética. Admirador apaixonado de Mozart e Beethoven, Saint-Saëns construiu uma obra marcada pelo rigor clássico, pela elegância formal e por uma surpreendente maturidade técnica. Embora ainda revele ecos do romantismo nascente, sua arquitetura musical antecipa a clareza que se tornaria uma das marcas de sua produção posterior. O jovem compositor demonstra, desde cedo, uma rara capacidade de equilibrar tradição e originalidade.

O grande mérito deste lançamento está justamente em mostrar que essas partituras não são meras curiosidades biográficas. Elas documentam o nascimento de uma tradição sinfônica francesa que, décadas depois, alcançaria pleno amadurecimento com Franck, d'Indy, Chausson, Dukas, Roussel e Debussy. Ouvindo essas primeiras experiências, percebe-se que a identidade musical francesa não surgiu de forma abrupta, mas foi construída gradualmente, a partir do diálogo entre o legado clássico germânico e uma sensibilidade melódica tipicamente francesa.

Sob a direção de Kazuki Yamada, a Orquestra Filarmônica de Monte Carlo enfatiza justamente essa continuidade histórica. As interpretações privilegiam transparência, leveza e refinamento tímbrico, evitando excessos românticos e permitindo que o frescor dessas obras juvenis apareça com naturalidade. O resultado é um registro que interessa não apenas aos admiradores de Bizet, Gounod e Saint-Saëns, mas a qualquer ouvinte disposto a descobrir como três jovens compositores ajudaram a lançar as bases de uma das mais ricas tradições orquestrais da Europa.

Não deixe de ouvir. Uma boa apreciação! 

DISCO 01

01 - Symphony in C Major, GB 115_ I. Allegro vivo
02 - Symphony in C Major, GB 115_ II. Adagio
03 - Symphony in C Major, GB 115_ III. Allegro vivace - Trio
04 - Symphony in C Major, GB 115_ IV. Allegro vivace
05 - Symphony No. 1 in D Major, CG 527_ I. Allegro molto
06 - Symphony No. 1 in D Major, CG 527_ II. Allegro moderato
07 - Symphony No. 1 in D Major, CG 527_ III. Scherzo. Non troppo presto - Trio
08 - Symphony No. 1 in D Major, CG 527_ IV. Finale. Adagio - Allegro vivace

DISCO 02

01 - Symphony in A Major, R. 159_ I. Poco Adagio - Allegro vivace
02 - Symphony in A Major, R. 159_ II. Larghetto
03 - Symphony in A Major, R. 159_ III. Scherzo. Allegro vivace - Trio
04 - Symphony in A Major, R. 159_ IV. Finale. Allegro molto - Presto

Orchestre Philharmonique de Monte-Carlo
Kazuki Yamada, regente 

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Martha Argerich - The Piano Concertos Collection - Prokofiev, Beethoven, Shostakovich, Ravel, J.S. Bach e Tchaikovsky

"The Piano Concertos Collection reúne, em dezenove faixas, um amplo panorama da extraordinária arte pianística de Martha Argerich, uma das intérpretes mais admiradas e influentes da atualidade. Gravado integralmente ao vivo, o álbum registra a pianista argentina em diferentes momentos de sua carreira, revelando a intensidade, a espontaneidade e o virtuosismo que a transformaram em uma referência incontornável da interpretação pianística.

O repertório percorre algumas das mais importantes páginas do concerto romântico, sem deixar de lado obras marcantes do século XX. Essa diversidade permite acompanhar as múltiplas facetas da personalidade musical de Argerich, capaz de transitar com igual naturalidade entre o lirismo, a exuberância técnica e a profundidade expressiva.

Ao longo da coletânea, a pianista divide o palco com um elenco de prestigiados maestros e orquestras. Entre eles destacam-se Charles Dutoit à frente da Orquestra Filarmônica de Israel, Lahav Shani, Sylvain Cambreling dirigindo a Orquestra Sinfônica de Hamburgo e o pianista Adrian Iliescu, parceiros que contribuem para evidenciar diferentes aspectos da interpretação da artista. Cada colaboração acrescenta novas cores ao conjunto, oferecendo leituras marcadas pelo diálogo constante entre solista e orquestra.

O programa percorre universos estéticos bastante distintos. A energia impetuosa dos concertos de Sergei Prokofiev evidencia o vigor e a ousadia técnica de Argerich, enquanto a escrita refinada de Maurice Ravel revela sua precisão cristalina e extraordinária riqueza de timbres. Em contraste, as obras de Johann Sebastian Bach e Ludwig van Beethoven permitem apreciar uma intérprete de rara profundidade musical, capaz de conciliar rigor estrutural, sensibilidade poética e intensa comunicação emocional.

Mais do que uma simples antologia, The Piano Concertos Collection constitui um retrato abrangente de uma artista cuja carreira redefiniu os padrões da interpretação pianística nas últimas décadas. A atmosfera das apresentações ao vivo acrescenta um elemento de espontaneidade que intensifica a força de cada execução, preservando a tensão criativa e a emoção do momento irrepetível do concerto.

Para admiradores de longa data, a coletânea oferece uma síntese eloquente das qualidades que fizeram de Martha Argerich uma verdadeira lenda do piano. Para novos ouvintes, representa uma excelente porta de entrada para o universo artístico de uma intérprete cuja combinação de técnica fulgurante, imaginação musical e intensidade expressiva continua a estabelecer um parâmetro de excelência na música de concerto".

Não deixe de ouvir. Uma boa apreciação!  

01. Piano Concerto No. 3 in C Major, Op. 26: I. Andante – Allegro
02. Piano Concerto No. 3 in C Major, Op. 26: II. Tema con variazioni
03. Piano Concerto No. 3 in C Major, Op. 26: III. Allegro ma non troppo
04. Piano Concerto in B-Flat Major No. 2, Op. 19: I. Allegro con brio
05. Piano Concerto in B-Flat Major No. 2, Op. 19: II. Adagio
06. Piano Concerto in B-Flat Major No. 2, Op. 19: III. Rondo. Molto allegro
07. Concerto for Piano, Trumpet and String Orchestra in C Minor, Op. 35: I. Allegro moderato
08. Concerto for Piano, Trumpet and String Orchestra in C Minor, Op. 35: II. Lento
09. Concerto for Piano, Trumpet and String Orchestra in C Minor, Op. 35: III. Moderato
10. Concerto for Piano, Trumpet and String Orchestra in C Minor, Op. 35: IV. Allegro con brio
11. Piano Concerto in G Major: I. Allegramente
12. Piano Concerto in G Major: II. Adagio assai
13. Piano Concerto in G Major: III. Presto
14. Concerto for Four Harpsichords and Strings in A Minor, BWV. 1065: I. Allegro
15. Concerto for Four Harpsichords and Strings in A Minor, BWV. 1065: II. Largo
16. Concerto for Four Harpsichords and Strings in A Minor, BWV. 1065: III. Allegro
17. Piano Concerto No. 1 in B Minor, Op. 23: II. Andantino semplice – Prestissimo – Tempo I
18. Piano Concerto No. 1 in B Minor, Op. 23: III. Allegro con fuoco
19. Piano Concerto No. 1 in B Minor, Op. 23: I. Allegro non troppo e molto maestoso

Symphoniker Hamburg
Sylvain Cambreling, regente
Israel Philharmonic Orchestra
Lahav Shani, regente
Symphoniker Hamburg
Charles Dutoit
Sergei Nakariakov, trumpete
Martha Argerich, piano
 

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Benjamin Britten (1913-1976) - Violin Concerto, Op. 15 e Paul Hindemith (1895-1963) - Violin Concerto

Os Concertos para violino de Paul Hindemith e Benjamin Britten, foram compostos praticamente no mesmo período - às vésperas da Segunda Guerra Mundial.. O livreto que acompanha esta gravação da violinista Arabella Steinbacher, com a Rundfunk-Sinfonieorchester Berlin sob a direção de Vladimir Jurowski, propõe justamente essa leitura: dois compositores de países diferentes, ambos obrigados a deixar suas pátrias em 1939, traduzindo em música a instabilidade política, o exílio e a incerteza de uma Europa à beira do colapso.

A própria Arabella Steinbacher afirma que a reunião dessas duas obras não é casual. Para ela, ambas são "repletas de turbulência emocional, insegurança persistente e desespero latente". Além da enorme exigência técnica, a violinista ressalta a dimensão pessoal da gravação: seu pai conheceu Hindemith e trabalhou ao lado do compositor durante os ensaios da ópera Die Harmonie der Welt, o que lhe confere uma ligação afetiva especial com o concerto.

O Concerto para violino de Paul Hindemith, concluído em julho de 1939, nasce diretamente da experiência do exílio. Perseguido pelo regime nazista, rotulado como representante da chamada "arte degenerada", o compositor refugiou-se na Suíça antes de seguir para os Estados Unidos. Nesse contexto, escreveu uma obra que procura recuperar os valores da grande tradição clássica, aproximando-se deliberadamente do modelo de Beethoven: três movimentos, sólida arquitetura formal e um diálogo equilibrado entre o solista e a orquestra.

Embora a linguagem permaneça moderna, Hindemith evita experimentalismos excessivos. Seu concerto combina lirismo contínuo com extraordinária dificuldade técnica. A escrita violinística exige virtuosismo permanente, mas nunca em detrimento da construção melódica. O primeiro movimento remete discretamente ao Concerto de Beethoven; o segundo desenvolve um delicado diálogo entre o violino e os sopros; o finale culmina numa disputa quase heroica entre o solista e a massa orquestral. Como observou o musicólogo Michael Heinemann, trata-se menos de uma obra revolucionária do que de uma afirmação consciente da permanência dos valores clássicos em tempos de crise.

O concerto de Benjamin Britten, por sua vez, reflete outra perspectiva sobre o mesmo momento histórico. Pacifista convicto, o compositor deixou a Inglaterra em 1939 ao lado de Peter Pears e concluiu a obra durante sua permanência no Canadá. Curiosamente, apesar de ter sido escrita na América do Norte, a partitura guarda forte influência da Espanha, resultado do contato de Britten com o violinista Antonio Brosa e da profunda impressão que lhe causou a Guerra Civil Espanhola.

Se Hindemith procura estabilidade formal, Britten opta pela fragmentação dramática. Seu concerto elimina o tradicional movimento lento e organiza-se em torno de dois movimentos líricos que cercam um violento scherzo central. O finale assume a forma de uma passacaglia inspirada em Henry Purcell, mas conduz a um desfecho deliberadamente aberto, sem verdadeira resolução. A obra alterna momentos de beleza quase etérea com explosões de tensão e exige do violinista um grau de virtuosismo que levou Jascha Heifetz a considerá-la praticamente "impossível de tocar".

A reunião desses dois concertos revela um aspecto fascinante da música do século XX. Embora partam de linguagens distintas, Hindemith e Britten respondem ao mesmo contexto histórico: ambos transformam a inquietação política em arte, preservando o concerto para violino como espaço de confronto entre indivíduo e coletividade. O solista deixa de ser apenas um virtuose e passa a representar uma voz humana que resiste diante das grandes forças da história.

A interpretação de Arabella Steinbacher confirma essa leitura. Seu toque alia rigor técnico, sonoridade luminosa e intensa expressividade, enquanto Vladimir Jurowski conduz a orquestra berlinense com clareza estrutural e grande senso dramático. O resultado é muito mais do que uma reunião de dois concertos importantes: trata-se de um retrato musical de uma Europa em crise, visto através de duas das mais notáveis partituras para violino escritas no século XX.

Não deixe de ouvir. Uma boa apreciação!

01 - I. Moderato con moto
02 - II. Vivace – Largamente – Cadenza
03 - III. Passacaglia. Andante lento, un poco meno mosso
04 - I. Mäßig bewegte Halbe
05 - II. Langsam
06 - III. Lebhaft

Rundfunk-Sinfonieorchester Berlin
Vladimir Jurowski, regente

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Antonio Vivaldi (1678-1741) - Concerti per flauto

Embora seja lembrado sobretudo pelos concertos para violino e por As Quatro Estações, Vivaldi também dedicou atenção especial à família das flautas doces e da flauta transversal, deixando um conjunto de obras que revela não apenas extraordinária inventividade melódica, mas também profundo conhecimento das características de cada instrumento.

Este disco abre com o Concerto RV 444, escrito para flautino (a flauta doce sopranino), uma obra de virtuosismo impressionante. Ao lado dos concertos RV 443 e RV 445, forma um verdadeiro tríptico: movimentos extremos de enorme dificuldade técnica envolvem um movimento lento de caráter lírico e contemplativo, demonstrando a capacidade de Vivaldi de equilibrar brilho instrumental e expressão cantabile. Curiosamente, os manuscritos permitem que essas peças sejam executadas em outro tipo de flauta mediante transposição, mas Antonini opta pelas versões originais para sopranino, preservando seu brilho característico.

Outro ponto alto é o célebre Concerto "La tempesta di mare" (RV 433), pertencente ao Opus 10, primeira coleção impressa de um compositor italiano dedicada especificamente à flauta transversal. Na interpretação de Antonini, essa escolha resulta em uma sonoridade mais aveludada e evidencia o caráter pictórico da música, que traduz em sons o movimento imprevisível das ondas e dos ventos.

O disco reserva ainda uma agradável surpresa: o movimento "Cum dederit", do salmo Nisi Dominus (RV 608), aparece sem voz, substituída pelo chalumeau, instrumento de palheta simples que antecedeu o clarinete moderno. A opção não é arbitrária: Vivaldi frequentemente associava o chalumeau à voz humana, explorando seu timbre quente e melancólico. O resultado é uma leitura de rara delicadeza, que amplia nossa compreensão sobre as possibilidades sonoras do período barroco.

Os concertos RV 441 e RV 442, por sua vez, revelam um Vivaldi mais introspectivo. O primeiro apresenta um clima mais sombrio, típico da fase tardia do compositor, enquanto o segundo - conhecido pela indicação "Tutti gl'istromenti sordini" - cria uma atmosfera de serenidade incomum, graças ao uso de cordas com surdina. Ambos dialogam estreitamente com outras obras instrumentais e vocais do compositor, demonstrando como Vivaldi frequentemente reutilizava e transformava suas próprias ideias musicais.

À frente dessa gravação está Giovanni Antonini, um dos maiores especialistas atuais em interpretação historicamente informada. Fundador do Il Giardino Armonico, ensemble criado em 1985, Antonini construiu uma carreira marcada pela redescoberta do repertório barroco e clássico, colaborando com alguns dos principais músicos da atualidade e liderando o ambicioso projeto Haydn 2032, dedicado à gravação integral das sinfonias do compositor austríaco.

Mais do que um simples recital de concertos, este álbum demonstra que Vivaldi foi um verdadeiro experimentador das cores instrumentais. Ao explorar diferentes tipos de flauta e combinar virtuosismo, imaginação e refinamento tímbrico, o compositor amplia nossa percepção da música barroca, revelando um repertório que permanece surpreendentemente moderno em sua inventividade.

Não deixe de ouvir. Uma boa apreciação! 

Antonio Vivaldi (1678-1741) - 

01 - Concerto in do maggiore per flautino, archi e B.C. RV 444 - 1. Allegro non molto
02 - 2. Largo
03 - 3. Allegro molto
04 - Concerto in fa maggiore Op. 10 No. 1 per flauto, archi e B.C. 'La tempesta di mare' RV 433 - 1. Allegro
05 - 2. Largo
06 - 3. Presto
07 - Concerto in do maggiore per flautino, archi e B.C. RV 443 - 1. (Allegro)
08 - 2. Largo
09 - 3. Allegro molto
10 - 'Cum Dederit' per chalumeau e B.C. dal 'Nisi Dominus' RV 608
11 - Concerto in do minore per flauto, archi e B.C. RV 441 - 1. Allegro non molto
12 - 2. Largo
13 - 3. (Allegro)
14 - Concerto in la minore per flautino, archi e B.C. RV 445 - 1. Allegro
15 - 2. Larghetto
16 - 3. Allegro
17 - Concerto in fa maggiore per flauto, archi e B.C. 'Tutti gl'istromenti sordini' RV 442 -
18 - 2. Largo e cantabile
19 - 3. Allegro

Il Giardino Armonico
Giovanni Antonini,  flauta e direção

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